Conrad Herwig "Another Kind of Blue-The Latin side of Miles Davis" 2004

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Temas:

1. So What (9:43)
2. Freddie Freeloader (10:29)
3. Blue in Green (8:10)
4. All Blues (8:17)
5. Flamenco Sketches (9:51)
6. Petits Machins (7:40)
All arrangements by Conrad Herwig & Brian Lynch

Músicos:
Conrad Herwig—Trombone
Brian Lynch—Trumpet
Mario Rivera—Baritone Saxophone
Paquito D'Rivera—Alto Saxophone, Clarinet
Dave Valentin—Flute
Edsel Gomez—Piano
John Benitez—Bass
Robby Ameen—Drums
Richie Flores—Congas, Percussion

Artists Note:

With Another Kind of Blue: The Latin Side of Miles Davis, our objective was to reinvent Miles' seminal work within the framework of Afro-Cuban and Afro-Caribbean rhythms. To that end, we tackled each tune with a specific approach in mind:

"So What" is rendered in Afro-Cuban 6/8 times with the original introduction by Bill Evans and Paul Chambers voiced for our horns.
"Freddie Freeloader" became a jazz songo, with Miles' solo, transcribed, serving as a point of departure for the group's improvisations.
"Blue in Green" is performed as a bolero, though it retains the subtle character of Miles' original.
"All Blues", played here, in its original 4/4 meter, is a boogaloo-cha.
Flamenco Sketches", artfully arranged by my friend and compatriot Brian Lynch, gained new life as a guaguanco.

The discographical diehards among you will know that "Petit Machins" is not from Kind of Blue, but from another Miles masterwork, "Filles De Kilimanjaro". It's included here as a bonus track.

My thanks extend to all of the musicians involved in this project, especially guest Paquito D'Rivera, who throughout this week-long engagement, proved himself a virtuoso performer (as well as an all-time great friend). Gracias Jefe! Likewise, Dave Valentin, who came in and blew the house down with his showmanship and effervescence.

To my family, Maria, Glenn, and Mark Herwig, I give a big hug and lots of love for their patience and support. Big thanks, too, go to Jeff Levenson, Steven Bensusan, and everyone at the Blue Note, NYC. Que Viva Miles Davis!

Conrad Herwig, December 2003

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Producer's Note:

It's a mark of greatness, the ability to inspire. That's why Miles, whose career was built on inspirational touchstones, continues to tug on musicians and creative thinkers.

When Conrad mentioned this project to me, an idea that had been incubating since the afterglow of his Latin Side of John Coltrane (Astor Place) in 1996, it seemed both obvious and inevitable: Miles, done Latin-style. Who better to bow before than a jazz deity with a history of hyphenating his music in the service of cultural adaption?

Miles's restless personality, exerting a lunar pull on the planet's tides of art, is still felt, to be sure, and ought to be measured as one does other forces of nature — through the shifts and alterations transforming the landscape. That we're led to redraw the boundaries of our own imagination only attests to his power.

That's why Conrad's desire to take on these timeless compositions aligns perfectly with Miles's spirit. Reimagine the world and it becomes yours. Sounds hip. Much like this music. Enjoy it.

Jeff Levenson, December 2003

Produced by Jeff Levenson
Executive Producer: Steven Bensusan

Recorded by Aura Sonic Ltd., Live at the Blue Note, New York, March 6-8, 2003
Engineered by Steve Remote (March 7-8) and Duke Marcos (March 6)
Assisted by Jon D'Uva, Andy Bigan, and Mark Tomase
Mixed by Steve Remote
Pro-Tools Engineer: Jon D'Uva
Mastered by Greg Calbi, Sterling Sound
Photography by Dino Perucci
Art Direction and Package Design by Molly Gobel


Biografía:
New York jazz trombonist Conrad Herwig has recorded 17 albums as a leader. His new CD releases are “Sketches of Spain y Mas” and “Another Kind of Blue-The Latin Side of Miles Davis” on Half Note Records, which was nominated for a 2005 Grammy Award. These are the follow-up projects to the 1998 Grammy- nominated CD, “The Latin Side of John Coltrane”. These exciting new projects were both recorded live at the Blue Note Jazz Club in New York City and feature special guests Paquito D’Rivera,Dave Valentin and Brian Lynch (co-musical director of the group).

His most recent solo recordings on the CrissCross label are “Obligation”, “Land of Shadow”, “Hieroglyphica”, “Unseen Universe”, “Osteology”, and “Heart of Darkness” which received 4 and 1/2 stars in DownBeat Magazine. He has also been voted #1 Jazz Trombonist (TDWR) in the 2002 Downbeat Jazz Critic’s Poll.

In constant demand as a sideman, Herwig has been a featured member in the Joe Henderson Sextet, Tom Harrell’s Septet and Big Band, and the Joe Lovano Nonet (featured as a soloist on Lovano’s Grammy Award winning “52nd St Themes"). Conrad also performs and records with Eddie Palmieri’s “La Perfecta II” and Afro-Caribbean Jazz Octet, Paquito D’Rivera’s Havana-New York Connection, the Mingus Big Band (often serving as musical director, and arranger on the new 2007 Grammy nominated-"Live at the Tokyo Blue Note"), and the Carnegie Hall Jazz Band (Jon Faddis, musical director) among many others.

Mr. Herwig is an alumnus of North Texas State University in Denton, Texas(where he performed in the One O’Clock Jazz Lab Band), Goddard College in Plainfield, VT , (Bachelor of Arts in Afro-Caribbean ethnomusicology), and Queens College,CUNY, (Master of Arts, Jazz Studies). Conrad has conducted masterclasses, seminars, and workshops at major universities and conservatories around the world including the Sibelius Academy, Finland; the Royal Irish Academy, Dublin; the University of Koln, Germany; Eastman School of Music, Rochester, NY; the University of Southern California and literally hundreds of others.

Herwig is a recipient of performance and teaching grants from the National Endowment for the Arts. He is currently Professor of Jazz Trombone, Jazz Improvisation, and Jazz Comp/Arr at Rutgers,The State University of New Jersey. Conrad was elected to the Board of Advisors of the International Trombone Association for a second time in 2006.

One of the most in-demand jazz educators, Conrad Herwig is a Conn-Selmer clinician and performs exclusively on Bach Stradivarius trombones.

Rumbéatelo:

Experimentación y Color

La Universidad de Panamá, la Vicerrectoria de Extensión, la Dirección de Cultura, la Facultad de Bellas Artes y la Escuela de Artes Visuales, presentan "Experimentación y Color" del 5 al 11 de diciembre 2008 en la Galería Manuel E. Amador, ubicada en el Campus Central de la Universidad de Panamá, al frente de la Biblioteca Simón Bolívar y a un costado de la Facultad de Derecho.

Les dejo algunos detalles sobre esta exposición realizada por los estudiantes de I y III año del Profesor Rodrgio Jaén. A la mano derecha de este blog, podrán ver alguno de los trabajos en flash, si desea verlos uno a uno, solo tiene que darle click a cada imagen, también lo pueden ver en el Album Picasa de Google y Facebook


La Experimentación en la Expresiones Artísticas, son pasos necesarios que deben realizar los artistas, especialmente los novatos, con el propósito de inventar procedimientos que le sugieran nuevos horizontes, que permitan entender los métodos que usa el arte, tanto en la técnica como en el contenido del objeto artístico y que con el ensayo y el error se logren establecer, dada la experiencia, identificarse sobre todo con el arte que quiere reflexionar en nuevos rumbos, en nuevos lenguajes, como ha sido la tónica por generaciones de artistas y poniendo la máxima que el arte siempre será evolutivo, buscando valores textuales o temáticos con el uso de materiales no tradicionales para abrir caminos.

Por otro lado el uso del color, el conocimiento de sus causales emotivas y como teoria, se hace necesario dentro del proceso de aprendizaje de los hoy nóveles artistas visuales, que muestran el fruto de estas dos experiencias, que dialécticamente se anteponen, pero que al final resulta el ganar para la perseverancia del arte.


Experimentación Visual, Técnicas y Materiales Empleados:

Tintes naturales, acrílicos, industrial, alquitrán, impresos, papel reciclado, telas sintñeticas, laca automotiva, ceras, plásticos, vidrio sobre madera, empleando el collages, relieves, impresión en temáticas libres.


Color

Con el implemento del libro arte, bitácoras de estudio sobre telas, pinturas en pequeños formatos empleando una temática prediseñada, la teoría del color, monocromático, bromatito, perspectivas del color, fondos negros, empleo de grises, etc...

El apréndalo usted mismo del arte

Tomado de: www.artelista.com

Será la época de las rupturas, concretada en la vanguardia histórica y continuada en nuestra contemporaneidad, la gran espectadora del autodidactismo en el arte (junto con los primeros tiempos de la expresión artística, entendida ya como tal). Una forma de crear que difícilmente hubiera sido bien acogida en siglos en los que la práctica del arte sólo era "permitida" ligada a determinadas asociaciones o gremios y que, aún hoy, genera susceptibilidades.

Existe un buen número de artistas, sin embargo, que alcanzaron cuanto menos la calidad formal a partir de un aprendizaje marcado por sus propios recursos, desacreditando a aquellos que opinan que sin academicismo no hay arte.

Aprendizaje reglado versus libre aprendizaje. Éste es uno de los grandes debates que aún hoy continúan abiertos en el campo de las artes plásticas, llegando, incluso, la propia definición de ambos conceptos a suscitar desacuerdos. Se entiende por autodidacta a la persona que "se instruye por sí mismo", esto es, que emplea sus propios medios para alcanzar un conocimiento, sin ayuda de maestros que le guíen. A lo largo de la Historia del Arte son cuantiosos los ejemplos de esta forma de adquisición del saber, si bien es en los primeros tiempos del desarrollo artístico y en los siglos XX y XXI cuando se encuentra el mayor número de casos.

Algo que es lógico si se tiene en cuenta que las primeras manifestaciones plásticas consideradas arte (el arte prehistórico) surgieron en una época en la que el aprendizaje estaría basado en un proceso prueba-error y la conciencia de creación plástica actual aún no existía; junto con esto, la instrucción en los siglos posteriores estará basada en una transmisión oral y el aprendizaje se circunscribirá a un hecho individual, no siendo hasta época del medioevo cuando se funden los gremios artesanales que recojan en su constitución el deber de la enseñanza.

Una circunstancia que se mantendrá como norma general hasta el s.XX, un siglo cuya esencia estará marcada por el cambio, la ruptura con lo establecido y la experimentación, procurando así un germen magnífico al autodidacta. Es cierto, sin embargo, que muchos de los autodidactas más famosos de la Historia del Arte tendrán algún tipo de formación académica a lo largo de su vida, aunque su estilo se desarrollará al margen de escuelas mediante el procedimiento de la observación y la copia.

Quizá el más conocido de los artistas autodidactas del s.XX sea Van Gogh, un pintor sin formación plástica real que aprenderá los rudimentos del dibujo a partir del análisis de láminas y la ayuda de un profesor de la Academia de Bellas Artes de Bruselas, Van Rappard, y de un familiar pintor. Un aprendizaje discontinuo e insuficiente que no impidió, sin embargo, que llegara a desarrollar un estilo dentro del postimpresionismo totalmente personal y cualitativo.

Algo que pueden suscribir, un poco antes, artistas como Constable o Turner y, de nuevo en el s.XX, Gauguin, Henri Rousseau, Manuel Millares, Munch y casi todos los manifestantes del expresionismo (con casos verdaderamente contradictorios, como el del grupo alemán Die Brücke, de claro pensamiento apologético del autodidactismo cuyos miembros habrían recibido una formación académica), el arte marginal y el arte naïf . Ejemplos un poco más difíciles de centrar si hablamos de arquitectura, por razones obvias (aunque con notables ejemplos contemporáneos, como es el caso de Tadao Ando), o escultura (nos vemos de nuevo obligados, como sucedería con la arquitectura, a regresar la mirada a los primeros constructores de pirámides y templos).

Leonardo da Vinci será otro de los grandes autodidactas de la historia, en todos los campos del saber a los que dirigió su mirada, ciencia incluida. Una excepción atemporal cuyo testigo alcanzará ya en el s.XXI a artistas de la talla de Eduardo Úrculo, José Ibarrola e, incluso, el hiperralista Antonio López que, si bien recibió una formación académica, se ha definido a sí mismo en más de una ocasión como "un autodidacta en continuo aprendizaje", ofreciendo, tal vez, la clave de la consecución del verdadero arte.

Conrad Herwing - With Every Breath 1987

320 kbps / 93.6 MB

Temas:
1. With Every Breath (5:41)
2. Red on Black (7:07)
3. Quasi-Modal (7:44)
4. Diva's Dilemma (7:05)
5. Alone Together (6:33)
6. A.M. Blues (7:55)


Músicos:
Conrad Herwig—Trombone
Jim Snidero—Alto/Soprano Saxophone
Richie Beirach—Piano
Ron McClure—Bass
Adam Nussbaum—Drums

With Every Breath is progressive jazz at its finest. I was very moved when I first heard this album, finding myself drawn inside the music, my mind wandering and allowing me to let myself go. You will be compelled to play it many times, each time finding something to match your mood.

Conrad Herwig is an accomplished trombonist, writer and arranger and this debut album as a leader shows him to be a 'musician's musician.' He takes the trombone beyond accepted boundaries and plays with the versatility of a saxophone.

Born in Fort Sill, Oklahoma, on November 1, 1959, Conrad is the son of a career army officer. His first exposure to trombone was at the age of eight, when the music man came to his school and, since he was the only student in his class with arms long enough to reach the end of the slide, he was given a trombone. He finished high school in Hawaii and gives credit to local jazz trombonist Les Benedict for giving him direction and to jazz legend Trummy Young (who was living in Hawaii at the time) for inspiration.

At North Texas State University, Conrad played with the One O'Clock Lab Band and sat in with dallas jazz players including Red Garland, Marchel Ivery and James Clay. In 1981, he was voted Number 1 Trombonist in Texas Jazz Magazine, and soon after went on the road with the Clark Terry Big Band. After touring Europe and the US, he settled in New York City. He then worked with Buddy Rich and, after leaving the band, freelanced with Slide Hampton's World of Trombones, Cab Calloway's band and other, and recorded with Jack McDuff. In 1984 Conrad joined the Toshiko Akiyoshi Jazz Orchestra and is a featured soloist on her two latest record albums. He has also performed with the Paquito D'Rivera Quintet, the Bob Mintzer Big Band, Daniel Ponce's Jazz Bata, as well as doing freelance commercial work.

When I asked Conrad what his feelings were about With Every Breath, he said "I want this album to feature everyone - I prefer a group concept." Well, Conrad, you have accomplished your goal. This sounds like a group that has played night after night - burning! It swings hard, which is no surprise when you conside the personnel: Richie Beirach, Ron McClure and Adam Nussbaum, who are on of the top rhythm sections in the world and Jim Snidero, who is one of the finest alto saxophonists in New York today. Jim and Conrad met at North Texas State University and have played so frequently together over the years that, at times, they sound like one horn.

I've known Conrad for a number of years, playing with him in a variety of situations in and around New York City. He is a friend and gifted musician. It was time for Conrad to record an album and I am proud to write his liner notes. As Miles Davis used to tell me, "The music speaks for itself" ...in this case it definitely does

Bill Evans
(Bill Evans is a jazz saxophonist and recording artists formerly with the Miles Davis Group).

Very special thanks and love to my Mother and Father, Lee and Mary Herwig, for whithout their love and help this recording would not have been possible.

Rumbéatelo:

Nueva ley de derechos de autor para artistas

Tomado de: www.artelista.com

Los artistas plásticos están de enhorabuena esta semana: una nueva ley viene a sumarse a las enunciadas para la protección de sus derechos. El Ministerio de Cultura inició en mayo de 2008 los trámites para modificar el artículo de la Ley de Propiedad Intelectual que garantiza el derecho de los artistas a percibir una participación económica en el precio de reventa de sus obras (siempre que la transacción no se haga entre particulares). Una iniciativa que, en este mes de noviembre, ha sido presentada para su aprobación ante la Comisión de Cultura del Congreso.

La exigencia en España de una ley de derechos de autor equiparable al resto de la normativa europea es una reclamación antigua, cuyo principal y fundado argumento se sostenía en la inviabilidad actual de la Ley de Protección Intelectual, promulgada hace más de veinte años. Así, en mayo de 2008, el Ministerio de Cultura presentó un anteproyecto de ley para modificar el derecho de participación de los artistas.

Este derecho, también conocido como droit de suite, garantiza a los artistas una parte del precio de reventa de aquellas obras de arte de su autoría u originales después de la primera transmisión, siempre que en la misma intervenga algún profesional del mercado del arte (como comprador, vendedor o intermediario). Este derecho ya aparecía recogido desde 1987 en las leyes españolas, sin embargo, el anteproyecto tenía como finalidad ajustarlo a las directrices marcadas por Europa.

Así, la Ley de Propiedad Intelectual ha experimentado un importante cambio tras la aprobación en noviembre pasado de este proyecto de ley por parte de la Comisión de Cultura del Congreso. No sólo se han establecido nuevamente el precio de activación del derecho y las cantidades económicas a percibir en función del precio alcanzado por la obra (en lugar de los inmóviles 1.800 euros y 3% determinados hasta el momento) sino que, además, han quedado definidas explícitamente aquellas operaciones que generan derechos económicos al autor.

De este modo, a partir de ahora, cada vez que en una reventa de obra intervengan galerías de arte, marchantes, salas de ventas y subastas, o cualquier persona física o jurídica que actúe de forma habitual como intermediario (además de aquellos profesionales del mercado del arte que presten sus servicios a través de internet), el artista de la obra deberá recibir el tanto por ciento estipulado que le corresponda.

De esta disposición quedan excluidos los tratos negociados entre particulares sin que medie ningún profesional del mercado del arte, así como las reventas promocionales ("aquellas que tienen lugar en los supuestos en que la obra ha sido adquirida directamente del autor, con el fin de facilitar la incorporación de la obra de nuevos artistas al mercado del arte").

Con respecto al precio de activación del derecho (o lo que es lo mismo, la cantidad a partir de la cual el autor tiene derecho a percibir un porcentaje), antes marcado en 1.800 euros, su cuantía ha alcanzado los 3.000 euros máximo (cada estado miembro puede determinar después la cantidad mínima). Igualmente, se ha determinado ahora un máximo de 12.500 euros pagaderos al artista por la aplicación del derecho de participación y un sistema de porcentajes decrecientes por tramos de precios*.

En este punto es donde se han generado las mayores controversias, ya que hay muchos galeristas y marchantes que consideran que el pago del porcentaje tiene sentido tan sólo en caso de plusvalía y no en cada reventa, ya que es posible que ésta conlleve pérdidas para el intermediario, quien además tendría que pagar royalties.

Grupo Folclórico y Experimental Nuevayorkino

Israel Berrios canta La Vida Es Un Sueño del gran Arsenio Rodríguez y la otra pieza de ese grande, como lo fué Pedro Florez... durante la presentación que este grupo tuvo el 1 de Nov. 2008 en el Teatro Hostos Community College.

Luis Perico Ortíz - My Own Image 1978

320 kbps / 87.8 MB

Side 1:
1. Sometimes
Percussion Interlude
2. Nice & Warm
Percussion Interlude
3. Diana
Percussion Interlude
4. Viva Martínez

Side 2
5. I Know
Percussion Interlude
6. Genesis
Percussion Interlude
7. Hot Blood
Percussion Interlude
8. Perico

Músicos:
Rubén Blades: Acoustic guitar, background vocal on Sometimes
Brian Brake: Drums
Randy Brecker: Trumpet, Fluegelhorn on sometimes, genesis, viva martinez, hot blood
Jimmy Delgado: Timbales
Jon Faddis: Trumpet on guajira, diana, I know, perico
Babi Floyd: Background vocal, solo on guajira
Lani groves: Background vocal
Steve Khan: Guitar
Lou Marini: Tenor sax, flute
Eddie Martínez: Acoustic, electric piano, synthesizer solo on viva martinez and genesis
Eddie Montalvo: Conga on diana, guajira and perico
Keith O´Quin: trombone
Luis Ortíz: Trumpet, fluegelhorn, flute, synthesizer, piano, persuccion (plays all these parts on perico)
Eddie "Gua Gua" Rivera: Bass
Edwin Rodríguez: Acoustic guitar, synthesizer on genesis
Johnny Rodríguez Jr.: Bongo, guiro on I Know, conga on Interludes
Pablito Rosario: Bongo, cowbell, percussion
Allan Rubin: Trumpet, fluegelhorn
Lew Soloff: Trumpet, fluegelhorn
Yolanda McCollough: Background vocal
Israel "Sabú" Morales: Bata (Omele) on hot blood
Jorge Santiago: Lead vocal on diana and I Know, background vocal on sometimes
Wilfredo "Moreno" Tejada: Bata (Iya) on hot blood
Carlos "Patato" Valdéz: Conga
Dominico Valdez Jr.: Bata (Oconcolo) on hot blood
Ed Walsh: Synthesizer programming and solo on perico

Tomado de: www.lpmusic.com

What an opportunity to revisit some of the hottest music of the seventies, played by the greats of that era! Ruben Blades, one of the many side players on this album, was then at the dawn of his career. This re-issue reflects a glorious era of experimentation and the birth of what we now call "fusion."

In "My Own Image" trumpeter Luis "Perico" Ortiz combines diverse Latin, rock, funk, and jazz influences in a pleasing melange. Originally recorded in 1978 on analog two-inch tape under the watchful eye of LP founder Martin Cohen, the album has now been transferred to digital. The liner notes are lovingly reproduced and show, all in all, eight songs. Six of these, however, incorporate percussion interludes - snippets under a minute in length.

When transferring the material to digital, the pauses between these songs and interludes became breaks. Consequently, "song/interlude" is now "two tracks" instead of the single song shown in the liner notes. Presto: we now have fourteen tracks!

Track One, a funky Ruben Blades composition, "Sometimes," leads off with raucous steam train horn swells, then graduates to the unison lead vocals so popular in the seventies. A female vocal refrain comments on the longings of the male lead vocal. The song fades to a percussion refrain: read this as Track Two.

Track Three on your CD player is "Nice and Warm (Guajira)" and features the entire New York session Mafia, including the Brecker Brothers on horns, Steve Khan on guitar, and Brian Brake on drums. Starting as a Cha-Cha, the arrangement takes a quick lurch into fast Latin rock (3:08-3:11). Percussionists Jimmy Delgado, Pablito Rosario, and the great Carlos "Patato" Valdez leap into action! Bang! Then it's back to the Cha-Cha.

Track Five is "Diana," a lovely ballad carried by Fender Rhodes piano and horns. Wear headphones - check out the sound of the hand drums. All the slaps, muted and open tones come to the fore. Ortiz's fluid trumpet work and round tone establishes the mood. On the fade, he gets frisky and lets loose a few flashy lines (5:15), just a hint of what he is capable of doing on the horn.

"Viva Mart?nez" is jazz Latin that just flies along, at first propelled by Brake's ride cymbal work, until - at the top of Ortiz's solo - the percussionists take over. The arrangement segues into another seventies device, the analog synthesizer solo. Eddie Mart?nez plays horn-like lines that set Ortiz up for a final solo.

And now the piece de resistance, an Ortiz/Harlow composition, "I Know." Guaranteed: once you get past the tricky intro, you will be humming the refrain for days! A hybrid Cuban/funk dance tune, "I Know" yields new gems each time you listen: Martinez's synthesizer vamp on the chorus, Rodriguez's guiro, Jon Faddis's trumpet - all this in addition to that catchy chorus! The icing is a wonderful Guaguancho percussion interlude.

And, finally, it's "Perico" - hard jazz funk in the Miles Davis tradition - and then we're done with an album that suffers only one fault: it's far too short.

Rumbéatelo: