lunes, 11 de agosto de 2008

Max Roach - Deeds, Not Words 1958


99.5 MB / 320 KBPS

Músicos:
Max Roach Drums
George Coleman Tenor Saxophone
Art Davis Bass
Booker Little Trumpet
Oscar Pettiford Bass
Ray Draper Tuba

Temas:
1. You Stepped Out Of A Dream
2. Filide
3. It's You Or No One
4. Jodie's Cha-Cha
5. Deeds, Not Words
6. Larry-Larue
7. Conversation
8. There Will Never Be Another You

This CD reissue of a Max Roach Riverside date is notable for featuring the great young trumpeter Booker Little and for utilizing Ray Draper's tuba as a melody instrument; tenor saxophonist George Coleman and bassist Art Davis complete the excellent quintet. Highlights include "It's You or No One," "You Stepped out of a Dream" and Roach's unaccompanied drum piece "Conversation." This is fine music from a group that was trying to stretch themselves beyond hard bop. ~ Scott Yanow

Rumbéatelo:

GENEROSO JIMENEZ - Generoso Que Bueno Toca Usted 2002


Gran Afro Cuban Orchestra de Generoso Jimenez - Generoso que Bueno Toca Usted @ 320

Temas:
01. Vengo Con Sed.mp3
02. Las Trompetas Se Divierten.mp3
03. Embriagada De Amor.mp3
04. Eso Es Un Trombon.mp3
05. Lagrimas De Licor.mp3
06. Linda Melodia.mp3
07. Dame Un Chance.mp3
08. Aprendiendo Atocar Saxofon.mp3
09. Baila Senor Contrabajo.mp3
10. A Bailar Tomason.mp3

This is a terrific, swinging, celebration of the Cuban Big Band dance orchestra era. Generoso Jimenez, trombonist extraordinaire, has played with the orchestras of Bebo Valdes, Chico O'Farrill and that of Benny More, of which he is most often associated.
Check out "Lagrimas De Licor," "Dame Un Chance" and "A Bailar Tomason," my favorite cut. This is, most certainly, an All-Star line-up, and is highly recommended.

Músicos:
Generoso Jimenez Trombone, leader
Rudy Calzado, Maria Elena Lazo, Lazaro Reyes, Pio Leiva, Raul Planas Vocals
Guillermo Rubalcaba Gonzalez Piano
Manolito Simonet Piano
Pedro Alexander Piano
Alfredo Rodriguez Congas y percusion menor
Paquito D'Rivera Saxophones
Enemilio Jimenez Saxophones
Roman Feliu Saxophones
Levin Ocana, Jorge Sylvester, Jose Hernandez, Irvin Acao, Henry Hernandez Saxophones
Lazaro "Cachaito" Cachao, Frank Rubio, Nicholas Walker Bass
Aramis Castellanos
Timbales
Arturo Sandoval Trumpet
Julio Padron Trumpet
Elpidio Chapotin Trumpet
Cristobal Ferrer Trumpet
Juan Pablo Torres Trombones
Leonardo Acosta Trombones
Regina Jimenez Trombones
Leopoldo "Pucho" Escalante Trombones

Rumbéatelo:

ARSENIO RODRIGUEZ - COMO SE GOZA EN EL BARRIO 1953


320 KBPS - 108 MEGAS


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Al respetado "Ciego Maravilloso" se le atribuye haber renovado las formas interpretativas del viejo son cubano, avivando sus melodías con un cadencioso montuno con mucha clave en el que, además de los solos de tres, piano, trompeta y tumbadora, el cantante se alzaba en rítmicas improvisaciones acompañadas de un coro, esta parte del son la aprendió Rodríguez del cantante Miguel Zaballa, excelente voz para el canto sonero que para entonces ya había grabado con Floro varias decenas de canciones y boleros en discos Columbia con rotundo éxito de venta en varios países de América, organizó el Sexteto Candado o Sexteto Zaballa, siendo este último su nombre más popular.

Este sexteto se convirtió en poco tiempo en la escuela para los nuevos soneros que surgieron en venideras épocas ; por alli pasaron los jóvenes cantantes Antonio Abad Lugo Machín, Francisco Riser Alonso Panchito y como ya lo mencionamos Arsenio Rodríguez quien aprendió con el maestro Zaballa a poner los cantantes a cantar en tonalidades altas cuando estuvo militando en su grupo.

Una acción que se le ha denominado como el arte de sonear y que también se experimentó con fuerza en los trabajos musicales coetáneos que se desarrollaban en Puerto Rico y que para mediados de la década de los 60, el movimiento salsero calcara sin innovar en nada, por lo menos en sus inicios.

.....El fundamento de la música de Arsenio es la clave. Este instrumento, se usa para darle inspiración, no tan sólo al ritmo musical, sino también a los bailadores. Su agresiva acentuación dentro de la clave dejó a los amantes de música pidiendo más. El estilo de Arsenio creó un cambio en la música bailable cubana y, consecutivamente, en toda la música bailable latina de Nueva York y el Caribe........

......manifestaron los músicos René López, Andy Kaufman y Andy González, en un breve escrito biográfico sobre el ciego maravilloso publicado en 1974.

Con toda la influencia sonera que se vivía en el momento por toda la isla, además de la cantidad de grupos en formato de sexteto que proliferaron gracias a la creación y éxito de el más famoso de todos los grupos soneros de los años veinte, el reconocido Sexteto Habanero que marcó la pauta para el desarrollo del son en la capital cubana y sus alrededores ; esta fiebre sonera fue cultivando adeptos y ello permitió que cada día se crearan más grupos y el son siguiera en su proceso de expansión por todas las provincias de la isla.

Fue este ambiente el que permitió que el Son fuese asimilado por diferentes formatos musicales de la época tales como los dúos, trios, estudiantinas, sextetos y demás que se encontraban en su fase embrionaria (septetos, conjuntos, combos....etc.), la asimilación del son por estos formatos y la rápida expansión por todo el territorio cubano permitió que el son se introdujera en la trova, la guaracha, el danzón y otros aire del momento. Las agrupaciones cubanas tomaron a partir de 1920, diferentes formas o líneas de trabajo, siendo las más significativas, además de los sextetos y septetos, las orquestas en formato de charangas, los conjuntos y las jazz band.

Es esta mezcla la que me permite hacer la siguiente clasificación de acuerdo con los grupos más sobresalientes de los años veinte y treinta.

Dichos grupos con su forma de hacer sonar el caliente y sabroso Son fueron: Las orquestas charangas: compuestas en su mayoría por piano, contrabajo, timbal, güiro, violines, flauta y un cantante.

Los conjuntos : formados por dos, tres o cuatro trompetas, bongoes, piano, contrabajo, tumbadora y tres cantantes, que a su vez eran los encargados de tocar maracas, clave y guitarra rallada.

Las jazz band : las constituían una línea de saxofones, tres trompetas, trombón, drums, piano, contrabajo, tumbador y un cantante más, aunque no hay reglas sin excepción y hubo sus variantes.

Como la aceptación y simpatía del público es un factor determinante en la vigencia y durabilidad de una agrupación, lógicamente algunas fueron más populares que otras. Las charangas más populares fueron, entre otras : Antonio María Romeu en 1910, Neno González en 1926, Orquesta Gris en 1930, Belisario López en 1928, Antonio Arcaño en 1937 y Aragón en 1939.

Se destacaron como jazz band : Hermanos Avilés en 1928, Hermanos Castro en 1929, Orquesta Casino de la Playa en 1937 y Riverside en 1938, entre otras.

Quizás fue este el ambiente del que se nutrio Arsenio para darle un giro al formato grupal con que se tocaba el Son en esos años ; tal vez fue la cercania que el Ciego Maravilloso tenía con la orquesta Casino de la Playa por intermedio de Miguel Eugenio Lazaro Zacarías Izquierdo Valdés y Hernández conocido artísticamente como Miguelito valdés lo que diera la idea inicial al tresero Rodríguez para introducir otros instrumentos que a pesar de que ya habían estado en los grupos del momento no habían tomado el lugar que les diera el aval para innovar el son ; también pudo haber influido el pueblo que con el advenimiento de las jazz-band en el son, exigían a los grupos soneros mayor sonido, fue Arsenio el artifíce de este cambio, su visión y las constantes charlas que sostenía con su amigo Arcaño le permitieron la entrada definitiva a la tumbadora en el Son.

Gracias a PABLOSALSA por estar siempre en candela

Rumbéatelo:

Jerry Gonzalez & the Fort Apache Band-Earthdance 1990

MP3 / 320 kbps


Earthdance encuentra Jerry Gonzalez and the Fort Apache Band sonar como un grupo de Hard Bop, cuando el líder desempeña trompeta y un afro-cubano banda cuando se cambia a congas. Con multa contribuciones de Joe Ford en alto y soprano, tenor saxofonista Carter Jefferson, el pianista Larry Willis, el bajista Andy González, y el baterista Steve Berrios, la banda se extiende en tres originales, más Wayne Shorter "Para Fe Fi Fum", Thelonious Monk's "Let's Llame a este "," Cuando me Fall in Love ", Ron Carter y del" 81 ", cinco de los siete performmances son más de 11 minutos de duración. Bellas Hard Bop de música con un fuerte tinte Latina.

Temas:
1- Nightfall
2- Fe-Fi-Fo-Fum
3- Let's Call This
4- When I Fall in Love
5- 81
6- Earth Dance
7- Los Roncos

Músicos:
Jerry González-Trompeta, Conga, Fliscorno, Productor
Steve Berrios- Bateria
Andy Gonzalez- Bajo
Larry Willis- Piano
Joe Ford- Saxo (Alto), Sax o(Soprano)
Carter Jefferson- Saxo (Tenor)

Gracias a chumancera

Rumbéatelo Part. I
Rumbéatelo Part. II


The Latin Percussion Jazz Ensemble - Live at the Montreux 1980


320 Kbp / 97.94 Mb

This recording represents the culmination of a two week European tour where Tito Puente and Carlos Patato Valdez, the living legends of latin music, along with their respetected young colleagues, captivated the Mountreaux audiente and the European sensibility; presenting an art form of international significance and substance.

Basta ver los nombres de los integrantes de este quinteto para darse cuenta de que se trata de un disco imprescindible: Tito Puente en los timbales, Jorge Dalto en el piano, Carlos Patato Valdés en las congas, Mike Viñas en el bajo y Alfredo De La Fé en el violín. Además con el encanto que da una grabación en vivo en el prestigioso festival suizo.

El Latin Percussion Jazz Ensemble surge de una idea de Martin Cohen, presidente de la empresa de instrumentos de percusión LP, para promocionar sus productos en Europa. Así un grupo de prestigiosos músicos radicados en Nueva York, recorría, en varios tours entre 1979 y 1981, escuelas de música y universidades europeas ofreciendo talleres y recitales a los estudiantes.

El conjunto fue adquiriendo prestigio por los músicos que pasaron por él -antes del quinteto de este disco habían tocado el batería Steve Berríos, el bajista Sal Cuevas, el trompetista René López, el pianista Eddy Martínez y el percusionista Johnny Rodríguez- además de la presencia de Tito Puente y Patato que fueron los que más tiempo permanecieron en la formación. Así, después de algún tiempo, fueron contactados por los organizadores del festival.

Este disco contiene parte del material que presentaban en sus giras, pero sobre todo, la espontaneidad y alegría del jazz latino, en una época que el inmenso éxito comercial de la salsa dejaba poco espacio para proyectos como éste.

Con la excepción de Alfredo De La Fé, que tuvo una destacada participación en agrupaciones salseras, los otros músicos del quinteto, no participaron del todo en el festín. Tito Puente y Patato, no fueron los favoritos del público en aquellos años, aunque dejaron pocos pero destacadísimas huellas en el boom -sólo para nombrar algo, Homenaje a Benny Moré de Puente y Ready For Freddy de Patato, son discos de esa época que también están en el apartado de imprescindibles-.

Pero el excelente pianista argentino Jorge Dalto, fallecido en 1987, fue siempre un músico elitista en sus trabajos -entre sus colaboraciones destacan trabajos con Gato Barbieri, Paquito D'Rivera y en Afro Cuban Jazz el disco con el que Mario Bauzá vuelve a grabar después de muchos años inactivo-. Así, no son muchas sus grabaciones y este disco presenta la posibilidad de escuchar su genio.

Es un disco de standards, Bacalao con pan, My Favorite Thing, Morning, Pare cochero, Almendra y Oye cómo va, se suceden maravillosamente con la espontaneidad del concierto. Otro punto a destacar es que el disco está presentado con todos los errores propios de una grabación en directo. No está maquillado. Lo que se escucha es lo que fue. Y qué más se puede pedir para honrar la memoria de Puente y Dalto sino escucharlos así.


Temas:
1. Bacalao con pan
2. My favorite things
3. Morning
4. Pare cochero
5. Almendra
6. Oye como va

Músicos:
Jorge Dalto: piano
Alfredo De La Fé: violín
Tito Puente: timbales, percusión
Carlos Patato Valdés: congas, percusión
Michael Viñas: bajo

Producido por Martin Cohen

Otra joya mas del aporte del gran Burritocl

Pass: burritocl


Rumbéatelo:

Eddie Palmieri - Live At Sing Sing Vol 1- 2

Eddie Palmieri with Harlem River Drive
Recorded Live At Sing Sing Vol 1- 2
Mp3 CBR 320 Kbps // 100.43 + 100.43 + 7.9 Mb


For a time in the late 1960s and early '70s, Latin music legend Eddie Palmieri's output had a political edge to it. His addressing of economic and racial injustice reached its pinnacle on 1971's RECORDED LIVE AT SING SING. Backed by his Harlem River Drive ensemble, this performance at the upstate New York prison also showcases the culmination of Palmieri's experiments in funk, jazz, and fusion. The combination here of relentless ethnic grooves, hard-hitting funk workouts, and political fire positions Palmieri and his band as something of a Latin equivalent of Fela Kuti and his Africa ensembles.

Vol I
1.- Introduction Joe Gaines M.C.
- Pa la Ocha Tambo (10:15)
2.- V.P. Blues (10.36)
3.- Muñeca (New Version) (7:18)
4.- Introduction Joe Gaines M.C.
- Recitation: Jibaro / My Prettu Nigger by Felipe Luciano
5.- Azucar (1 & 3)


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Vol II
1.- Introduction Joe Gaines M.C. (0:22)
- Vamonos pal Monte (7:32)
- Paquito Navarro Recitation (0:56)
- Calle de la Vera Cruz (7:01)
- Mi mujer espiritual (6:34)

2.- Introduction Joe Gaines M.C. (0:25)
- Somebodys sons (9:46)
- Felipe Luciano Recitation (0:42)
- Un rifle oracion (3:50)
- Diecisiete punto uno (7:25)

Músicos:
-Vitín Paz: Trumpet (solo en el estudio, no en la cárcel )
- Raymond Maldonado: Trumpet
- Nicky Marrero: Bongos
- Tony May: Remixing
- Eddie Palmieri: Piano, Leader
- Charlie Santiago: Timbales
- Ray Romero: Conga
- Felipe Luciano: Poetry, Guest Appearance
- Alvin Taylor: Guest Appearance
- Izzy Sanabria: Art Direction, Cover Design
- Harry Viggiano: Guitar
- Hank Anderson: Bass (Electric)
- Arturo Campa: Vocals, Choir, Chorus
- Arturo Franquiz: Vocals, Choir, Chorus
- Reggie Barnes: Drums
- Jose Rodrigues: Trombone
- Vicente Cartagena: Engineer
- Ernesto Lechner: Liner Notes
- Joe Cain : Producer, Supervisor
- Cornell Dupree: Guitar
- Jon Fausty : Remastering
- Joe Gaines : MC, Guest Appearance
- Andy Gonzalez: Bass
- Ismael Quintana: Vocals, Choir, Chorus
- Charlie Palmieri: Organ, Guest Appearance

Otra mas del gran burritocl

Pass: burritocl

Rumbéatelo Part. I
Rumbéatelo Part. II
Rumbéatelo Part. III

Cal Tjader & Eddie Palmieri - El Sonido Nuevo 1966


100.43 + 20.41 Mb / 320 Kbps

Cal Tjader 1966 collaboration with Eddie Palmieri on el sonido nuevos was a landmark in the history of Latin Jazz. Of course, jazz an Latin musicians had joined forces before (Charlie Parker with Machito and Dizzy Gillespie with Chano Pozo, to cite two pionerering examples), but the meeting of Tjader and Palmieri produced what was truly a new sound (the new sound, el sonido nuevo) blending cool jazz and hot latin sound in a way that had never been done before. Newly remastered and issued here for the first tine on Cd - includind six bonus tracks from other Tjader sessions. (Jazzymusic)

Temas:
1. Los Jíbaros
2. Guajira En Azul
3. Ritmo Uni
4. Picadillo
5. Modesty
6. Unidos
7. On A Clear Day You Can See Forever
8. El Sonido Nuevo
9. Fuji (*)
10. Black Orchid (*)
11. Los Bandidos (*)
12. Poinciana (*)
13. Yellow Days (*)
14. Along Comes Mary (*)

(*) Tracks 9-14 are bonus tracks that did not appear on the original L.P. , el sonido nuevo

No me queda mas que agradecerte Burritocl

Pass: burritocl

Rumbéatelo Part. I
Rumbéatelo Part. II

Cal Tjader - Primo 1973


93.9 mb / 320 kbps

Temas:
1. Mama Aguela
2. Bang Bang
3. Gringo City
4. Vibe Mambo
5. Mambo Show
6. Azucar Mama
7. La Murga Pana Mena
8. Tanga
9. El Watusi
10. Bang Bang

Músicos:
+ Cal Tjader - Vibes
+ Jose Merino, Louis Laurita - Trumpets
+ Jack Jeffers - Bass trombone, tuba
+ Bobby Nelson - Tenor saxophone
+ Charlie Palmieri - Keyboards
+ Bobby Rodriguez - Electric bass
+ Enrique Davila - Timbales
+ Tito Puente - Timbales ("Tanga" only)
+ Ismael Quintana, Victor Aviles, Victor Velasquez- Percussion, vocals
+ William Rodriguez - Bongos
+ Luis Rodriguez - Conga.

Arrangements by Charlie Palmieri & Tito Puente
Produced by Ed Bogas
Recorded February 8 & 9 of 1973

Pass: burritocl

Primo is indeed a primer in Latin music, with classics from the books of Machito, Tito Rodriguez, Joe Cuba, and others reinterpreted in an all-star setting. The esteem in which vibist Cal Tjader was held for his innovations in the idiom is obvious from the spirited writing and keyboard contributions of Charlie Palmieri, and the equally joyous writing and (on Mario Bauza's immortal "Tanga") timbales of Tito Puente. Tjader left many examples of his Latin jazz concepts; this collection, which now includes a bonus alternate version of "Bang Bang," is one of the most vital. (Jazzymusic)

Gracias por el link Burritocl

Rumbéatelo:


FRANCISCO AGUABELLA - CUBACAN 2002


320 kbps / 143 MEGAS

Temas:
My Favorite Things 6:03
Felukin 3:32
Guajira Para Los Pollos 4:53
Fiesta Mojo 4:48
La Costa 7:35
Agua Limpia Todo 5:43
Tin Tin Deo 6:12
Noche Azul 5:10
Mambo For Tito 4:57
Yesterday's Dreams 7:00
Autumn Leaves 6:30

Músicos:
Francisco Aguabella Congas
Charles Owens Tenor sax
Eric Jorgensen Trombone
Ron Blake Trumpet
Donald Vega Piano
John Bulzaguy Bass
Ramon Banda Drums, timbales
Jose "Papo" Rodriguez Bongo & percussion
Justo Almario Tenor sax
Francisco Torres Tombone
Luis Eric Gonzalez Trumpet
Tony Banda Bass
Ricardo "Tiki" Pasillas Timbales
Fabio Miranda Vocals
Eric Ortiz Vocals


Veteran percussionist Francisco Aguabella returns with a smoker of a Latin jazz-mambo release that very well may his best release to date. Each finely crafted tune, which includes some classic covers like “My Favorite Thing” (in which Aguabella plays the batá drum), “Fiesta Mojo” and “Autumn Leaves” smokes, but the centerpiece is the amazing version of “Agua Limpia Todo,” the Aguabella composition in which he wrote for Tito Puente in the ‘50s for Puente’s classic Dancemania album. It is spectacular.

If “Agua Linpia Todo” is the centerpiece, then “Tin Tin Deo,” the Aramo and Chano Pozo composition, is the icing on the cake. The percussive blow-out is remarkable, and Aguabella has never sounded better than right here.

Aguabella acknowledges his debt to Puente with his original composition entitled “Mambo For Puente,” a tune that has captured the Puente fire.
With this release Aguabella seems to defy the effects of time. He has indeed become one of our musical treasures.

Esto llega gracias al buen gusto del pana PABLOSALSA




McCoy Tyner - Afro Blue 2007


MP3 / 320 kbps

Temas:
01-Afro Blue
02-If I Should Lose You
03-You Taught My Heart to Sing
04-If I Were A Bell
05-Summertime
06-The Night Has a Thousand Eyes
07-Blue Bossa
08-Carriba

Músicos:
McCoy Tyner - Piano
Christian McBride - Bajo
Charnett Moffett - Bajo
Bobby Hutcherson - Vibraphono
Claudio Roditi - Trompeta y Flugelhorn
Terence Blanchard -Trompeta
Steve Turre - Trombon y Shells
Johnny Almendra - Timbales
Eric Harland - Bateria
Giovanni Hidalgo - Percussion
Avery Sharpe - Bajo
Lewis Nash - Bateria
Stanley Clarke -Bajo, Bajo (Electric), Bajo (Acoustic)
Ignacio Berroa - Bateria


Esto se le debe al panita chumancera

www.allaboutjazz.com
By John Kelman

While his days as a true innovator are long past, pianist McCoy Tyner, now approaching seventy, has continued to make fine music. In many ways, his post-1970s work has been more about stylistic breadth, contrasting sharply with the more focused modal inventions with John Coltrane in the 1960s that have made him so influential and have reserved a place in jazz history books. Still, while the music collected onto the compilation Afro Blue, documenting Tyner’s eight-year tenure with Telarc, doesn’t break any new ground, it does find the veteran pianist in a variety of contexts, from solo to trio, quartet and quintet. There’s even some very defined Latin jazz to be found, making this a good sampling of where the pianist has been since around the turn of the decade.

Two tracks are included from 1999’s McCoy Tyner and the Latin Jazz All Stars, including a groove- laden reimagining of Mongo Santamaria’s “Afro Blue,” a tune Tyner played many times with Coltrane. While Tyner takes the longest solo—and the one most closely referencing his approach with Coltrane—he’s a democratic leader, providing ample space for flautist Dave Valentin, longtime saxophone collaborator Gary Bartz and, most notably, trombonist Steve Turré, whose shell solo is amongst the best he’s done on record. Both “Afro Blue” and a fiery version of Kenny Dorham’s “Blue Bossa” are driven hard by a potent three-piece percussion section.

Two tracks from Tyner’s solo album Jazz Roots—McCoy Tyner Honors 20th Century Piano Players (2001) demonstrate that even the most distinctive players have roots—and keep abreast of contemporaries and even younger artists. Rather than each tune reflecting a specific pianist, Tyner creates collages, with his own “You Taught Me How to Sing” bearing the unmistakable stream-of-consciousness stamp of Keith Jarrett, but by way of Bill Evans and Chick Corea, and with a little Art Tatum stride thrown in for good measure. A delicate reading of Gershwin’s “Summertime” is equally inclusive. What’s perhaps most remarkable about these tracks is how they avoid Tyner’s signature approach while still sounding like nobody else.

“If I Should Lose You,” from 2004’s Illuminations swings in an ambling, mainstream fashion and features strong solos from bassist Christian McBride and Bartz. That album also featured trumpeter Terence Blanchard, but he’s not heard here. “If I Were a Bell,” from 2003’s Land of Giants, is another mid- tempo swinger, this time reuniting Tyner with vibraphonist Bobby Hutcherson.

Two trio tracks from 2000’s McCoy Tyner with Stanley Clarke and Al Foster complete the compilation: the up-tempo “The Night has a Thousand Eyes” and Latin-esque “Carriba,” featuring a lithe electric bass solo from Clarke.

Afro Blue may not be revolutionary, but it is evolutionary. Tyner demonstrates, with this compilation, that he’s continued to create engaging and relevant music long after his undeniable creative zenith of the 1960s through the mid-1970s.

Visit McCoy Tyner on the web.

Track listing: Afro Blue; If I Should Lose You; You Touch My Heart; If I Were a Bell; Summertime; The Night Has a Thousand Eyes; Blue Bossa; Cariba.

Personnel: McCoy Tyner: piano; Johnny Almendra: timbales (1,7); Gary Bartz: saxophones (1, 2, 7); Ignacio Berrroa: drums (1, 7); Giovanni Hidalgo: percussion (1, 7); Claudio Roditti: trumpet and flugelhorn (1, 7); Avery Sharpe: bass (1, 7); Steve Turré: trombone and shells (1, 7); Dave Valentin: flute (1, 7); Christian McBride: bass (2); Lewis Nash: drums (2); Bobby Hutcherson: vibes (4); Charnett Moffett: bass (4); Eric Harland: drums (4); Stanley Clarke: acoustic and electric bass (6, 8); Al Foster: drums (6, 8).

Rumbéatelo:

Charlie Haden - Land of the Sun 2004

320 Kbps /128.05 Mb

Those who know bassist Charlie Haden from his avant-garde work with the Liberation Music Orchestra and Ornette Coleman will be in for a shock here. LAND OF THE SUN bears little resemblance to the free, strident music Haden recorded in those groups. With the help of accomplished, intense musicians such as pianist Gonzalo Rubalcaba and saxophonist Joe Lovano, Haden has made a record of astonishing consonance, serenity, and beauty.

LAND OF THE SUN features music by three significant Mexican composers. Haden's group performs a song each by Agustin Lara ("Solamente Una Vez [You Belong to My Heart]") and Armando Manzanero ("Esta Tarde Vi Llover [Yesterday I Heard the Rain]"), but the remaining eight tracks are by Jose Sabre Marroquin (whose lyrical, delicate music seamlessly blends jazz with his country's folk traditions). Though understated percussion grooves occasionally accent a melody, the tunes, for the most part, are ballads and lullabies. Rubalcaba wrote the arrangements here, which prominently feature his own sensitive piano playing and Oriente Lopez's lilting flute ("Anoranza [Longing]" is a gorgeous ...

Temas:
1.- Fuiste Tu (It Was You)
2.- Sueno Solo con Tu Amor (I Only Dream of Your Love)
3.- Cancion de Cuna a Patricia (Lullaby For Patricia)
4.- Solamente una Vez (You Belong to My Heart)
5.- Nostalgia
6.- De Siempre (Forever)
7.- Anoranza (Longing)
8.- Cuando Te Podre Olvidar (When Will I Forget You)
9.- Esta Tarde VI Llover (Yesterday I Heard the Rain)
10.- Cancion a Paola (Paola's Song)

Músicos:
- Charlie Haden (double bass)
- Gonzalo Rubalcaba (Piano, Percussion)
- Ignacio Berroa (Drums Percussion)
- Joe Lovano (Tenor Sax)
- Miguel Zenon (Alto saxophone)
- Michael Rodriguez (trumpet, flugelhorn)
- Oriente Lopez (flute)
- Larry Koonse, Lionel Loueke (guitar)
- Juan De La Cruz - Chocolate (bongos)

Producer: Charlie Haden; Gonzalo Rubalcaba; Ruth Cameron

Pass: Patato

Esto se lo agradecemos a Burritocl ...mejor album de jazz 2004

Rumbéatelo Part. I
Rumbéatelo Part. II

STAN GETZ - Anniversary 1987


94.6 MB / 192 KBPS

Temas:
El Cahon
I Can’t Get Started
Stella By Starlight
Stan’s Blues
I Thought About You
What Is This Thing Called Love
Blood Count



MÚSICOS:
Stan Getz -Tenor Sax
Kenny Barron: Piano
Rufus Reid: Bass
Victor Lewis: Drums


Born Stanley Getz, February 2, 1927, in Philadelphia, PA; died of liver cancer, June 6, 1991; son of Alexander and Goldie Getz; married Monica Silfveskiold, 1956 (divorced, 1987); children: Steven, David, Beverly, Pamela, Nicholas.

Best known for his relaxed, melodic improvisations, Stan Getz was one of the most celebrated jazz musicians of his time. He first broke into the public consciousness as "The Sound" during his tenure with the big bands in the 1940s; he became an important figure in the "cool" movement of the 1950s; and, in the 1960s, was the primary disseminator of bossa nova, a mixture of jazz and Brazilian samba rhythms. He remained a primary force in modern jazz throughout his life. As Joseph Hooper said of Getz in the New York Times Magazine, "Inarguably he is one of that ever-diminishing handful of geniuses who have shaped jazz since the 1940s, about half the music's natural life."

Getz practiced tenor sax and bassoon as a child, although he had only six months of lessons and never studied music theory or harmony. In order to contribute to the family finances, he quit school in the ninth grade to get work as a musician. Two years later, in 1942, he was given the chance to play with Jack Teagarden, the best jazz trombonist of his day. He then joined Stan Kenton's big band, contributing to the hits "Eager Beaver" and "Tampico." After stints with Jimmy Dorsey and Benny Goodman, in 1947, Getz found a spot in Woody Herman's band as one of the original Four Brothers, the sax section that gave the band its unique sound. He established himself as a lyricist with his improvisational solo "Early Autumn," which he recorded with Herman.

With his reputation established, Getz left Herman's band in 1949 to front a quartet. Once the guitarist Jimmy Raney joined the group, the quintet solidified their following among be-bop fans. Jack Sohmer of Down Beat describes Getz's versatility in a review of The Complete Recordings of the Stan Getz Quintet with Jimmy Raney: "Such tracks as 'The Song Is You'... and 'Budo' will immediately belie the notion that Getz was only comfortable with ballads and, somewhat later, lilting Latin melodies. On these selections, as well as many more throughout, Getz proves himself an early master of cookery, 52nd St.-style." Getz collaborated with a number of jazz greats in this period, including Oscar Peterson, Coleman Hawkins, Dizzy Gillespie, and Bob Brookmeyer. His 1957 concert with J. J. Johnson resulted in one of his most highly acclaimed recordings, At the Opera House.

Getz's cool style and his self-destructive desire to live on the edge made him a hero of the beat generation. As Hooper explained, "It was no accident that Getz rose to stardom in the '50s, the decade of Dean and Brando, of cool surfaces and passionate, roiled interiors." However, alcohol and drugs played an important part in the lives of jazz musicians at the time, and Getz's life was no exception. His increasingly expensive addiction to heroin led to his attempt to steal narcotics from a Seattle drugstore in 1954. After his arrest and a six-month prison term, he jumped back into his musical career, resuming his pattern of frequent appearances and record dates, with his fame undiminished. He headlined for Norman Grantz's Jazz at the Philharmonic in 1958 and toured with them in Europe. The same year he moved to Copenhagen, where he stayed until 1961.

When Getz returned to the United States, the "cool school" of jazz was out and John Coltrane's aggressive tenor sax style was in. However, rather than cater to popular opinion, Getz continued to play in his own relaxed style. His self-knowledge paid off: His improvisations over Eddie Sauter's compositions for strings on the album Focus received widespread praise from critics. It has been considered one of the only successful with-strings jazz albums ever produced.

In 1962, guitarist Charlie Byrd suggested to Getz that they collaborate on an album that would incorporate a new sound he had heard in Brazil. This sound, a combination of traditional folk samba rhythms with jazz improvisation, was called bossa nova, or new wave, by the Brazilians. Getz's and Byrd's collaboration, released in 1962 as Jazz Samba, became one of the most popular jazz albums ever recorded. It included the hits "Desafinado" ("Slightly Out of Tune") and "Samba de Una Nota So" ("One Note Samba"), which were composed by the Brazilian pianist Antonio Carlos Jobim.

Jazz Samba initiated a bossa nova craze in the United States, and many jazz and pop artists attempted to cash in on the enthusiasm with their own bossa nova recordings. Most were considered far inferior to Jazz Samba and Getz's subsequent releases, Big Band Bossa Nova and Jazz Samba Encore, which were both artistic and commercial successes. By 1964, bossa nova had been overplayed and was falling out of favor with the public. However, Getz revived the form's popularity with Getz/Gilberto, a collaboration with the Brazilian innovators of bossa nova, singer-guitarist Joao Gilberto and pianist Antonio Carlos Jobim.

Because Gilberto sang only in Portuguese, his wife, Astrud Gilberto, sang a few of the pieces in English. Although she had never before sung professionally, her seductive rendition of "The Girl from Ipanema" combined perfectly with Getz's wafting, lyrical sax playing, making this song phenomenally successful. It won the 1964 Grammy for best record, and the National Academy of Recording Artists voted Getz/Gilberto the best jazz album of the year.

After concentrating on bossa novas in the mid-'60s, Getz returned to playing more traditional modern jazz. Many talented musicians emerged from Getz's groups, including Jack De Johnette, Steve Swallow, Tony Williams, and Chick Corea, whose famous "La Fiesta" first appeared on Getz's Captain Marvel album. Getz also encouraged young composers. He was one of the first to recognize and use the talents of Eddie Sauter and Lalo Schifrin.

Although Getz made approximately 130 records throughout his career, he never applied that expertise in playing to composing. As he explained to Down Beat's Josef Woodard, "I'm a sad-ass writer, a lazy writer. Everytime I did try to write something over the years, I'd get up the next morning and change it and the next morning change it again and the next ... until I'd finally rip it up. It's because I'm a player, and players play something different every time."

Getz signed with Columbia in the 1970, and, according to Down Beat's John McDonough, "felt subtle company pressures to 'broaden his audience' in the manner of Miles Davis." Getz complied by experimenting with electronics and rock rhythms, particularly in his album Another World, but returned eventually to his traditional acoustic rhythm section. As he told Woodard, "For my taste, there's really nothing in the whole world better than an acoustic rhythm section when it's popping. It seems to vibrate inside your body. You seldom get it, but when you get it, that can be felt....A lot of times, listening to electric music just feels like I'm taking shock treatments."

Getz released several critically acclaimed jazz quartet albums in the 1980s, particularly Anniversary and The Stockholm Concert. Of Anniversary, Down Beat reporter Kevin Whitehead said, "His tone had deepened a little bit, but at 60 he was playing as elegantly as ever. If anything, his ballads ... may be even richer and more beautiful." The Stockholm Concert is considered equally resonant and Getz's playing perhaps even more emotionally complex.

The last album Getz released before his death from liver cancer in 1991 was Apasionado, which included aspects of most of the major styles of Getz's career: the melodic balladry, the Latin rhythms of his bossa nova days, even hints of the big band sound. He departed from the acoustic quartet format he had been using for the last several years in order to improvise over the synthesizer compositions of Eddie de Barrio. The album was received enthusiastically by jazz fans, reaching the top of the jazz charts. Although critics claimed that the album as a whole did not compete with his best, his improvised solos achieve the lyrical beauty, emotional depth, and spontaneity one would expect from a musician whose work has been enjoyed and admired for half a century. by Susan Windisch Brown

Stan Getz's Career
Played with the big bands of Jack Teagarden, Stan Kenton, and Benny Goodman, 1942-47; played with Woody Herman's original Four Brothers sax section, 1947-49; leader of various quartets, beginning in 1949; toured Europe and lived in Copenhagen, 1958-61; recorded Jazz Samba, 1962; signed with Columbia, c. 1970; returned to leading traditional jazz quartets, 1980s.

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Rumbéatelo:

CHICK COREA - THREE QUARTETS 1981


43.0 MB / 160 kbps

Temas:
01. Three Quartets #1
02. Three Quartets #2 & #3
03. Three Quartets Pt 1 (dedicated to Duke Ellington)
04. Three Quartets Pt 2 (dedicated to John Coltrane)


This encounter between Chick Corea (sticking to acoustic piano), tenor saxophonist Michael Brecker, bassist Eddie Gomez, and drummer Steve Gadd lives up to one's expectations. The original program featured three lengthy "quartet" pieces, including sections dedicated to Duke Ellington and John Coltrane. The CD reissue adds four briefer pieces that were previously unissued, including an unaccompanied Brecker workout on "Confirmation" that would be perfect for "blindfold" tests. This blowing date is highly recommended for all true jazz fans. [The Japanese release offers the same four bonus tracks that the American release does: "Folk Song," "Hairy Canary," "Slippery When Wet," and "Confirmation."] ~ Scott Yanow, All Music Guide

Rumbéatelo:

Steve Turre - Right There 1991


65.9 MB / 160 KBPS

TEMAS:
1.Ginseng People
2. Woody & Bu
3. Unfinished Rooms
4. Echoes Of Harlem
5. Right There
6. Duke's Mountain
7. Sanyas
8. Descarga De Turre

MÚSICOS:
STEVE TURRE: TROMBONE, SHELLS
JOHN BLAKE: VIOLIN
AKUA DIXON TURRE: CELLO, VOICE
BENNY GREEN: PIANO
BUSTER WILLIAMS: BASS
BILLY HIGGINS: DRUMS


BAND FOR "DESCARGA TURRE"
STEVE TURRE: TROMBONE, SHELLS
DAVE VALENTIN: FLUTE
ANDY GONZÁLEZ: BAS
WILLIE RODRÍGUEZ: PIANO
GEORGE DELGADO: CONGAS
MANNY OQUENDO: TIMBALES, GUIRO
HERMAN OLIVERA: VOICE, CLAVE, GUIRO


SPECIAL GUESS IN ( "WOODY & BU"*+ ) ("UNFINISHED ROOMS"+)
WYNTON MARSALIS - TRUMPET *+
BENNY GOLSON - TENOR SAXOPHONE *



Tomado de: www.geocities.com
Imagen
Steve Turre, reconocido en el mundo del jazz como un innovador que incorporó a su música el sonido de las caracolas y devolvió al trombón la importancia que tuvo en otras épocas como la del swing, ha sido uno de los músicos que ha enriquecido el jazz con ritmos caribeños y africanos.

Turre, de ascendencia mejicana y norteamericana, creció en la bahía de San Francisco en donde las influencias de la música tradicional mejicana, del blues y del jazz fueron sus principales referentes. Mientras estudiaba en la Universidad Estatal de Sacramento se unió a la banda de salsa de los Hermanos Escobedo, con la cual comenzó una carrera musical en la cual este género siempre estuvo presente. La formación artística de Turre ha estado marcada por diferentes músicos que abarcan desde la época de las big band, como es el caso del clarinetista Woody Shaw, del hardbop, y del cubop, entre otros.

Con el saxofonista Rashaan Roland Kirk con quien Turre trabajó en San Francisco, comienza a explorar la musicalidad de las caracolas. En el año de 1972 colaboró con la banda del pianista Ray Charles. Otra de sus importantes influencias fue Woody Shaw, músico con quien trabaja durante cuatro años. Fue precisamente con Shaw, durante un viaje a Ciudad de Méjico, donde Turre descubre que sus ancestros aztecas ejecutaban las caracolas. A partir de ese momento Turre toma la decisión de darle sentido a su compromiso como músico con estos elementos sonoros. A través de Shaw, Turre se une a los Jazz Messengers, agrupación fundada por el baterista Art Blakey y que dio origen al movimiento hardbop durante la década de los cincuenta.

En sus trabajos como líder ha contado con la participación de una diversidad de músicos provenientes del jazz, de la música latina y del pop entre ellos el trompetista Dizzy Gillespie, una de sus grandes influencias por la mezcla del jazz con ritmos latinos; McCoy Tyner, Herbie Hancock, Lester Bowie, Tito Puente, Van Morrison, Pharoah Sanders, Horace Silver, Max Roach, entre muchos otros. Desde 1984, Turre ha hecho parte de la banda del show para televisión "Saturday Night Live" y ha sido líder de diferentes ensambles como la Fort Apache Band y la sección de trombones "Libre".

En 1992 graba el disco "Sanctified Shells", donde transforma la sección de vientos en un coro de caracolas e introduce percusión africana e hindú. En 1999 graba para el sello Verve el disco "Lotus Flower", donde explora y reinterpreta composiciones estándar del jazz y composiciones originales. Con el trabajo musical "In the spur of the moment", lanzado por el sello Verve en el 2000, se consagra como un músico con la visión artística capaz de consolidar un estilo en torno al jazz, la música afrocubana y brasilera, como la samba y la bossa nova. En este disco participan músicos como la cantante Cassandra Wilson, el trombonista J.J. Johnson, la bolerista cubana, Graciela y Mongo Santamaría.

Su discografía como líder incluye también otras grabaciones como "Viewpoints and vibrations" (1987), "Right There" para el sello Antillas (1991) "Rhythm Within" Antillas, 1995, "Steve Turre" Sello Verve, 1997. Sus trabajos como acompañante cuentan con discos como "Ya yo me curé" (1979) de Jerry González, "Live at Royal Festival" (1989), con Dizzy Gillespie. "Que Viva Mingus", 1997 con la Mingus Big Band. "Red Sun", 1989 con Dave Valentin. Ha recibido el premio de la crítica y de los lectores de las revistas Down Beat, JazzTimes y Jazziz.

Imagen
Foto tomada por Kadid Aguilar en la Facultad de Bellas Artes,
Universidad de Panamá


Rumbéatelo:

Ray Brown: Some Of My Best Friends Are ... Singers 1998


320 MB / MP-3

Músicos:
Antonio Hart (Sax (Alto)), Etta Jones (Vocals), Geoff Keezer (Piano), Ralph Moore (Sax (Tenor)), Marlena Shaw (Vocals), Nancy King (Vocals), Russell Malone (Guitar), Dee Dee Bridgewater (Vocals), Ray Brown (Bass), Ray Brown (Arranger), Gregory Hutchinson (Drums), Diana King (Vocals), Kevin Mahogany (Vocals), Diana Krall (Vocals)

Temas:
1. I Thought About You
2. Poor Butterfly
3. More Than You Know
4. Little Boy
5. But Beautiful
6. At Long Last Love
7. Skylark
8. Cherokee
9. (There Is) No Greater Love
10. Imagination
11. The Party's Over
12. The Perfect Blues

Rumbéatelo Part. I
Rumbéatelo Part. II

Ray Brown - Some of My Best Friends Are...The Sax Players 1996

144 MB / 320 KBPS

Temas:
1. How High The Moon
2. Love Walked In
3. Polka Dots And Moonbeams
4. Crazeology
5. Port Of Rico6. Moose The Mooche
7. Easy Livin'
8. Just You And Me
9. Fly Me To The Moon
10. When It's Sleepy Time Down South
11. These Foolish Things
12. God Bless The Child
13. Joe Lovano
14. Benny Carter
15. Stanley Turrentine
16. Jesse Davis
17. Joshua Redman
18. Ralph Moore

Músicos:
Ray Brown - bass
Benny Green -- piano
Gregory Hutchinson -- drums
Benny Carter -- alto saxophone
Jesse Davis -- alto saxophone
Joe Lovano -- tenor saxophone
Ralph Moore -- tenor saxophone
Joshua Redman -- tenor saxophone
Stanley Turrentine -- tenor saxophone

www.allmusic.com

As a follow-up to bassist Ray Brown's previous record in which he collaborated with several of his favorite pianists, Some of My Best Friends Are...The Sax Players features six major saxophonists (tenors Joe Lovano, Ralph Moore, Joshua Redman and Stanley Turrentine plus altoists Benny Carter and Jesse Davis) on two songs apiece with his regular trio.

Although more than 60 years separate the ageless Carter from Redman, each of the saxes originally developed their own voice in the straight-ahead jazz tradition. Highlights of the colorful set include Benny Carter's playful rendition of "Love Walked In," Moore's cooking solo on "Crazeology" (a Benny Harris bop classic which the record mistakenly lists as written by Bud Freeman), Davis ripping through "Moose the Mooche" and Turrentine's romp on the blues "Port of Rico."

Pianist Benny Green and drummer Gregory Hutchinson provide suitable accompaniment (Green's solos are consistently excellent) and all dozen of the songs are successful and swinging. As an extra bonus, on the latter part of the CD each of the saxophonists has a brief chat (between 26 seconds and a minute apiece) with Brown about their early influences. There is so much good feeling and obvious mutual respect shown that one wishes these talks were at least twice as long; the Benny Carter segment is most memorable. This well-conceived project is easily recommended. by Scott Yanow

Rumbéatelo Part. I
Rumbéatelo Part. II

Ray Brown-Some of My Best Friends Are...The Trumpet Players 2000


136 MB / 320 kbps


Temas:
Our Delight, Bag's Groove, I Thought About You, I'm Getting Sentimental Over You, Violets For Your Furs, Itty Bitty Blues, Stairway To The Stars, Original Jones, When You Go, The Kicker, Clark's Tune, Goodbye.

Músicos:
Ray Brown, bass; Geoff Keezer, piano; Karriem Riggins, drums; Terence Blanchard, Jon Faddis, Roy Hargrove, James Morrison, Nicholas Payton, Clark Terry, trumpet


Tomado de: www.allaboutjazz.com
Some Of My Best Friends Are...The Trumpet Players
Ray Brown | Telarc Records
By Don Williamson

In the latest edition of his “Some Of My Best Friends Are…” series, Ray Brown honors the trumpet players as they honor him. Having already musically expressed his friendship with singers, pianists and saxophonists, Brown's next group of honorees will include…trombonists? Drummers? Guitarists?

The interesting aspect of Some Of My Best Friends Are…The Trumpet Players is the influence of Dizzy Gillespie. An inspiration to Brown, who first received recognition in Dizzy's group, as well as to jazz trumpeters everywhere, Dizzy's spirit infuses especially the Nicholas Payton, Jon Faddis and Roy Hargrove tracks.

Deeply indebted to Dizzy for spiritual as well as technical guidance, Faddis' work on “Original Jones” is the most obviously referential. As a result, it also is the most thrilling trumpet work, commanding the instrument's extreme upper register and negotiating intervallic leaps with ease. James Morrison, on the other hand, concentrates on a rounder tone that expresses the melodic intent of the tunes, particularly Brown's composition, “When You Go.” Roy Hargrove introduces Some Of My Best Friends Are…The Trumpet Players with a confident bop sensibility on “Our Delight,” combining a concise voice and clarity of thought. Nicholas Payton proves that he is moving more and more away toward explorative work on Joe Henderson's “The Kicker,” as he did recently on Steve Wilson's CD. Balancing aggressive work with a ballad, as do all of the other trumpeters on their two tunes apiece, Payton plaintively sings through his horn on “Violets For Your Furs,” wavering a slight vibrato on the long tones, buzzing ever-so-perceptively on lower notes to balance the sweetness of his sound in the middle register. Terence Blanchard's ballad turns out to be Tadd Dameron's “Goodbye,” the famous Benny Goodman closer, while in contrast Blanchard enlivens “I'm Getting Sentimental Over You” at greater than twice the tempo of the famous Dorsey version.

And then there's Clark Terry. Being himself. Trading horns on “Clark's Tune.” Creating an inimitable opening chorus, and well as solos, on Brown's “Itty Bitty Blues” with the apparent ease of a 30-year-old, although Terry will be 80 years young in two more months.

Once again, Ray Brown has assembled a stellar trio. Geoff Keezer remains within the groove of the album, although his recent Zero One CD proves that he can be explorative and unconventional when he leaves the accompanist's role. And drummer Karriem Riggins propels the group with colors and drive without overpowering, as he does to animate Faddis' work on “Original Jones.”

Then there's Ray Brown, sturdy and inspirational, establishing the mournful languor of “Bag's Groove” in tribute to Brown's and Faddis' friend, Milt Jackson. Conversing with Faddis, Brown responds to Faddis' groove with elaboration and eloquence.

While it seems that Ray Brown makes friends wherever he goes, as his “Friends” albums prove, his circle of friends has widened to encompass his listeners, who no doubt will respond with affection to Some Of My Best Friends Are…The Trumpet Players , yet another estimable album in Brown's estimable series.

Visit Ray Brown on the web.
Ray Brown at All About Jazz.

Rumbéatelo Part. I
Rumbéatelo Pat. II

Roy Hargrove / Christian McBride / Stephen Scott Trio Parker 1995


146 MB / 320 kbps

Músicos:
Roy Hargrove - trumpet, flugelhorn
Christian McBride - bass
Stephen Scott - piano

Temas:
1. Klactoveesedstene - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
2. Parker's Mood - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
3. Marmaduke - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
4. Steeplechase - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
5. Laura - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
6. Dexterity - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
7. Yardbird Suite - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
8. Red Cross - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
9. Repetition - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
10. Laird Baird - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
11. Dewey Square - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
12. Card Board - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
13. April in Paris - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
14. Chasin' the Bird - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
15. Bongo Beep - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)
16. Star Eyes - (with Christian McBride/Stephen Scott Trio)


Roy A. Hargrove nació el 16 de octubre de 1969 en Waco, Texas (Estados Unidos).

Su potencial y talento fueron descubiertos por Wynton Marsalis, cuando éste visitó su escuela, Dallas's Booker T. Washington High School for the Performing and Visual Arts. Durante su estancia en esta escuela, Hargrove tuvo la oportunidad de escuchar a David "Fathead" Newman, que tocaba para la Ray Charles Band, y que se convertiría en una de sus influencias musicales más destacadas. Aunque el sonido de Hargrove es fácilmente reconocible y original, también ha recibido influencias de Freddie Hubbard, Fats Navarro, Miles Davis, Lee Morgan y Clifford Brown.

Hargrove estuvo un año (1988-1989) estudiando en el Boston's Berklee College of Music, pero era más fácil encontrarlo en jam sessions de Nueva York, por lo que finalmente se trasladó a The New School en esta ciudad. Realizó su primera grabación en Nueva York con el saxofonista Bobby Watson. Poco tiempo después participó en una grabación con Superblue, Watson, Mulgrew Miller y Kenny Washington. En 1990 lanzó su primer álbum en solitario, Diamond in the Rough, de la discográfica Novus/RCA, para la que grabaría sus cuatro siguientes trabajos.

Posteriormente firmó un contrato con Verve Records, lo que le dio la oportunidad de trabajar con algunos de los saxofonistas tenores más destacados del momento en With the Tenors of Our Time, que incluía a Joe Henderson, Stanley Turrentine, Johnny Griffin, Joshua Redman y Branford Marsalis. En 1993, por encargo de la Lincoln Center Jazz Orchestra escribió The Love Suite: In Mahogany. Hargrove consiguió un Grammy en 1998 por el álbum Habana, grabado con el grupo afro-cubano Crisol.

Hargrove ha trabajado con un gran número de músicos, entre los que se encuentran Herbie Hancock, Sonny Rollins, Michael Brecker, Jackie McLean, Slide Hampton, Natalie Cole, Diana Krall, Abbey Lincoln, Diana Ross, Steve Tyrell, Kenny Rankin, John Mayer, Rhian Benson, Carmen McRae, Shirley Horn, Jimmy Smith, Danny Gatton, Method Man, Common, Erykah Badu, D'Angelo y Gilles Peterson.

En la actualidad, Roy Hargrove es el líder del grupo The RH Factor, que combina elementos de jazz, funk, hip-hop, soul y gospel.

Fuente wikipedia

Rumbéatelo:

Lee Morgan con McLean y Blakey - Lee-way 1960


86 MB / 320 kbps

Músicos:
Lee Morgan (tp)
Jackie McLean (as)
Bobby Timmons (p)
Paul Chambers (b)
Art Blakey (d)

Temas:
1. These Are Soulful Days
2. The Lion And The Wolff
3. Midtown Blues
4. Nakatini Suite


www.cduniverse.com
Though it's worth noting that Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, Booker Little, Woody Shaw and Freddie Hubbard were prodigious, original trumpet stylists while still in their teens and early 20s, arguably no young trumpet player ever burst on the jazz scene with the brash authority and joy of Lee Morgan. Debuting in the challenging Dizzy Gillespie big band as an eighteen year-old, Morgan often found himself featured on the master's own "Night In Tunisia." And for many long-time jazz fans, Morgan's presence in Art Blakey's Jazz Messengers of the late '50s-early '60s (with Wayne Shorter, Curtis Fuller, Bobby Timmons and Jymie Merrit) marked the spiritual and aesthetic peak of that great band.

LEEWAY presents Morgan in an all-star ensemble featuring the tart, swinging altoist Jackie McLean--a charter member of Blakey's earlier edition of the Jazz Messengers--and everyone's favorite bassist, Paul Chambers. Together with Jazz Messengers Blakey and Timmons, Chambers helps to rhythmically supercharge the soulful shuffles and blues which distinguish this upbeat blowing session. "These Are Soulful Days" is a funky hard bop anthem by Cal Massey, with a supple shift to 3/4 in the bridge. Morgan follows laid-back solos by Chambers, Timmons and McLean with an electrifying concoction of the rhythmic double time, vocal slurs and cascading melodic devices--each and every note sweetly articulated.

On "The Lion And The Wolff," Morgan answers McLean's bluesy recreated figures with riffing phrases of his own, building enormous tension by alternating stunning half-valve effects, taut vamping patterns and swinging syncopations, until drummer Blakey is like to bust.

The rhythmic stops and starts of "Midtown Blues" inspire Morgan to a fiercely riffing solo full of long rolling passages and cunning repeated riffs, culminating in a magnificent display of brassy, blustery lyricism--followed by an equally swinging McLean--as Blakey and Timmons allow the hot grease to spill all over this rocking shuffle-beat. And the extended form "Nakatini Suite," with its exotic Afro-Cuban intro, swinging release and elliptical bridge, illuminates Morgan's mastery of complex harmonic materials, as he surfs effortlessly through the changes, punctuating his melodic elisions with soulful cries.


Rumbéatelo:

Hancock, Brecker, Hargrove - Directions in Music 2002


182 MB / 320 kbps

Temas:
1. The Sorcerer (Hancock) - 8:53
2. The Poet (Hargrove) - 6:35
3. So What / Impressions (Davis / Coltrane) - 12:51
4. Misstery (Hancock-Brecker-Hargrove) - 8:16
5. Naima (Coltrane) - 7:29
6. Transition (Coltrane) - 10:26
7. My Ship (Weill-Gershwin) - 8:40
8. D Trane (Brecker) - 15:09

Músicos:
Herbie Hancock - piano
Michael Brecker - tenor saxophone
Roy Hargrove - trumpet, flügelhorn (2, 7)
John Patituci - bass
Brian Blade - drums

Rumbéatelo Part. I
Rumbéatelo Part. II

Bill Evans Affinitty 1978

55.1 MB / 160 kbps

Temas:
1. I Do It For Your Love (Album Version)
2. Sno' Peas
3. This Is All I Ask
4. The Days Of Wine And Roses
5. Jesus' Last Ballad
6. Tomato Kiss
7. The Other Side Of Midnight (Noelle's Theme)
8. Blue And Green
9. Body & Soul

Músicos:
Bill Evans (acoustic & electric keyboards);
Larry Schneider (soprano & tenor saxophones, alto flute);
Toots Thielemans (harmonica);
Marc Johnson (acoustic bass);
Eliot Zigmund (drums).
Recorded at Columbia Studios, New York, New York from October 30-November 2, 1978.

Bill Evans (Plainfield, 16 de agosto de 1929 - Nueva York, 15 de septiembre de 1980), pianista estadounidense de jazz. Su obra abarca el cool, el post-bop y la música modal. Está considerado como uno de los más importantes pianistas de jazz de la historia. Una de sus principales aportaciones es la consecución de tríos jazzísticos en los que el piano entraba en un auténtico diálogo con la batería y el bajo.

Bill Evans fue un ser con una gran soledad interior, culto y constantemente preocupado por su arte, tenía un “problema de confianza” como el le llamaba, trabajaba minuciosamente cada detalle de su música. A su juicio carecía de talento, por lo que tuvo que lograrlo con la intensa labor, vivió una gran adicción a la heroína durante la mayor parte de su vida adulta. Los resultados fueron sórdidas condiciones de vida, una brillante carrera, dos matrimonios fracasados (el primero terminó con un dramático suicidio), y una muerte temprana.

Nacido y crecido en New Jersey, WILLIAMS JOHN EVANS, hijo de una madre religiosa ortodoxa rusa y un padre alcohólico de origen galés, tuvo especialmente de su madre las primeras relaciones con la música en la iglesia. A los 6 años comenzó sus estudios en música con el piano, un año más tarde el violín y a los trece la flauta que llegó a tocar muy bien aunque muy poco en los años siguientes.

Su juventud estuvo muy influenciada por su hermano dos años mayor, Harry, al cual reemplaza con 12 años en la Buddy Valentino´s Band. En uno de los ensayos desarrolla una frase de Blues que lo emociona: "La idea de sentir que hacía en la música algo que nadie había pensado, abrió un mundo nuevo para mi."
También, al final de los años'40 Evans se consideraba a sí mismo el mejor intérprete de boogie-woogie, en el norte de New Jersey, de acuerdo a una entrevista con Marian McPartland en la radio Jazz Piano.

Era la furia musical en el momento; más tarde, sin embargo, rara vez Evans desempeñó canciones de blues en sus actuaciones o en sus grabaciones. Su madre era una pianista amateur y había acumulado montones de viejas partituras, que dieron a Bill amplitud y velocidad en la lectura músical. Debussy, Stravinsky, Petrouschka, y Darius Milhaud fueron particularmente influyentes por esa época. Bill encontraba esto mucho más interesante que la práctica de las escalas y ejercicios. Tocaba durante horas cada día.

Se graduó con un título de intérprete de piano y maestro en el College Southeastern Lousiana (ahora Universidad) en 1950, al que asiste por una beca de flauta y en el cual tocó dentro de la banda de estudiantes y también jugo al fútbol americano. Allí, descubrió la labor de Horace Silver, Bud Powell, Nat King Cole y Lennie Tristano, que iba a tener una profunda influencia en él. También participó en jam sessions con el guitarrista Mundell Lowe y el bajista Roja Mitchell.

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Desde 1950, después de la universidad, comenzó una gira con la Herbie Fields band, en la cual además ganó experiencia al acompañar instrumentos de viento, pero fue llamado pronto a filas (militares) y terminó tocando en la Fifth Army Band cerca de Chicago. Tras tres años de servicio, llegó en 1954 a Nueva York, tocando en el cuarteto de Tony Scott y con el guitarrista Mudell Lowe, y emprendiendo estudios de posgraduado en el Mannes College (New York), donde se encontró con el compositor George Russell y sus teorías sobre jazz modal.

Su primera grabación profesional fue acompañando a la cantante Lucy Reed en 1955, y en 1956 se unió a la banda vanguardista de George Russell y comenzó a estudiar el concepto Lidio cromático de éste.

Mundell Lowe fue quien llevó al joven pianista frente al productor de Riverside Records, Orrin Keepnews en 1956. Les hizo oir a Orrin y a su socio, una cinta por teléfono y rápidamente los convenció de que Bill tenía que grabar. Lo difícil fue convencerlo a él, no se creía lo suficientemente capaz de hacer algo tan bueno como deseaba y la compañía tuvo que esforzarse.

El primer disco solista fue lanzado en 1956 y se tituló "Nuevas Concepciones del Jazz". Este disco fue la primera grabación de su más amada composición “Vals para Debby”, compuesta durante su estadía en la armada.
Fue grabado un solo día de septiembre, once temas, cuatro composiciones de Evans, recibió buena crítica especializada pero solo vendió 800 ejemplares.

Por esos años tocó con Charles Mingus, Art Farmer, Lee Konitz y Oliver Nelson y más tarde, en el 58, recibió el “Premio al pianista revelación”. De todas sus colaboraciones, las más significativas fueron con George Rusell (arreglista), Art Farmer y Hal McKusick en “Concerto for Billy The Kid”.

En la primavera de 1958, Evans comenzó una colaboración de ocho meses con el Miles Davis Sextet, permaneció con ellos por casi un año, viajando y grabando, y subsecuentemente tocando el clásico álbum “Kind of Blue” —mientras componía “Blue in Green”—, ahora un muy conocido tema del jazz. Su trabajo con Miles le ayudó a afianzar su reputación. Abandonó al trompetista en el otoño del mismo año, exhausto por las presiones y ansioso de formar su propio grupo.

En 1959 Bill fundó su trío más innovador con el ahora legendario bajista Scott LaFaro y con Paul Motian en batería. El concepto del trío de gran interacción entre los músicos fue implementado virtualmente por Evans, y dichos trabajos discográficos permanecen como los más populares de su gran repertorio. Su primer disco fue “Everybody digs Bill Evans”; el siempre tímido y autodespreciante pianista afirmaba hasta entonces que “no tenía nada nuevo que decir”. Gradualmente se volvió conocido en la escena jazzística de la ciudad de Nueva York, por sus originales sonidos en el piano y sus fluidas ideas. Con el trio hicieron dos álbums de estudio, además de las famosas sesiones en vivo en el Village Vanguard de Nueva York, en el año 1961.

Por desgracia, el bajista Scott La Faro murió prematuramente a los 25 años; Evans pasó una año de retiro. La trágica muerte en un accidente automovilístico fue unas pocas semanas después del contrato con Vanguard, Bill regresó al formato del trío en 1962, nuevamente con Motian y ahora con Chuck Israels en bajo.

Tocó en dúo con el guitarrista Jim Hall y en una sesión de swing en quinteto, Interplay, con Hall y el trompetista Freddie Hubbard.

Tras grabar con Verve en 1962, Evans fue animado por el productor Creed Taylor a continuar grabando en los más variados formatos: con la big band de Gary McFarland, con una orquesta con arreglos de Claus Ogerman, con Stan Getz, etc.

El álbum "Conversaciones con mí mismo" (1963), en el cual superpone grabaciones de pianos (dos y tres), ganó el primero de los muchos premios Grammy, y al año siguiente hizo un tour al extranjero, tocando de París a Tokio, el cual le afianzó una reputación mundial.

El gran bajista Eddie Gomez comenzó un provechoso puesto, que llegó a ocupar durante once años, con Bill en 1966, en varios tríos con bateristas como Marty Morell, Philly Joe Jones, Jack DeJohnette y otros—participando en algunas de las presentaciones y álbumes (que se dieron en los clubes más aclamados) de la carrera de Evans.

Su única concesión al emergente jazz-rock fue en 1970, tocando el piano eléctrico Rhodes. Luego, su carrera está vinculada a numerosos tríos.
Tras Verve, Evans grabaría para Columbia (1971-1972), Fantasy (1973-1977) y Warner Bros (1977-1980). Su último trío con Marc Johnson y La Barbera ha sido considerado el mejor desde el que formó con Scott La Faro y Paul Motian.

Murió debido a una insuficiencia hepática y a una hemorragia interna provocadas por sus larga e intensa adicción a la heroína y luego a la cocaína.

Evans se hunde en el hábito de la heroína a finales de los años 50. Él estaba casado, y su esposa Ellaine era un adicta. Evans habitualmente trataba de pedir dinero prestado a amigos, todos los días llamando con su libreta de direcciones desde una cabina telefónica en la calle fuera de su apartamento, ya que su teléfono había sido desconectado. Muchos se enojaban de que una y otra vez el contacto fuera por dinero. Un día, cuando Lees (uno de sus amigos) le dijo que él ni siquiera tenía suficiente para sí mismo, para comer, Evans llamó desde la cabina de nuevo una hora más tarde para decir que ahora había suficiente para que comieran los dos.

En 1970, las esposa de Bill, Ellaine se suicida arrojándose al subterráneo. Como resultado vuelve a la heroína que había dejado por un tiempo, después entra en un programa de metadona para dejar, y se aleja de la droga por casi la última década de su vida. Se casa de nuevo con Nenette, y tiene un niño con ellaal que llaman Evan. Su hijo le inspira la canción “Letter to Evan.”

En 1980 Bill Evans comienza a usar cocaína, la droga de moda que el creía "segura". Pero demandaba más dosis por día que la heroína, y como estimulante te desgasta más rápidamente. Al, final del verano de ese año, Bill pide a su baterista Joe LaBarbera que lo lleve al hospital, tenía terribles dolores estomacales. Muere el 15 de septiembre.

Evans sostuvo que él no era consciente de la importancia de su influencia en el piano de jazz, aunque dice que se lo creyó finalmente, después de haberlo oído tantas veces. Vio a su propio estilo simplemente como la forma necesaria para expresar lo que quería expresar.
Así explicaba:
"En primer lugar, yo nunca luché por la identidad. Eso es algo que sólo ha sucedido automáticamente como resultado, en mi opinión, sólo de poner las cosas en conjunto, destrozando cosas y ponerlas juntas a mi propia manera, y de alguna manera que supongo que el individuo llega a través de mucho camino.... quiero construir mi música de abajo hacia arriba, pieza por pieza, y posicionarlo con arreglo a mi manera de organizar las cosas .... Sólo tengo un motivo que viene a mí mismo por cada nota que toco." (Enstice y Rubin, 139-140).

Toots Thielemans:

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Sin ningún género de duda, el armonicista belga, Toots Thielemans es uno de los grandes músicos de jazz todavía en activo.

El barón Jean-Baptiste Frédéric Isidor "Toots" Thielemans (Bruselas, 29 de abril de 1922) es un músico de jazz especializado en la armónica, aunque, ocasionalmente, también es intéprete de guitarra y compositor.
En su infancia, sus padres regentaban una posada en el corazón de Bruselas, el barrio de Marollen y con solo cinco años ya sabía interpretar en el acordeón la melodía de la Internacional Comunista recitada habitualmente en la posada por los obreros que la frecuentaban.
Thielemans comenzó su carrera como guitarrista.

Toots Thielemans comienza su carrera muy influido por Django Reinhardt y Charlie Parker, y no en vano sus comienzos en los Estado Unidos, adonde llegó en 1947 con la ayuda de un familiar. Allí conoce a Charlie y debuta en Filadelfia para pasar luego a acompañar a Dinah Washington y después a formar parte del quinteto de George Shearing en sustitución de Dick García.
En 1949 se unió a una jam session en París en la que participaban Sidney Bechet, Charlie Parker, Miles Davis, Max Roach y otros.
Se trasladó en 1952 a los Estados Unidos cuando se convirtió en miembro de los Charlie Parker's All-Stars.
El encuentro con Parker fue para el algo imborrable y maravilloso.

Tocó y grabó con músicos como Ella Fitzgerald, George Shearing, Quincy Jones, Bill Evans, Paul Simon, Billy Joel, Astrud Gilberto, Elis Regina y otros.

Con George Shearing permaneció seis años y allí tuvo la oportunidad de tocar con Howard McGhee y Lennie Tristano y a su vuelta a Bruselas tocó con el grupo: "Le Jazz Hot". Su debut internacional viene marcado por su integración en la banda de Benny Goodman para su gira europea en 1950. La principal aportación de Toots Thielemans a la historia del jazz ha sido la progresiva introducción de la armónica en el ámbito del jazz, y su principal característica la polivalencia. Con su armónica, a la que ha dotado de una imaginación melódica excepcional, ha sido solista también en músicas de películas de la mano de Quincy Jones, con quien obtuvo un extraordinario éxito en el Festival de Jazz de Monterrey en 1972. En 1975 grabó con el combo de Milt Jackson en el Festival de jazz de Montreux y en 1980 con el grupo que entonces dirigía el trompetista, Dizzy Gillespie. De entre todos los premios que le han sido concedidos a lo largo de su carrera a él le gusta destacar el que le concedieron los lectores de la prestigiosa revista especializada en jazz: Down Beat.

Como compositor, Thielemans es autor de un estándar del jazz, "Bluesette", en el que usó un silbato y una guitarra al unísono. El tema se convirtió en un éxito mundial en 1962 y su popularidad no ha decrecido con el paso de los años.

Como intérprete de armónica, Thielemans puede ser escuchado en bandas sonoras de películas como Desayuno con diamantes (en el solo de Moon River al comienzo de la misma), Cowboy de medianoche, Bagdag Café y en varios programas de televisión como Barrio Sésamo, la serie belga Witse y la serie danesa Baantjer. También, al silbato y armónica, puede escuchársele en antiguos programas de radio y publicidad televisiva. En 1983 colaboró en el disco de Billy Joel An Innocent Man y su armónica se puede escuchar en "Leave a Tender Moment Alone."

En los años noventa, Thielemans se embarcó en proyectos temáticos que incluyeron la aproximación a las músicas del mundo. En 1998 publicó el disco "Chez Toots" que incluyó el tema Les Moulins De Mon Coeur que contó con la colaboración del cantante Johnny Mathis.

Ha recibido un doctorado honorífico por la Vrije Universiteit Brussel y por la Université Libre de Bruxelles (Bélgica) y en 2001 fue nombrado Barón por el rey Alberto II de Bélgica.

En 2005 fue nominado al título de De Grootste Belg (el belga más importante).

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