miércoles, 13 de agosto de 2008

Willie Bobo - Do that thing guajira 1963


MP-3 / 192 KBPS

Temas:
1-Bobo! Do That Thing
2-Diferente
3-Be's That Way
4-Un Solo Favor
5-Azulito
6-Grab Your Hat
7-Chickadee
8-Guajira
9-Rigor Mortis
10-Latin Interlude
11-A La Bobita
12-Ritmo Tymbal

Willie Bobo fue uno de los grandes percusionistas latinos de su tiempo, un interpete incesante con mucho swing para las congas y los timbales, un extravagante animador en el escenario y un cantante atractivo aunque modestamente dotado. El hizo también serias incursions en los mundos del pop, del rhythm and blues y del jazz más ortodoxo, y siempre dijo que su canción favorito era "Dindi" de Antonio Carlos Jobim.

Creció en el Harlem Español y comenzó a tocar los bongoes sólo para terminar tocando con Pérez Prado un año después, estudiando con Mongo Santamaría mientras era su traductor, y uniéndose a Tito Puente durante cuatro años a los diecinueve años. Mary Lou Williams le dio a Correa su apodo de Bobo cuando grababan juntos a principios de los cincuenta.Después de trabajar con Cal Tjader, Herbie Mann y Santamaría -con quien grabó el clásico latino "Afro-Blue"-, Bobo siguió con su primer disco como líder en 1963, con Clark Ferry y Joe Farell acompañandolo.

Al grabar para Verve a mediados de los años sesenta, Bobo consiguió su mayor visibilidad como solista con álbumes que avivaron el pop de la época con ritmos latinos, como "Spanish Grease" y "Fried neck bones and some home fries."

Además, Bobo tocó en innumberables sesiones en Nueva York, grabando con artistas como Miles Davis, Cannonball Adderley, Herbie Hancock, Wes Montgomery, Chico Hamilton y Sonny Stitt. En 1969, se mudó a Los Ángeles donde dirigió combos de jazz y de jazz latino, apareció en la primera serie de Hill Cosby (1969-1971) y en shows de variedades de 1976, y grabó solo para Sussex, Blue Note y Columbia.

Una de las últimas apariciones de Bobo, solo tres meses antes de su muerte por cancer, fue en el Festival de Jazz Playboy en 1983, donde se reunió con Santamaría por primera vez en 15 años. (Gracias a

Discography
  • Sabroso! (Fantasy, 1961)
  • Do That Thing/Guajira (Tico, 1963) [1]
  • Bobo's Beat (Roulette, 1964)
  • Let's Go Bobo! (Roulette, 1964) [2]
  • Spanish Grease (Verve, 1965)
  • Uno, Dos, Tres 1.2.3 (Verve, 1966)
  • Feelin' So Good (Verve, 1967)
  • Juicy (Verve, 1967)
  • Bobo Motion (Verve, 1967)
  • Spanish Blues Band (Verve, 1967)
  • A New Dimension (Verve, 1968)
  • Evil Ways (Verve, 1968)
  • Do What You Want To Do, Tomorrow Is Here (Sussex, 1971) [3]
  • Tomorrow Is Here (Blue Note, 1977) [2]
  • Hell Of An Act To Follow (Columbia, 1978)
  • Bobo (Columbia, 1979)
Rumbéatelo:

¡ Labasta llegó !


36619 KB /128 Kbits

Temas:
01. La Toalla
02. Bello Amanecer
03. No Volvere
04. San Antonio
05. La Gallina
06. Labasta Llego
07. Yo Soy El Guaguanco
08. Guaguanco Bongo
09. Sun Sun Ba Ba E
10. Noche De Farra

Gracias a zheonmac

Rumbéatelo:

Rafael Labasta y Su Orquesta - En Vivo En El Rancho Grande ´70


320 Kbps / 91.5 MB

Temas:
01 Mucho Guaguanco (aguanile)
02 Esta Noche la paso Contigo
03 El Rey de los Pollos
04 Luis Chacon
05 Piculina
06 Sansón Batalla
07 Traición
08 No Volveré
09 El Ultimo acto
10 Chaleco

Músicos:
Rafael Labasta - Primera Trompeta, Director
Victor Castillo - Segunda Trompeta
Alberto Gibbs - Piano
Carlos Prado - Bajo
Manuel Vence - Timbal
Santiago Labastid - Bongos
Victor Porte - Conga
Ricardo Chase - Voz
Moises Bustamante -Voz


Rafael Labasta, trompetista de origen dominicano, un profeta fuera de su tierra, el cual hizo carrera en la hermana República de Panamá. Para él, su segunda patria y quien le transformara su vida, llenándola de nuevos conocimientos y grandes amigos.

El mago de la trompeta, una persona internacionalmente conocida, que ha militado y participado con las más cotizadas orquestas del mundo de la música latina. Empezo con Cortijo y su combo, después paso a la orquesta de Francisco Bastar “Kako”, y luego hago unos días con Charlie Palmieri y la Duboney. Tambien toca con Tito Rodríguez, Machito, Tito Puente, Willie Rosario, Tommy Olivencia, Oscar de León y orquestas como la de Chuito Vélez, Vicentico Valdéz, Mon Rivera, Alegre All Stars, entre otras.

Como director de orquestas, ha acompañado a: Roberto Carlos, Alberto Cortés, Charles Aznavour, Barry White, Donna Summer, Harry Belafonte, Sammy Davis Jr, José José, La Lupe, Marco Antonio Muñiz, Armando Manzanero, Olga Guillot, Roberto Ledesma, Lola Flores, La Sophy, Nelson Ned, Rolando La Serie, Leo Marini, Luigi Texidor, Ismael Miranda, Pete “Conde” Rodríguez, Marvin Santiago, Cheo Feliciano, Justo Betancourt, Adalberto Santiago, entre otros. (www.herencialatina.com)

Gracias a Pepe

Rumbéatelo:

El Festival pone Edimburgo patas arriba

Viaje al bullicio de la ciudad escocesa, inabarcable escenario de las vanguardias escénicas.

Tomado de: www.elpais.com

Un café, un cruasán y una obra de 10 minutos titulada Cate Blanchett quiere ser mi amiga en Facebook. Cinco actores interpretan la pieza matinal en la segunda planta de un viejo edificio. No cabe un alma y una veintena de personas se queda sin butaca, bajo la lluvia y sin otro sugerente bocado: Drew Barrymore y Sigmund Freud conocen al monstruo de las galletas.

En la ciudad en agosto, según Rhod Gilbert, hasta los retretes públicos sirven de teatro

En la ciudad en agosto, según Rhod Gilbert, hasta los retretes públicos sirven de teatro

i> No muy lejos, en el Queens Hall (las entradas también están agotadas), la pianista venezolana Gabriela Montero, después de cautivar al auditorio con piezas de Bach, Chopin, Debussy, Schumann y Liszt, pide que alguien del público le tararee una canción para regalar una de sus populares "improvisaciones". Un hombre con barba y aires de aristócrata ermitaño se pone en pie y entona con energía la melodía de Flor de Escocia. La sala entera se pone a cantar y la exuberante pianista teclea la sintonía entre ovaciones.

Así es Edimburgo en agosto: el mayor escenario del mundo de teatro, danza, música y ópera. Una ciudad donde (la frase es del cómico galés Rhod Gilbert) hasta los retretes públicos sirven de teatro. Durante el verano, la ciudad duplica su población. El Fringe, que agrupa las propuestas alternativas, convoca en esta edición 2.088 espectáculos (de los que más de 600 son monólogos cómicos), mientras que la programación oficial del festival, que se inauguró el pasado viernes con Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, de Kurt Weill y Bertolt Brecht, concentra un centenar más de propuestas.

La obra de Weill y Brecht, tragicomedia salpicada de ragtime, blues, tango y foxtrot, abrió las puertas de una edición dedicada a las fronteras. "El festival nació en la posguerra como la expresión optimista de una Europa que debía reconstruirse. Debe sus orígenes a un alto sentido de la comunidad en un continente que necesitaba restaurar su esperanza", señala Jonathan Mills, director del festival, para quien la palabra "comunidad" está hoy nuevamente cargada de significado. Las compañías principales de este año llegan de Polonia, Hungría, Rumania, Bosnia, Georgia, Líbano, Turquía, Palestina, Israel e Irán. Países que proponen un teatro moderno cruzado por las tradiciones.

The Dybbuk se estrenaba el sábado por la noche en el King's Theatre. Un drama de origen yiddish sobre memoria y fantasmas. Las sombras del Holocausto, el peso implacable del pasado y las almas que vagan en pena por un mundo sin tregua. Una novia vestida de blanco baila poseída por su amante por el escenario. A la obra, adaptada por el polaco Krysztof Warlikow, no le falta ni filosofía budista ni un exorcismo in situ de la novia que, después de comerse a bocados un melón, sólo le falta escupir azufre al paciente público. Del más allá también llega la frágil voz de la dramaturga Sarah Kane, la escritora de Bristol que se colgó a los 28 años y que dejó en forma de obra de teatro su testamento suicida. En 4. 48 Phsycosis (título que hace referencia a la hora de la madrugada en la que el deseo de vivir llega a su punto más bajo), Kane escribió: "Para poder seguir adelante tienes que acabar con parte de tu conciencia. O serás crónicamente sana en una sociedad crónicamente insana".

El teatro como terapia y el teatro como espejo del absurdo moderno. Dos obras del Fringe han cosechado algunas de las mejores críticas de la temporada. Charlie Victor Romeo tiene un planteamiento sencillo: la tripulación de un avión y un texto macabro, el de la transcripción de las cajas negras de varios accidentes aéreos ocurridos en EE UU. Un espectáculo -"de terror", puntualiza un crítico- cuyo lenguaje a veces incomprensible y abstracto provoca una náusea de vértigo y ansiedad. Para la compañía estadounidense Collective Unconscious Company, que firma la obra, Charlie Victor Romeo trata sobre la especie humana y su innato valor en situaciones extremas.

Del enigma de una caja negra a la barra de un bar del Nueva Orleans pos-Katrina. The Team (Theater of the Emerging American Moment) está detrás de Architecting, revisión posmoderna de Lo que el viento se llevó en la que Rhett Butler y Scarlett O'Hara se reencuentran como hambrientos capitalistas dispuestos a reconstruir la ciudad devastada. Teatro escrito e interpretado por un grupo de ambiciosos treintañeros que hace un año ya deconstruyeron otro filme-icono de su país, El mago de Oz, convirtiéndolo en parábola política.

El mejor sitio de Edimburgo está o dentro de una sala o debajo de un paraguas. La lluvia no da tregua a las decenas de actores callejeros que cantan, bailan o recitan aunque truene. La lluvia no parece molestar a nadie. Mujeres zancudas, vestuarios isabelinos, versiones a capella de Van Morrison y un hombre pintado de blanco y desnudo que ofrece una coreografía conceptual pasada por agua. Se llama Shigeru Gotoh y reparte su número de teléfono por si alguien quiere contratarle.

Solo y colgado de una escalera se presenta el actor Martin Niedermair con la obra australiana The tell-tale heart, que recrea textos de Edgar Allan Poe. La obra, en la sección oficial, está dirigida por Barrie Kosky. Otro viaje a la locura en el que el miedo (el actor suda y suda colgado de una escalera en una interpretación casi atlética) muestra los abismos de las obsesiones del autor de Annabel Lee. Otro monólogo desesperado en un festival que rebaja las dosis de intensidad dramática a golpe de autobiografías cómicas.

De todas ellas es una ex chica Bond la que más atención acapara este año. Britt Ekland (bomba sexual que fue mujer de Peter Sellers y una de las rubias favoritas de Rod Stewart) ha convertido los episodios de su vida en un espectáculo de humor y resistencia. "Fui una gatita sexy hasta los 54 años", asegura Ekland en una entrevista en la que celebra haberse reciclado en una "divertida" mujer de 65 años capaz de reconstruir su vida a golpe de gag. Bajo el título Britt on Britt, la actriz reivindica una madurez plena junto su chihuahua Tequila, "el único hombre en vida".

"He venido muchas veces como actor y ahora vengo a Edimburgo como profesor. Ésta es una experiencia única", afirma Justin Joseph, profesor de teatro de la localidad de Latymer. De su instituto llega una versión minimalista de Elegies, un musical de Brodway sobre el sida que se representa el lunes a la hora de comer y sólo para 20 personas. Una habitación oscura y sin decorados donde una docena de adolescentes canta y baila interpretando a las víctimas de una fiesta que se acabó. Y una señora, en primera fila, que llora desconsoladamente por "los ángeles, los punkis y las reinas furiosas".

Y lo que queda...

- Irán. Las primeras entradas agotadas fueron las del espectáculo iraní Devil's ship, dirigida por un discípulo de Peter Brook, Attila Pessyani, y que se estrena a finales de mes con cinco mujeres encabezando el reparto. Además, el cineasta Abbas Kiarostami presentará el viernes 15 su último filme: Looking at Tazieh.

- Sarajevo. Bajo el título Class enemy y dirigido por Haris Pasovic, la obra (se estrena el día 20) lleva la violencia de una clase de adolescentes a las calles de Sarajevo.

- Ópera. Uno de los grandes estrenos del festival, el 25 de agosto, será la ópera King Roger, filosófica y romántica, dirigida por Karol Szymanowski.

- Poema ritual. El Teatro Nacional Palestino estrena este jueves Jidariyya, adaptación escénica de un poema de Mahmoud Darwish entre lo más hermoso de la sección oficial.


El Fotógrafo que Desnuda a los Escritores

Daniel Mordzinski expone 180 retratos de autores iberoamericanos

Tomado de: www.elpais.com

Por: WINSTON MANRIQUE SABOGAL - Madrid - 19/07/2008

Click... click... y cuando Javier Cercas se da cuenta está en mitad de su piscina portátil en Gerona, con el agua a las rodillas y leyendo un Hamlet. Fue lo único que puso de su parte para la foto en que lo inmortalizó Daniel Mordzinski. El autor de Soldados de Salamina no supo en qué momento el fotógrafo argentino lo embaucó e hizo que él solito se metiera en la piscina entre risas y bromas. "Mordzinski tiene la ventaja de ser muy cordial", cuenta Cercas, "su conversación fluye de manera natural sobre literatura y otras cosas. No te fuerza a nada y cuando te das cuenta te estás prestando a fotos impensables".

A fotos literarias. A retratos que complementan la vida del escritor y su obra. A imágenes que son punto de partida o final de una historia por contar donde el escritor es el protagonista. Como se aprecia en la exposición de la Casa de América de Madrid: Daniel Mordzinski. Fotógrafo entre escritores, una antología de 30 años de trabajo y 180 retratos expuesta hasta el 7 de septiembre.

Poetas, narradores y ensayistas españoles, portugueses y latinoamericanos que han construido parte de la historia de la literatura de las últimas tres décadas están allí, en su casa o en la calle, vestidos o desnudos, pero siempre descubriéndose a sí mismos.

Aunque Mordzinski (nacido en 1960) no recuerda el momento exacto en que empezó este proyecto fotoliterario, sabe que fue hace 30 años, en Buenos Aires, la ciudad donde nació y se formó literaria y sentimentalmente: "Daba mis primeros pasos en el cine y asistí al rodaje que iba a hacer el mismísimo Borges en San Telmo; hice una serie de fotos que durante algún tiempo no supe interpretar. Un día releí mi trabajo y descubrí que tenía una pista para andar ese camino de cómplice de la literatura. Eran tres pasiones que luchaban por mi corazón: la fotografía, el cine y la literatura. Pero lo que sí me hubiera gustado hacer es cine. Convengamos entonces que la fotografía fue el fruto de una noche de amor entre el azar y la necesidad".

Un arreglo con el destino para crear un pasadizo al universo de los escritores y la literatura con fotografías narrativas.

Jorge Amado, sentado y despojado sus pies de sus chanclas de verano, o Álvaro Mutis, acostado en una playa a la sombra de una roca, o Roberto Bolaño, casi mimetizado entre la vegetación. Imágenes de escritores que "son en verdad una interpretación profunda y respetuosa de su personalidad tal como aparece reflejada en sus rasgos, semblante y expresiones", escribe Mario Vargas Llosa en el catálogo donde él aparece con las manos juntas sobre su cara (¿orando?).

Gabriel García Márquez, de pie sobre unas rocas y visto desde abajo, con un faro que asoma al fondo, o Ana María Matute, sentada en un salón iluminado por la luz que se filtra por los huequecillos de la persiana.

La complicidad que establece con los autores se debe, en parte, según Luis Sepúlveda, a que él lee las obras de sus fotografiados. El autor de Un viejo que leía novelas de amor cree que ahí está parte del poder de seducción del artista argentino, capaz de convencer a alguien como él de ponerse en medio de un gran rebaño de ovejas asomando sólo su cabeza. "Recupera la lúdica del trabajo y la existencia. Sabe que tu imagen va a hablar mucho de ti".

Para Daniel Mordzinski "se trata de alcanzar la zona franca, el estado de gracia en que puedes hacer una buena foto y no el clásico retrato de compromiso. Si en mi trabajo hay una compensación es que las fotos tienen una dimensión personal. Propongo una aventura divertida, rápida, respetuosa, digna y segura".

¿Y cómo sería un autorretrato mordzinskiano? "Sin cámara, sentado en un café, vestido de blanco, viendo la gente pasar, con toda la calma del mundo, conjuradas las prisas y las preocupaciones... ¡Como en un negativo fotográfico!".

Kako y Totico - La Maquina Y El Motor



TEMAS:
01 La Maquina Y El Motor
02 Asi Se Baila
03 Oye Mora Linda
04 Los Barrios Unidos
05 Oye Los Tambores
06 Para Ya, Bandolera
07 Parece Que Esta Lloviendo
08 Cambio Sile
09 Atencion Senores
10 El Trabuco Special

Gracias a Melosan

Rumbéatelo:

Esperanza Spalding - JUNJO 2006


192 Kbps - 66 MB

Músicos:
Esperanza Spalding - Bass

Aruán Ortiz - Piano
Francisco Mela - Batería

Temas:
1. Peacocks
2. Loro
3. Humpty Dumpty
4. Mompouana
5. Perazuán
6. Junjo
7. Cantora de Yala
8. Two Bad
9. Perazela

Tomado de: www.tomajazz.com

Comentario: Esperanza Spalding es una mujer afroamericana guapa, de aspecto frágil, que tan sólo cuenta con 23 años de edad y toca el contrabajo y canta. Semejante carta de presentación, así como el hecho de que compartiera la última jornada del Festival de Jazz de Vitoria con Norah Jones podría hacer suponer a priori que su inclusión como líder en el cartel del festival obedeciera a una temprana amortización de prematuros criterios comerciales. Pero los que tuvimos la suerte de verla en el Festival de Jazz de Móstoles hace un mes con Joe Lovano ya habíamos superado todos los prejuicios.

Esperanza Spalding es una fuerza de la naturaleza. Su envidiable técnica de contrabajo viene avalada por su puesto de profesora en la Berklee School of Music. Su sonido es penetrante y su energía contagiosa. Siempre sonriente, y bailando al son de su propia música, este prodigio de coordinación ataca sus líneas de bajo con lenguaje, improvisa con gusto y canta a la vez con soltura sin perder precisión en su labor contrabajística. Esperanza Spalding no es una anécdota, sino un nombre a tener en cuenta. En su cita vitoriana presentaba su primer disco, Junjo (editado por la compañía barcelonesa Ayva Music), labor que afrontó con desparpajo y espontaneidad.

Muy bien secundada por el batería Lyndon Rochelle y un Leo Genovese que rozó la perfección al piano, la Spalding supo conformar un repertorio variado que compensaba sus devaneos vocales con el hacer instrumental del trío. Abarcando un amplio abanico jazzístico apoyado en originales, el reconocimiento popular vino de la mano de "Body And Soul" y el brasileño "O bem do mar", donde la voz de Esperanza se expresó con dulzura y sentimiento. Técnicamente su coordinación entre ambas extremidades superiores la permite volar sobre el contrabajo como si tocar dicho instrumento fuera algo sencillo. Su dominio del mástil y del oído la permite abordar cualquier nota independientemente de su altura sin necesitar mirar su mano izquierda ni apoyarse en notas de referencia.

Esperanza Spalding sorprendió en su debut alavés, hasta el punto de compartir con e. s. t. el privilegio de ofrecer dos bises. El primero demostró una claridad de ideas que esperamos no fructifique ("sé que esto es un festival de jazz, pero le quiero comprar una casa a mi madre, así que voy a tocar un tema pop"), el segundo fue abordado en solitario, sin piano ni batería. Solas ella, su contrabajo y su voz. Con su inconfundible pelo a lo afro, su dulce carita de niña buena y su perpetua sonrisa , Esperanza Spalding parece estar viviendo un sueño, y tal vez sea así. En todo caso, de momento se lo merece.

Gracias a post de bassistgirl

Rumbéatelo:

Bobby Pauneto - El Sonido Moderno 1969

320 KBPS

Temas:
1. Aguanatando
2. Mi Flor Tropical
3. Is It Tasty
4. Alfie
5. Why Is Woody Sad
6. Mambo Sevilla
7. El Señor Sid
8. Dig It Like It Is
9. Chinatown
10. Pero Dime Tu

Tremendo disco, buenísimo....gracias a Hennessy107

Rumbéatelo:

REPORTAJE: IDA Y VUELTA - Haciendo su trabajo

Foto: Susana Sáez
( 24, Abril 1928- 25, Julio 2008)

REPORTAJE: IDA Y VUELTA Haciendo su trabajo
El pasado sábado 9 de agosto me enteré de la muete del tremendo saxofonista Johnny Griffin (25 de julio, 2008) conocido con el mote de (The Litte Giant- el pequeño gigante) por el amigo, coleccionista, artista y saxofonista Eduardo Irving, entonces no me quedo otra cosa que buscar algo sobre su hermosa y admirble discografía. Aquí le presento este artículo que salió en el País y algunas de sus producciones.

Tomado de: www.elpais.com Babelia
Por: Antonio Muñoz Molina 02/08/2008

Charles Simic me contó que una vez, cuando era muy joven, una noche de finales de los años cincuenta, se atrevió a acercarse a Thelonious Monk en la barra del club Five Spots para decirle cuánto lo admiraba. Era una noche entre semana y el club estaba bastante vacío. Para los aficionados de ahora, educados en los discos y en los libros, en el romanticismo de las fotografías en blanco y negro, el Five Spots es un remoto lugar de leyenda. Para el hombre muy joven que vivía pobremente en Nueva York y tenía aún recuerdos muy cercanos de la guerra y del miedo en Europa, el jazz había sido, escuchado en la radio en Belgrado, la promesa de un mundo más jovial, mucho más amplio, menos hostil a la vida. Iba a los clubes y por el precio escaso de una cerveza que podía marear entre las manos hasta que se le quedaba caliente escuchaba a aquellos músicos prodigiosos cuya singularidad verdadera casi nadie advertía, porque la daban por supuesta, y porque eran muchos y tocaban en sitios que sólo la distancia del porvenir ha ennoblecido: clubes angostos, llenos de humo y de ruido, regentados por gánsteres, marcados por un grosero racismo. Una vez, a Miles Davis, que acababa de estrenar un traje nuevo, le dieron una paliza que lo dejó sin conocimiento unos policías a los que les había parecido sospechoso o provocador que un negro anduviera tan bien vestido.

En el Five Spots, con su cerveza mustia en la mano, Charles Simic escuchaba y veía hechizado a Thelonious Monk Jimmy Cobb roza los platillos como si dibujara una acuarela. No hay ni rastro de exhibicionismo, nada que sugiera que ese hombre es un maestro

En el Five Spots, con su cerveza mustia en la mano, Charles Simic escuchaba y veía hechizado a Thelonious Monk. Era muy joven, dice, agradecía las cosas pero ahora comprende que no les daba la importancia que merecían. Después de un aplauso anémico que resonaba más tristemente en la sala medio vacía, Monk, oscilando con su volumen y sus andares de plantígrado, con un sombrero estrambótico en la cabeza, se acercó a la barra en la que sólo estaba Charles Simic y se sentó en el taburete contiguo al suyo.

Simic tenía la timidez del fervor y de los veinte años. Escribía versos y se pasaba las noches leyendo, pero los músicos de jazz le parecían mucho más atractivos que los escritores. Thelonious Monk estaba inclinado montañosamente sobre la barra muy cerca de él, solo, bebiendo en silencio. Simic se armó de valor, tragó saliva y se acercó un poco más, diciendo el nombre, "Mr. Monk", tal vez en una voz demasiado baja para que Monk lo oyera, tan sumergido en ese mundo de niebla del que no salía nunca del todo, y en el que pasó recluido los últimos diez años de su vida. Por fin se volvió despacio, mirando al hombre mucho más joven con sus grandes ojos lentos y bovinos. Lo siguió mirando así, sin variar la expresión, sin hacer ni un gesto, sin parpadear, mientras Simic hablaba, mientras le decía cuánto había disfrutado el concierto, cuánta admiración sentía por él. Amedrentado, tal vez dominado por el sentimiento juvenil de ridículo, se quedó sin saber qué más decir. Monk seguía mirándolo, como se observa una rareza. En ningún momento despegó los labios. El hombre joven sonrió como pudo, apuró su cerveza ya caliente, pagó y se marchó del club.

Hará unos veinte años, en el club Clamores de Madrid, yo me atreví a acercarme a Johnny Griffin al final de una actuación imborrable. Sonrió, todavía exhausto, con sus ojos achinados, el saxo tenor colgando del cuello; me estrechó la mano con gratitud y dijo, con la incomodidad con que ciertas personas pudorosas reciben los elogios: "Es mi trabajo". Ayer, escuchando la radio, me enteré de que Johnny Griffin acababa de morir, a los 80 años, y me acordé de su figura menuda y de la fiera energía con que tocaba el saxo aquella noche en Madrid, la misma que hay en tantos de sus discos, que raramente aparecen entre los más celebrados del jazz, pero en los que brilla siempre la inspiración y la entereza de un músico que se pasó la vida trabajando en un oficio tan hermoso como sacrificado. A finales de los años cincuenta tocaba en el cuarteto de Thelonious Monk: es posible que Charles Simic lo escuchara en el Five Spots y no se acordara de él. Su cabeza pequeña y sonriente aparece en esa foto colectiva que tomó Art Kane delante de un edificio de Harlem en 1958 y en la que puede verse, sin la menor duda, la mayor concentración de talento musical del siglo pasado.

No recuerdo ahora si estará en esa foto otro de los más tenaces trabajadores del jazz, el batería Jimmy Cobb, que entonces era sólo un año más joven que Johnny Griffin, y que estaba a punto de participar en la grabación de Kind of Blue, uno de esos pocos discos que por más que se escuchen siempre quedan por encima de su propia leyenda. Cómo no va a tener algo de mitológico un tiempo en el que Miles Davis, John Coltrane, Cannoball Adderley, Wynton Kelly, Paul Chambers, Bill Evans, se juntaban para grabar en la misma sesión. De todos ellos, sólo Jimmy Cobb está vivo.

En la barra del club Smoke, uno de estos días finales de julio, lo veo tomando una cerveza. Jimmy Cobb, que está en la gran historia de la música, ha tocado esta noche no como una estrella, sino acompañando a un pianista muy joven, Dan Nimmer, que tiene apenas 26 años, y a un contrabajista que también podría ser su nieto, John Webber. Dan Nimmer viene de la escuela del pianismo suntuoso de Art Tatum, pero también sabe ser rápido y seco, con esa cercanía lacónica a los blues que hay siempre en Duke Ellington y Count Basie. Con su traje y su corbata, a pesar de la noche de julio, con sus gafas de concha, Dan Nimmel tiene algo de ese empollón apasionado que esconde un alma de gamberro. Cincuenta y tantos años mayor que él, ancho y fornido, con una cara saludable, con una camisa azul y una gorra que le dan aspecto de cartero, Jimmy Cobb roza los platillos como si dibujara una acuarela, haciéndolo todo resonancia, y da unos golpes breves en el filo de los tambores o en los mástiles metálicos que se enredan en una especie de telegrafía con las notas sueltas del piano y la pulsación del contrabajo: igual podría golpear delicadamente con las baquetas la columna de hierro que hay junto a la batería o los ladrillos de la pared. No hay ni rastro de exhibicionismo, ni pirotecnias de percusión, nada que sugiera que ese hombre es un maestro. Al terminar toma algo en la barra cerca de mí, con los otros músicos, relajado y sonriente, con el alivio de quien ha hecho bien su trabajo, y yo no me atrevo a felicitarlo.

Músicos que para nosotros ahora son parte de una historia tan gloriosa como inaccesible, cuyos discos coleccionamos como reliquias y acerca de los cuales leemos en los libros, tocaban hace treinta o cuarenta años en los clubes de Nueva York sin que nadie les hiciera demasiado caso, en una época en la que el jazz había perdido el favor de la moda.

DISCOGRAFÍA

Apodado "Little Giant" por su corta estatura, Johnny Griffin, es uno de los últimos grandes creadores y exponentes todavía en activo mas genuinos del hard-bop. Nació en Chicago, uno de los centros urbanos mas importantes del blues y también del gospel, dos raíces musicales que marcaran beneficiosamente a Griffin durante sus años de formación. De madre cantante y padre cornetista, estudio muy pronto obóe, clarinete y saxofón alto y tenor en la famosa "Dusable High School" de su ciudad natal como alumno del no menos famoso Captain Walter Dyett, director musical de la escuela.

Su estreno musical le llegó a los 17 años cuando recién graduado se vio contratado gracias a su magnifica reputación por la banda de Lionel Hampton. Se unió a ellos en la primera gala de la gira en Toledo (Ohio) y ahí permaneció dos largos y fructíferos años. Regresó a Chicago en 1947 y codirigirá junto al trompetista, Joe Morris, un sexteto por cuya sección rítmica pasaron dos pesos pesados del jazz: el contrabajista, Percy Heath y el baterista, Philly Joe Jones. Llega la guerra de Corea y Griffin es movilizado y destinado a Hawai donde pasara dos años ( 1951-1953) tocando en la banda militar de la compañía.

Ya licenciado vuelve a su ciudad natal donde un buen día de 1956, aparece por allí el pianista Thelonious Monk, para cumplir un contrato de 15 días en el club "Bee Hive". Griffin es seleccionado de entre los músicos locales para tocar junto a Monk y a la vuelta el pianista habla maravillas de aquel saxo tenor de Chicago a su compañía discográfica por entonces, la Blue Note quienes tras una primera escucha lo contrata y un mes después graba el primer disco a su nombre: "Chicago Calling" todo un monumento del mejor hard bop de la época. Las cosas empiezan a suceder deprisa y Art Blakey, lo contrata para uno de sus Messengers y grabará con ellos tres álbumes, entre ellos uno con Monk al piano. Otra vez Monk se cruza en su camino y lo llama al año siguiente para sustituir nada mas y nada menos que a John Coltrane, en su cuarteto para grabar en el club "Five Spot" en 1958 y grabadas para Riverside bajo el titulo de "Misterioso".

En 1960 lo contrata su colega Eddie "Lockjaw" Davis, que le propone formar un grupo con dos saxos tenores y sección rítmica. La formula es todo un acierto y el éxito les acompaña desde el principio -graba ocho discos en dos años- pero la situación fiscalmente se tuerce y Johnny Griffin, decide irse a Europa harto de soportar las presiones del fisco americano. Griffin recorre Europa de cabo a rabo pero termina instalándose en Francia donde colabora entre 1962 y 1973 con la extraordinaria institución musical que fue la bigband de Kenny Clarke y Francy Boland. En el 1970 se traslada a vivir a Holanda donde se compra una granja y alterna las grabaciones y actuaciones con el cuidado de la misma. Visita España al final de la década de los setenta donde toca con el pianista, Tete Montoliu, y realiza anualmente un viaje a su patria para no ser olvidado. Falleció en julio de 2008 a los 80 años en un pueblo del centro de Francia, donde vivía autoexiliado desde 1963.

Johnny Griffin - Johnny Griffin Sextet


Johnny Griffin (tenor sax)
Donald Byrd (trumpet)
Pepper Adams (baritone sax)
Kenny Drew (piano)
Wilbur Ware (bass)
Philly Joe Jones (drums)

1. Stix' Trix
2. What's New
3. Woody'n You
4. Johnny G.G.
5. Catharsis

Recorded at Reeves Sound Studios, New York, New York on February 25, 1958


Johnny Griffin - Introducing Johnny Griffin (RVG-edition)

320 kbps + covers

This CD reissue does not have tenor saxophonist Johnny Griffin's first recording as a leader (he made a few sides for OKeh in 1953 and a full album
for Argo a few months earlier in 1956), but it gained Griffin a great deal of attention. Soon billed as "the world's fastest saxophonist," Griffin was also a superior ballad interpreter with a fairly distinctive tone of his own. With strong support given by pianist Wynton Kelly, bassist Curly Russell, and drummer Max Roach, Griffin romps on three of his originals, barn-busting versions of "The Way You Look Tonight" and "Cherokee" (the latter two were not on the original vinyl LP but included as bonus tracks on the initial CD release of the album), and a couple of ballads. Superior music. [In 2007 Blue Note reissued Introducing Johnny Griffin in a remastered Rudy Van Gelder edition.]

01. (00:03:57) Johnny Griffin - Mil Dew
02. (00:05:39) Johnny Griffin - Chicago Calling
03. (00:05:12) Johnny Griffin - These Foolish Things
04. (00:04:58) Johnny Griffin - The Boy Next Door
05. (00:04:23) Johnny Griffin - Nice and Easy
06. (00:05:03) Johnny Griffin - It's All Right with Me
07. (00:07:57) Johnny Griffin - Lover Man
08. (00:06:24) Johnny Griffin - The Way You Look Tonight
09. (00:04:18) Johnny Griffin - Cherokee

Playing Time.........: 00:47:50


53 Johnny Griffin - The Jazz Masters

01. Isfahan (10:48)
02. Take My Hand (9:39)
03. All Through The Night (6:30)
04. Coming On Hudson (5:17)
05. Woe Is Me (11:07)
06. Hush-A-Bye (7:33)
07. Out Of This World (6:05)
08. If I Should Loose You (8:00)

Johnny Griffin - The Little Giant (1959)

Artist: Johnny Griffin
Album: The Little Giant
Label: Riverside
Quality: FLAC & MP3@320
Size: 232 MB & 76 MB
Time: 34:17


This CD reissue is a bit offbeat, for the set by tenor saxophonist Johnny Griffin features three originals by then-obscure pianist Norman Simmons, a reworking of the pop tune "Playmates," Babs Gonzalez's "Lonely One" and the tenor's "63rd Street Theme." Simmons' arrangements for the three horns (which include trumpeter Blue Mitchell and trombonist Julian Priester) are colorful; the rhythm section (pianist Wynton Kelly, bassist Sam Jones and drummer Albert "Tootie" Heath) is state-of-the-art for the period, and Griffin (who is featured in a trio with Jones and Heath on "The Lonely One") is in fine form. An interesting set of obscure straight-ahead jazz. ~ Scott Yanow, All Music Guide

Personnel:
Blue Mitchell (tp)
Julian Priester (tb)
Johnny Griffin (ts)
Wynton Kelly (p)
Sam Jones (b)
Al Heath (ds)

Track Listings:
1. Olive Refractions (Norman Simmons)
2. Message (Norman Simmons)
3. Lonely One (Babs Gonzales)
4. 63rd Street Theme (Johnny Griffin)
5. Playmates (Saxie Dowell)
6. Venus and the Moon (Norman Simmons)

Recorded: Aug. 4 & 5, 1959
MP3@320
Johnny Griffin - Change Of Pace

Artist: Johnny Griffin
Album: Change Of Pace
Label: Riverside
Year: 1961
Genre: Jazz
Format: MP3: 320kbit/s
Time: 39:13
Size: 89,17 Mb (Megaupload)

Tenor saxophone, French horn, drums, two string basses; a change of pace, indeed, brought off with adventurousness and aplomb by Johnny Griffin. By 1961, when he recorded Change of Pace, Griffin had built a reputation as one of the most formidable hard-bop tenors. His greased-lightning abilities with the saxophone were well known from his work with Art Blakey, Thelonious Monk, and the group he co-led with Eddie "Lockjaw" Davis. Less recognized was the breadth of knowledge and curiosity that led Griffin to this unusual project. The instrumentation allowed textures more common to modern classical chamber music than to jazz. The experience and inclination of the players guaranteed unfettered swing. All of the compositions but one are by Griffin or his colleagues. His "Why Not'" underlines his admiration for Stravinsky with a melody line alluding to "Petrouchka."

with Julius Watkins, Bill Lee, Larry Gales, Ben Riley

Best tracks : Soft and Furry, Nocturne

Tracks:

1. Soft and Furry (Johnny Griffin) 3:58
2. In the Still of the Night (Cole Porter) 3:25
3. The Last of the Fat Pants (Johnny Griffin) 4:17
4. Same to You (Johnny Griffin) 4:19
5. Connie's Bounce (Consuela Moorehead-Lee) 3:55
6. Situation (Julius Watkins) 3:51
7. Nocturne (Bill Lee) 5:21
8. Why Not? (Johnny Griffin) 4:57
9. As We All Know (Bill Lee) 4:44

Performers:
Johnny Griffin (tenor saxophone)
Julius Watkins (French horn)
Bill Lee (bass)
Larry Gales (bass)
Ben Riley (drums)

Rec.Feb 7, 1961

Johnny Griffin - Grab This! (1963)

Artist: Johnny Griffin
Album: Grab This!
Year: 1963
Label: OJC/Riverside
Format: MP3 @320kbps
Size: 93mb (RS.com, w/ 5% file recovery)
Includes Covers + Liner Notes

Grab This! finds tenor Johnny Griffin in a soul-jazz mood, which is greatly aided by the organ of Paul Bryant. They are joined by guitarist Joe Pass, bassist Jimmy Bond, and drummer Doug Sides for nice workouts on several originals and a couple of standards. The band seems confident and relaxed throughout this recording, injecting everything it touches with a healthy dose of the blues. Griffin's tone is rich and full throughout, but is most striking on Ellington and Russell's "Don't Get Around Much Anymore" and the self-penned original "Grab This!" Bryant has been given special guest status, and his style is perfectly matched with Griffin's...

He also wrote the wonderful "Offering Time," a slow blues piece with a strong groove. While Pass' role here is more supportive, he turns in several fine solos, as on "63rd Street Theme" and "Offering Time." What is perhaps most striking about Pass' role here is his versatility: he appears as comfortable playing soul-jazz as he would playing hard bop or swing. Bond and Sides supply the steady rhythm needed to keep this soul-jazz moving along. It's amazing that five guys were able to get together and cut this album for Riverside in one day during the summer of 1962. Like Carmell Jones, Griffin moved to Europe in the '60s, lowering his profile in the United States. Grab This! is a fine album, and serves as a reminder of Griffin's lovely tenor sound. ~ Ronnie Lankford Jr., All Music Guide

Amazon.com reviewer:
Featuring Paul Bryant on organ, a very subdued Joe Pass (barely heard, but when he is, as tasty as chicken soup), Jimmy Bond on bass and Doug Sides on drums, this album swings in the painful sense of the word. Johnny Griffin's deep, warm, soulful, fluid and groovin' tone aside, Paul Bryant takes some of the richest and tastiest sounding organ solos probably ever laid down in any studio... in particular he's a master at chordal style soloing... but can also lay down the bop and gospel as well... much "cooler" than Milt Buckner, and leading more towards Johnny Hammond Smith you can hear, smell and feel the double Leslie spinnin on behind Johnny Griffin who takes you straight to heaven. Grab This *is* aptly titled... it *is* something you should grab... a collection of fantastic mid-tempo grooves recording in the summer of '62 and produced by the great Orrin Keepnews, this CD is Griffin's first recording with an organ combo that walks a rewardingly fine line between "soul Jazz" and heavy swing. Griffin outdoes himself on each cut, and if Offering Time doesn't make you want to get out the tamborine and movin' around or These Foolish Things don't want to make you make love, the answer is simple... yuh' ain't got no soul. This CD is a must have ! Also check out Freddy Roach's Good Move and Johnny Hammond Smith's Black Coffee if you dig this sound.

Personnel:
Johnny Griffin (tenor sax)
Paul Bryant (organ)
Joe Pass (guitar)
Jimmy Bond (bass)
Doug Sides (drums)

Recording Date : Jun 28, 1962

Tracks:
1. Grab This! (Griffin) 6:06
2. 63rd Street Theme (Griffin) 5:34
3. Don't Get Around Much Anymore (Ellington, Russell) 8:37
4. Offering Time (Bryant) 6:16
5. These Foolish Things (Link, Marvell, Strachey) 6:39
6. Cherry Float (Griffin) 5:29


Johnny Griffin - Do Nothing Til You Hear From Me (1963)

Artist: Johnny Griffin
Album: Do Nothing Til You Hear From Me
Year: 1963
Label: Riverside
Time: 36:13
Format: MP3 @320kbps
Size: 92mb (RS.com, with 5% WinRar File Recovery)
Includes Covers + Notes

Johnny Griffin, known as the world's fastest tenor-saxophonist in the late 1950's, purposely slowed down a bit on some of his later Riverside albums including this set which was reissued on a 1998 CD. Griffin is joined by pianist Buddy Montgomery (who switches to vibes on two of the six numbers), bassist Monk Montgomery (heard in a rare outing on acoustic bass) and drummer Art Taylor. They perform four standards (including "The Midnight Sun Will Never Set" and "That's All") and a couple of Griffin's basic originals. The music swings and the classic tenorman cuts loose a few times, making for enjoyable if not quite essential music. - AMG

Personnel:
Johnny Griffin (tenor saxophone);
Buddy Montgomery (vibraphone, piano);
Monk Montgomery (bass);
Arthur Taylor (drums)

Recorded at Tsubo, Berkeley, California in June 1963. Originally released on Riverside (9462). Includes liner notes by Joe Goldberg.

Tracks:
1. Do Nothin' Til You Hear From Me
2. The Midnight Sun Will Never Set
3. That's All
4. Slow Burn
5. Wonder Why
6. Heads Up


Johnny Griffin - The Congregation (1957)

Artist: Johnny Griffin
Album: The Congregation
Year: 1957
Label: Blue Note
Format: MP3 @320kbps
Size: 89 mb (RS.com w/ 5% file recovery)
AMG Rating: 5 stars

The Rudy Van Gelder-helmed reissue of 1957's THE CONGREGATION improves on what is already a classic Johnny Griffin date. Backed by Paul Chambers on bass, Kenny Dennis on drums, and Sonny Clark on piano, Griffin demonstrates his usual dazzling dexterity on the tenor sax. The mode is straightforward bop, with a balance of uptempo numbers and ballads, and plenty of stretching out all around. This set comes highly recommended--especially given the improved sound of the reissue--to fans of the style. - Cduniverse.com

Allmusic.com:
The great tenor saxophonist Johnny Griffin is heard in top form on this near-classic quartet set. Assisted by pianist Sonny Clark, bassist Paul Chambers, and drummer Kenny Dennis, Griffin is exuberant on "The Congregation" (which is reminiscent of Horace Silver's "The Preacher"), thoughtful on the ballads, and swinging throughout. It's recommended for bop collectors.

Allaboutjazz.com:
On this 1957 session, the “world’s fastest tenor” sets aside his gun-slinging ways in favor of comparatively restrained, straightforward preaching, consisting of some basic, rather predictable harmonic-rhythmic rhetoric and, of course, that distinctive sound. Griffin’s ample and slow Leslie- like vibrato is somewhat reminiscent of Dexter Gordon’s but without the long tall one’s frequently sardonic send-up of swing-era clichés, replacing them with tension-filled, dramatic alternatives derived from a chord's extended harmonies. In brief, the program on The Congregation is curiously unengaging: it would almost seem the “Little Giant” dispatched more souls with his six-shooters than his sermonizing.

A sense of over-familiarity sets in immediately with the introductory title song, a thinly disguised variation on Horace Silver's “The Preacher.” The remaining five tunes, including the ballad “I’m Glad There Is You,” all gravitate toward the same groove—a medium-up tempo in the key of concert F (a recurrent top tone in the tenor solos as well). And as solid, even sparkling, as they are, Paul Chambers’ bass solos on each of the tunes—at least three of them bowed—tend to underscore the repetitive, formulaic nature of the proceedings.

The virtuosity and rapid-fire articulations of the gifted tenor man begin to emerge on John Jenkins’ “Latin Quarter” (somewhat of a misnomer) with a couple of heated, double-timed choruses and an arresting cadenza, but the momentary spark is extinguished until Jule Styne’s always welcome “It’s You Or No One” which, though again in F, is at least taken at a slightly brighter tempo. Pianist Sonny Clark and Chambers are a flawless team as usual, and the somewhat unusual employment of drummer Kenny Dennis does nothing to obstruct their customary flow. The bonus track, “I Remember You” (in F, naturally), is another nice standard but does little for the program. Its inclusion, in fact, begs comparison with Cannonball Adderley’s superb Cannonball Takes Charge (Riverside, 1959), a session that employs the same instrumentation and a similar program yet maintains a hard, gemlike flame throughout.

Personnel:
Johnny Griffin - tenor saxophone
Sonny Clark - piano
Paul Chambers - upright bass
Kenny Davis - drums

Tracks:
1. The Congregation
2. Latin Quarter
3. I'm Glad There Is You
4. Main Spring
5. It's You Or No One
6. I Remember You (Bonus Track)


Johnny Griffin - A Blowing Session (1957)

Artist - Johnny Griffin
Album - A Blowing Session
Genre - jazz, hard-bop
Label - Blue Note
Year - 1957, release - 1988
Quality - MP3@320kb/s
Size - 57,8 mb
Total time - 38:23

Track List

1. Way You Look Tonight, The 10:15
2. Ball Bearing 09:42
3. All The Things You Are 08:11
4. Smoke Stack 10:11

Total time - 38:23

Personnel: Johnny Griffin, Hank Mobley, John Coltrane (tenor saxophone); Lee Morgan
(trumpet); Wynton Kelly (piano); Paul Chambers (bass); Art Blakey (drums).

Producer: Alfred Lion.

Recorded at the Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey on April 6, 1957. Originally released on Blue Note (1959).

This early date for saxophonist Johnny Griffin is one of his best. In addition to Griffin's renowned skill and speed on the tenor sax--which is evident throughout 1957's A BLOWING SESSION--the personnel here comprises an almost unbelievable all-star lineup. With Art Blakey's hard-swinging thunder on the drums, Paul Chambers holding down delicate-yet-complex bass lines, and Wynton Kelly's bluesy touch on the piano, the rhythm section is simply unbeatable. Add to this young firebrand Lee Morgan on trumpet, and the triple saxophone threat of Griffin, Hank Mobley, and John Coltrane, and you have one of the most talented bands of the hard-bop era.

These musicians existed in the same general orbit--all had played with groups led by Dizzy Gillespie, Miles Davis, or Blakey himself. As expected, they display a marvelous rapport, with plenty of fine interplay, invention, and heat to keep things cooking. The set features two Griffin originals and two standards ("The Way You Look Tonight," played at breakneck speed, and the lightly swinging "All the Things You Are"). The album is aptly named--Morgan, Coltrane, Mobley, and Griffin are in dazzling form on every track. This hard-bop classic deserves a place in every jazz fan's library.


Johnny Griffin - Take My Hand (1988)

Release Date: 1988
AMG Album ID: R 190486
Quality: mp3@320
Size: 124 Mb

Track list:
1. Isfahan
2. Take My Hand
3. All Through The Night
4. Coming On The Hudson
5. Woe Is Me
6. Hush-A-Bye
7. Out Of This World
8. If I Should Lose You

XI Festival de Salsa al Parque 2008,


Tomado de: www.culturarecreacionydeporte.gov.co

En agosto Bogotá se moverá al compás de Cali Pachanguero, Una aventura, El sombrero de Yarey, Buenaventura y Caney, y temas de alta recordación de reconocidos músicos de Venezuela, en la versión 2008 del Festival Salsa al Parque.

El festival, organizado por la Secretaría de Cultura y la Orquesta Filarmónica de Bogotá, se realizará del 9 al 18 de agosto, en el marco de la fiesta de los 470 años de fundación de la Capital.

Las jornadas finales de conciertos serán el 16 y 17 de agoto en la Plaza de Bolívar. Dos días para azotar baldosa, con Orquestas como Yorubá, Enclave 80, Salsamonte, Yerbabuena musical y sus trombones, Calambuco-Salsa Brava, Guarango, Conjunto Típico Sabor a Caney y Palo Pa’rumba, como gran destacado de Bogotá.

La cuota salsera nacional estará a cargo de Toño Barrio y Alma de Barrio. Como invitados internacionales estarán La Original de Manzanillo de Cuba y La Descarga Criolla de Venezuela con sus invitados especiales: Cesar Monje, Cheo Navarro, Teo Hernandez y Ralph Irizarry de Puerto Rico. El Festival en su versión número 11 rendirá un gran homenaje al Grupo Niche y a su director Jairo Varela.

Las agrupaciones profesionales de bailarines, seleccionadas para el festival son: Fundación para el desarrollo artístico integral Sin Límite, Academia Paso Latino y Nueva Generación de Mambo y Chachacha.

El festival contará además con l aprticipación de Programadores especializados de salsa de la radio nacional, Actividades didácticas en varios escenarios y Encuentro de coleccionistas y melómanos

Programación Salsa al Parque

PLAZA DE BOLIVAR – 2:00 P.M. A 8:30 P.M.
ENTRADA GRATIS

HORA

16 DE AGOSTO

HORA

17 DE AGOSTO

2:00 A 2:35

GUARANGO

2:00 A 2:35

ORQUESTA DE LA POLICIA

2:35 A 2:50

ACADEMIA PASO LATINO

2:35 A 2:50

EMISORA DE LA POLICIA - WILLIAM ORTEGA

2:50 A 3:25

CONJUNTO TÌPICO SABOR A CANEY

2:50 A 3:25

ENCLAVE 80 ORQUESTA

3:25 A 3:40

EMISORA KENNEDY

3:25 A 3:40

RADIO SUPER CARLOS AMAYA

3:40 A 4:15

CALAMBUCO SALSA BRAVA

3:40 A 4:15

SALSAMONTE ORQUESTA

4:15 A 4:30

RCN EMISORA FIESTA - OMAR PÁEZ

4:15 A 4:30

RADIO SUPER JAIME VELASQUEZ

4:30 A 5:05

ORQUESTA YERBABUENA MUSICAL y sus Trombones

4:30 A 5:05

YORUBA ORQUESTA

5:05 A 5:20

EMISORA SALSUBA - FERNANDO LOPEZ

5:05 A 5:20

LAUD ESTEREO - YAISON PUENTES

5:20 A 5:45

ALMA DEL BARRIO – Samir Varela

5:20 A 6:00

PALO PA RUMBA INVITADO LOCAL

5:45 A 6:05

FUNDACIÓN PARA EL DESARROLLO ARTÍSTICO INTEGRAL - SIN LÍMITE.

6:00 A 6:20

COMPAÑÍA ARTÍSTICA NUEVA GENERACIÓN DEL MAMBO Y CHA CHA CHA.

6:05 A 6:40

TOÑO BARRIO - CALI

6:20 A 7:10

ORQUESTA INTERNACIONALORIGINAL DE MANZANILLO - CUBA

6:40 A 6:55

JAVERIANA ESTEREO - JAIME RODRIGUEZ

7:10 A 7:25

U.N. RADIO MANUEL DURANGO

6:55 A 8:30

HOMENAJE GRUPO NICHE – COLOMBIA

07:25 A 8:30

DESCARGA CRIOLLA - VENEZUELA Estrellas Invitadas de Venezuela: Cesar Monjes, Cheo Navarro, Teo Hernández, Ralph Irizarry (Pto. Rico)


9º ENCUENTRO DE COLECCIONISTAS Y MELOMANOS
PARQUE EL RENACIMIENTO Calle 26 Cra 22
Sábado 9 de agosto de 11:00 a.m. a 8:30 p.m.

Con la participación de KONGAS ORQUESTA, PAREJAS DE BAILE, Djs de Bares de diferentes localidades, Conversatorios

ACTIVIDADES DIDACTICAS

Taller de ensamble 11 y 12 de Agosto 9:30 a.m. ASAB (con inscripción para músicos)
Taller de music bussiness 20 de Agosto - Sala Otto de Greiff (entrada libre hasta llenar cupo)
Taller de percusión e improvisación 18 de Agosto Sala Oriol Rangel (para músicos)


Informes:
JEANNETTE RIVEROS y MARILUZ MORALES - jriveros@ofb.gov.co mmorales@ofb.gov.co
HOMENAJE A NICHE Y A SU DIRECTOR JAIRO VARELA


MURIÓ PUNTILLA, LA VOZ DE LA SANTERÍA Y LA RUMBA


Fuente: Radio Gladis Palmera
El percusionista y cantante cubano Orlando Ríos, mejor conocido como Puntilla, falleció en el hospital Montefiore de Nueva York, a los 60 años. Puntilla, quien llevaba varios años sometido a un tratamiento de diálisis, fue uno de los más talentosos intérpretes de rumba y guaguancó en Estados Unidos, y se convirtió en un punto de referencia ineludible a la hora de hablar de música ritual afrocubana.

Nacido en La Habana en 1947, Ríos se estableció en Nueva York tras desembarcar en la famosa oleada de inmigración forzosa llamada Mariel, en Miami en 1980. Su primer valedor fue el también intérprete Eugenio Arango, Totico; pero luego se asoció con Daniel Ponce, los hermanos Andy y Jerry González, Gene Golden, René López y Eddie Bobé, entre otros, para fortalecer su trabajo en torno al complejo rítmico de la rumba.

Especialista en tambores batá, chekeres y demás instrumentos del ritual santero y afro, Puntilla tocó y cantó para grandes del jazz latino como el director Chico 0’Farrill y el productor Kip Hanrahan. Su actuación en el film Calle 54 lo llevó a la fama internacional, luego colaboró con el Caribbean Cultural Center, y su último trabajo individual fue un homenaje al compositor cubano Gonzalo Asencio para el Smithsonian Institute.

Trabajos de Puntilla

Billie Holiday-Lady In Satin 1958


43 MB

Eleanora Fagan Gough (Philadelphia, 7 de abril de 1915 - Nueva York, 17 de julio de 1959)

En 1958 cuando Billie Holiday grabo Lady In Satin, la vida le estaba pasando factura después de 30 años de adicción a las drogas, el alcohol y las relaciones sentimentales destructivas.

Su voz ya no era la de años atrás, sin embargo esa voz ruda y cascada por la vida, canta cada tema del álbum con dolor y como si hubiese vivido cada estrofa en sus propias carnes.
El comienzo del disco con el tema I'm A Fool To Want You, hace que caigas rendido ante la que fue la reina del Jazz. Un año mas tarde moriría dejando atrás su extensa carrera musical que la convirtieron en leyenda!!!!!!!!!

Músicos:
Billie Holiday - vocals
Milt Hinton - bass
J.J. Johnson- trombone
Barry Galbraith - guitar
Barry Galbraith - guitar
Mal Waldron - piano
Urbie Green
Osie Johnson - drums
Phil Bodner
Romeo Penque - woodwinds

Temas:
1. I'm A Fool To Want You
2. For Heaven's Sake
3. You Don't Know What Love Is
4. I Get Along Without You Very Well
5. For All We Know
6. Violets For Your Furs
7. You've Changed
8. It's Easy To Remember
9. But Beautiful
10. Glad To Be Unhappy
11. I'll Be Around

Rumbéatelo:

Dave Holland Quintet - Points of View 1998


Temas:
The Balance Holland
Mister B. Holland
Bedouin Trail Holland
Metamorphose Eubanks
Ario Holland
Herbaceous Holland
The Benevolet One Wilson
Serenade Nelson
Músicos:
Dave Holland (acoustic bass),
Steve Wilson (soprano, alto sax),
Robin Eubanks (trombone),
Steve Nelson (vibes, marimba),
Billy Kilson (drums)

Review: Dave Holland, who made a name for himself initially playing with Miles, Corea, Braxton and his own early-70s avant-jazz classic Conference of the Birds, has mellowed a bit. Not too imply the fire's gone out--just saying that this album could actually get radio-play during the daytime hours on a big-city jazz station or program.

The mildly Middle Eastern-tinged ballad "Bedouin Trail" recalls the more "exotic" compositions of Charles Tolliver ("Along the Nile"), Jackie McLean and Wayne Shorter. Eubanks' "Metamorphos" has a touch of the early-60s Blue Note "funky/soul-bop" sound along with its quirky melodic line and alternately punchy (Eubanks) and Konitz-cool flavored (Wilson) solos, before flirting with "out" passages. "Ario" is a genuinely pretty ballad (also Blue Note-ish), with nice unison play/interplay from the horns.

This is not a cutting-edge nor introspective session from Holland (who's still one of the best bassists on the planet, with that sturdy, supple tone), but a relatively straight-ahead one. And a good one, at that--it won't put you in orbit, but it's well worth a trip to the store. (And for jazz neophytes, not a bad album to start off with.)

Rumbéatelo:

Freddie Hubbard - New Colors


Temas:
1) One of Another Kind- 7:58
2) Blue Spirits- 9:05
3) Blues For Miles- 6:31
4) Dizzy's Connotations- 8:42
5) True Colors- 5:05
6) Red Clay- 8:19
7) Osie Mae- 6:08
8) Inner Space- 7:45

Músicos:
Freddie Hubbard- Fluegelhorn, David Weiss- Trumpet, Craig Handy- Tenor and Soprano Saxophone, Javon Jackson- Tenor (Track 4), Myron Walden- Alto Saxophone (Tracks 1,2,5,8); Ted Nash- Alto Saxophone (tracks 3,4,6,7) Kenny Garrett- Alto Saxophone (Track 3), Luis Bonilla- Trombone (tracks 1-7), Steve Davis- Trombone (track 8), Chris Karlic- Baritone Saxophone, Xavier Davis- Piano, Dwayne Burno- Bass, Joe Chambers- Drums (tracks 1, 2, 5,8) Idris Muhammad- Drums (tracks 3,4,6,7



The New Jazz Composers Octet, a New York scene collective of young players/composers dedicated to the ideal of new composition in jazz, here reaffirms their commitment to “new” jazz composition with nothing less than- you guessed it: backing up a aging jazz icon in an album consisting entirely of that icon's tunes.

How the irony of this could escape even the casual observer is beyond this reviewer. The New Jazz Composers collective, if one has checked out their web site, forswears to a mantra of creating original music. Perhaps it is they who are being ironic, or maybe this reviewer takes them too seriously in living out their ideal; in any event it is at least rather odd that the members of the Octet chose to do a record with Freddie Hubbard and play only his tunes.

Alas, people will say that there may not be new compositions on this album, but there are most certainly- New Colors. The line goes like this: The New Jazz Composers acquit themselves of any charges of fraud or pretense by their fundamentally “new” arrangements of these standby tunes like Red Clay and Blues for Miles. Fair enough, assuming however- assuming, that the arrangements transcended the tunes enough to make them seem truly, fundamentally, new, such as the “New Directions Band” (Greg Osby and co.) managed to do to a good extent on their album of Blue Note covers. Judging by the title this was undoubtedly their promise, but did they deliver?

The New Jazz Composers arrangements of classic Freddie Hubbard tunes do not transcend these tunes by any great measure. Furthermore, it is unfortunate that what “new colors” there are on these tunes is often less for the better. For starters, the opening track, the modal burner “One of Another Kind” is tamed to such an extent by a brass-heavy arrangement and a modest swing that it ends up having little vitality. We needn't even compare this rendition to the vigorous original (on a McCoy Tyner record) to realize how brazenly unmoving it sounds here. The blurred studio mix (that is a constant through the album) with way too much cymbals, doesn't help in the least bit.

“Red Clay”, another of Freddie Hubbard's wooly chestnuts, is another fine case in point, or victim if you will. Lest one be under the impression that Red Clay is THE veritable anthem of jazz-funk, we are treated to a West-Coastish rendition here that lumbers along in a very unfon-kay way. Freddie's opening solo (on fluegelhorn, as throughout) sounds as if he is altogether disinterested; his solo, no insult intended, actually sounds like a broken record. And despite the best efforts of Craig Handy and Xavier Davis in their solos, the track ends up sounding frankly like a cut from Jamey Aebersold play-along cd= flat and swinging in only the most stilted way.

That said, attributed to the blandness of “Red Clay” and other tracks is that the rhythm section is not at all responsive, and the horn section is similarly at fault (their refrains typically sound like they are on a 2-second time delay.) The collaboration of these two lacking performances means this band as a whole reeks of a studio auto-pilot aura from almost start-to- finish on this record.

Aside from the negatives, which admittedly are quite abundant here, “Blue Spirits” is one of the few genuinely worthwhile tracks on this record. Craig Handy's solo on soprano is incisive and Freddie Hubbard turns out his most thoughtful solo on the album as well. The Octet undergirds the soloists with responsive brass chorus' and here the band sounds most like one full unit, instead of Freddie +8 or the rhythm section being aloof. “True Colors” is also a pretty good one; the band actually swings a bit here and lets down its uptight studio hair. Craig Handy has a strong solo and Myron Walden follows suit. It is a tidy affair however, at only over 5 minutes. “Inner Space” is noted for its decent intensity. “Dizzy's Connotations” however is only fair and it is probably the most telling track of this record. It has an overwhelming vibe of modest ambition and indifference, with the results being suitably modest and indifferent. That is the par of this record; a modest studio outing it is.

Finally, there is the issue of (nominal) leader Freddie Hubbard himself. That is in fact an issue on this record, because there is no doubt that many people are going to buy this record on the basis of his name alone.

Please take care to realize that Freddie Hubbard is a NOMINAL leader in every sense of the word on this record. His name may be out front-and-center on the record cover but it is only obvious he is never out front-and-center as a musician here. His solos are brief and too often wavering, and he does not lead the band in playing the melodies in a very assertive way. For those expecting some kind of return to form by Freddie Hubbard here, you will be sorely disappointed, not only because he plays fluegelhorn straight through but because he doesn't even sound remotely convincing on the easier-played horn. The fact of the matter is, Freddie's chops are way down and this record, pity him or not, is he as a shadow of his former self. If you want to hear Freddie Hubbard like Freddie Hubbard can play, and of recent years- check out the live album reissued on Metropolitan a year ago. THAT was a return to form. This in contrast suggests a slippery slope for the future in his playing.

Finally, this is by no means a completely dismal record; there ARE moments here and there, and even a few tracks that hold interest all the way through. But it would not at all be an understatement to say that this is an exceptionally pedestrian, ho-hum blase record, and it is most certainly a contender for the top-ten blandest studio jazz records of 2001.

Why the New Jazz Composers Octet latched onto Freddie Hubbard to create not only a record comprised purely of Freddie's tunes, but a mediocre one at best, is confounding. These are supposedly “go get ‘em” cats who are very idealistic about the musical careers which lay before them, and yet here they play a very slim second fiddle to the big name of a fading Freddie Hubbard. For what? Affection or honoring Freddie? Perhaps, but if they also bet that Freddie's name can help them get exposure, they are right in theory but wrong so long as they don't realize the record has to stand on it's own merits. Maybe they will think harder about going against their own better wisdom (New Jazz Composition) next time.

Visit Freddie Hubbard on the web.
Freddie Hubbard at All About Jazz.

Rumbéatelo:

Keith Jarrett Tokyo '96




Temas:
1.It Could Happen To You
2.Never Let Me Go
3.Billie’s Bounce
4.Summer Night
5.I’ll Remember April
6.Mona Lisa
7.Autumn Leaves
8.Last Night When We Were Young/Caribbean Sky
9.John’s Abbey
10.My Funny Valentine/Song

Músicos :
Keith Jarrett - Piano
Jack DeJohnette - Batería, Snare
Gary Peacock - Bajo .

Grabado en el Orchard Hall
de Tokio el 30 de Marzo de 1996 .

Rumbéatelo: