RUMBARTE

Kenny Wheeler - Deer Wan

2009-07-03T22:49:00.000-07:00

Músicos:
Kenny Wheeler trumpet, fluegelhorn
Jan Garbarek saxophones
John Abercrombie electric guitar, electric mandolin
Dave Holland bass
Jack DeJohnette drums
Ralph Towner 12-string guitar

Temas:
Peace For Five
3/4 In The Afternoon
Sumother Song
Deer Wan

Tomado de: www.wikipedia.org

Kenneth Vincent John Wheeler, CC, (born 14 January 1930, Toronto, Canada) is a Canadian composer and trumpet and flugelhorn player, based in the U.K. since the 1950s.

Most of his output is rooted in jazz, but he has also been active in free improvisation and has occasionally contributed to rock music recordings. Highly respected among his peers for his beautiful tone and extensive range on the trumpet and flugelhorn, Wheeler has written over one hundred compositions and is a skilled arranger for small groups and larger ensembles. His compositions blend lyrical melodies with a distinctive and ever changing harmonic palette.

He has recorded some twenty albums as a leader, and has recorded or performed with Paul Gonsalves, Dave Holland, John Taylor and Norma Winstone (as Azimuth), Anthony Braxton, Lee Konitz, Keith Jarrett, Theo Jörgensmann Quartet, David Sylvian, Bill Bruford, Steve Coleman, Spiritualized and the Spontaneous Music Ensemble, among others.

Rumbéatelo:

Bobby Hutcherson Live at the Montreux Jazz

2009-07-03T22:24:00.000-07:00

Temas:
1. Song Of Songs
2. The Moontrane
3. Farallone
4. Anton's Bail

Músicos:
Bobby Hutcherson: Vibes
Woody Shaw: Trumpet
Hotep Cecil Bernard: Piano
Ray Drummond: Bass
Larry Hancock: Drums

Tomado de: www.allaboutjazz.com

Did you catch Bobby Hutcherson in the movie Round Midnight with Dexter Gordon? Hutcherson played another musician: a comparatively well-adjusted, kindly one. I had the impression watching that movie that being well-adjusted and kindly was not particularly a stretch for Bobby Hutcherson; that conclusion is supported by the music on this album. This CD captures Hutcherson's relaxed and confident quintet at Montreux in 1973. Woody Shaw (trumpet), Hotep Cecil Bernard (piano), Ray Drummond (bass) and Larry Hancock (drums) augment Hutcherson's vibes. Hutcherson wrote two tracks, the bright "Anton's Bail" and the passionate "Farallone," a CD bonus cut.

As the only horn on this album, Woody Shaw is massive. He contributes the other two of the four tracks, "The Moontrane" (the title track of one of his own fine albums) and "Song of Songs." On these two cuts the passion of his playing is moving while never getting away from real melodic invention.

Actually that could be said for all four cuts on this album; Shaw is consistent and superb. His solos are in the soaring Coltraneish mode popular among those still playing jazz at the time, but Shaw was not just a derivative voice. He nods to Lee Morgan here and there with a few slurring, whirling lines, which he's often liable to follow in the next breath with a sharp, slashing Freddie Hubbard-style attack. But like all masters, he is not merely copying his influences but incorporating their discoveries and breaking new ground of his own.

Hutcherson, of course, is equal to the challenge. On "Song of Songs" his playing is fleet, cogent, and lyrical, while edging toward the borderlands he explored most famously on Eric Dolphy's Out to Lunch. He is thoroughly the master of his instrument, with a breathtaking range: one moment Hutcherson can use the vibes like a gong for sonority and in the next second like a happy child's toy. Hotep Cecil Bernard is in a McCoy Tyner bag on this album (but who wasn't in 1973?). He adds a dash of Cecil Taylor here and there as well, particularly, again, on "Song of Songs."

All this adds up to a thoroughly enjoyable glimpse of the best side of jazz in the early Seventies. In other words, this album is within a tradition but not self-consciously imitative, and innovative but not mannered. It swings without electricity or a rock backbeat. It's simply some top musicians at the top of their game. If you like jazz, you'll like this one.

Rumbéatelo:

Johnny Griffin - A Blowing Session 1957

2009-04-11T23:50:00.001-07:00

59,276 KB / 320 KBPS

Temas:
1 The Way You Look Tonight
2 Ball Bearing
3 All The Things You Are
4 Smoke Stack
5 Smoke Stack (alternate take)

Músicos:
Johnny Griffin, Hank Mobley, John Coltrane (tenor saxophone); Lee Morgan (trumpet); Wynton Kelly (piano); Paul Chambers (bass); Art Blakey (drums).

Tomado de: www.apoloybaco.com

Apodado "Little Giant" por su corta estatura, Johnny Griffin, es uno de los últimos grandes creadores y exponentes todavía en activo mas genuinos del hard-bop. Nació en Chicago, uno de los centros urbanos mas importantes del blues y también del gospel, dos raíces musicales que marcaran beneficiosamente a Griffin durante sus años de formación. De madre cantante y padre cornetista, estudio muy pronto obóe, clarinete y saxofón alto y tenor en la famosa "Dusable High School" de su ciudad natal como alumno del no menos famoso Captain Walter Dyett, director musical de la escuela.

Su estreno musical le llegó a los 17 años cuando recién graduado se vio contratado gracias a su magnifica reputación por la banda de Lionel Hampton. Se unió a ellos en la primera gala de la gira en Toledo (Ohio) y ahí permaneció dos largos y fructíferos años. Regresó a Chicago en 1947 y codirigirá junto al trompetista, Joe Morris, un sexteto por cuya sección rítmica pasaron dos pesos pesados del jazz: el contrabajista, Percy Heath y el baterista, Philly Joe Jones. Llega la guerra de Corea y Griffin es movilizado y destinado a Hawai donde pasara dos años ( 1951-1953) tocando en la banda militar de la compañía.

Ya licenciado vuelve a su ciudad natal donde un buen día de 1956, aparece por allí el pianista Thelonious Monk, para cumplir un contrato de 15 días en el club "Bee Hive". Griffin es seleccionado de entre los músicos locales para tocar junto a Monk y a la vuelta el pianista habla maravillas de aquel saxo tenor de Chicago a su compañía discográfica por entonces, la Blue Note quienes tras una primera escucha lo contrata y un mes después graba el primer disco a su nombre: "Chicago Calling" todo un monumento del mejor hard bop de la época. Las cosas empiezan a suceder deprisa y Art Blakey, lo contrata para uno de sus Messengers y grabará con ellos tres álbumes, entre ellos uno con Monk al piano.

Otra vez Monk se cruza en su camino y lo llama al año siguiente para sustituir nada mas y nada menos que a John Coltrane, en su cuarteto para grabar en el club "Five Spot" en 1958 y grabadas para Riverside bajo el titulo de "Misterioso".

En 1960 lo contrata su colega Eddie "Lockjaw" Davis, que le propone formar un grupo con dos saxos tenores y sección rítmica. La formula es todo un acierto y el éxito les acompaña desde el principio -graba ocho discos en dos años- pero la situación fiscalmente se tuerce y Johnny Griffin, decide irse a Europa harto de soportar las presiones del fisco americano. Griffin recorre Europa de cabo a rabo pero termina instalándose en Francia donde colabora entre 1962 y 1973 con la extraordinaria institución musical que fue la bigband de Kenny Clarke y Francy Boland.

En el 1970 se traslada a vivir a Holanda donde se compra una granja y alterna las grabaciones y actuaciones con el cuidado de la misma. Visita España al final de la década de los setenta donde toca con el pianista, Tete Montoliu, y realiza anualmente un viaje a su patria para no ser olvidado. Falleció en julio de 2008 a los 80 años en un pueblo del centro de Francia, donde vivía autoexiliado desde 1963.

Rumbéatela:

Jerry Gonzalez Pensativo 1995

2009-04-11T23:36:00.000-07:00

115 MB / 320 KBPS

Temas:
01 - Give It Some Thought
02 - Dance Cadaverous
03 - Midnight Train
04 - Gonzilla
05 - So Near, So Far
06 - A Flower Is a Lovesome Thing
07 - Jungle Plum
08 - Heidi Ho
09 - Ruby, My Dear

Músicos:
Jerry Gonzalez (trumpet, flugelhorn, congas); Joe Ford (alto & soprano saxophones); John Stubblefield (tenor saxophone); Larry Willis (piano); Andy Gonzalez (bass); Steve Berrios (drums, marimba, percussion).

Tomado de: www.apoloybaco.com

Jerry González, nació en 1949 en el barrio del Bronx de la ciudad de Nueva York. El creció con la música afro-cubana y el jazz, que dejaron un impacto profundo en su apreciación musical, y moldearon su trabajo futuro como artista. Cuando joven, González escuchaba los álbumes de jazz de su padre de músicos como: Louis Armstrong, Charlie Parker o Miles Davis. Mientras estudiaba en la escuela intermedia, comenzó a tocar la trompeta y luego las congas. González completó sus estudios formales en el New York College of Music y la New York University. Fundador del Grupo Folclórico y Experimental Neoyorquino, González ha profundizado en los orígenes afrocubanos de su música y en el jazz, apartándose así de la tendencia mayoritaria de las formaciones latinas de New York, dedicadas principalmente a la salsa en los años setenta.

Legendarios artistas latinos como Mongo Santamaría, Tito Puente o Eddie Palmieri, sirvieron de fuentes importantes de inspiración musical para el. El siempre dice que "..el espíritu de nuestra madre África viajó al Caribe, Sudamérica, Norteamérica y…nuestra música es un reflejo de nuestra experiencia en la ciudad de Nueva York y nuestra concienciación de las raíces culturales".

Conocido como percusionista, González comenzó su carrera artística como conguero y trompetista en 1970, interpretando su propio estilo de de jazz latino con el internacionalmente famoso Dizzy Gillespie. Con el respaldo y apoyo del maestro Gillespie, González pudo lograr fundir el ritmo básico africano a los elementos de jazz sin comprometer la esencia de ninguno de los dos. El año siguiente, González se unió a la banda de Eddie Palmieri, "El Son" por un periodo breve antes de moverse a trabajar con el "Conjunto Libre", la banda dirigida por el gran timbalista, Manny Oquendo.

Inevitablemente, el talento de González lo llevó a formar su propia banda. Su iniciativa fue tomada al final de los años 1970, con una banda llamada "Ya Yo Me Cure" y lanzó un álbum con el mismo nombre en 1979. Sin duda, su verdadero talento afloró con su segunda banda: "Jerry González and the Fort Apache Band" , un territorio de encuentro y de mestizaje en el que las tradiciones latinas y del jazz se codean con absoluta normalidad. Junto a su hermano Andy, crearon una de las propuestas mas sugerentes que han aparecido en el jazz en los últimos años. Los dos primeros álbumes de la banda fueron grabados en vivo en conciertos Europeos. Estos fueron seguidos por su álbum que fue un gran éxito: "Rumba para Monk" en 1989, ganando el reconocimiento de la "Academie du Jazz" francesa con el premio "Jazz Record of the Year".

González y la banda subsiguientemente lanzaron Moliendo Café en 1991. El álbum una vez más demostró la calidad de la banda para tocar jazz inspirado en la música latina con genuina sensibilidad y virtuosidad. Poco después siguieron otros dos álbumes magníficos: Crossroad en 1994 y Pensativo en 1995. Ambos ganaron una nominación a los premios a los Premios Grammy. González y su Fort Apache Band, también ganaron críticas muy favorable por su contribución al video documental sobre el jazz latino, "Calle 54", dirigido por el cineasta, Fernando Trueba. El trabajo también incluyó interpretaciones de famosos artistas cubanos y latinos incluyendo a Tito Puente, Paquito D'Rivera, Machito, Danilo Pérez, Chucho Valdés o Ray Barretto. En el escenario del jazz, Jerry González ha colaborado con estrellas tan reconocidas como George Benson, Kenny Dorham, Anthony Braxton, McCoy Tyner, o Tony Williams.

Rumbéatela Part. I
Rumbéatela Part. II

Nino Rivera y Julio Gutierrez - Jam Sessions 1957-58

2009-03-10T06:48:00.001-07:00

320 KBPS / 144 MB

Niño Rivera y sus Cuban All Stars

1) Montuno con Swing
2) Montuno Guajiro
3) Chachacha Montuno
4) Guaguanco Comparsa

Niño Rivera - Tres
Orestes Lopez - Piano
Negro Vivar - Trompeta
Emilio Penalver - Saxo
Richard Egues - Flauta
Bol Vivar - Bajo
Guillermo Barreto - Timbales
Yeyito Iglesias - Bongo
Tata Guines - Tumbadora
Gustavo Tamayo - Guiro

Julio Gutierrez y su Orquesta

5) Descarga Caliente
6) Rhumba Theme
7) Oye mi ritmo caliente
8) Bata Rhythm

Julio Gutierrez & Peruchin Justiz - Piano
Negro Vivar - Trompeta
Oscar Valdes - Bongo
Bol Vivar - Bajo
Marcelino Valdes - Tumbadora
Emilio Penalver - Saxo

Este post llega gracias al aporte de Axelito

Rumbéatelo part.1
Rumbéatelo part. 2

Tito Puente - Goza Mi Timbal 1989

2009-03-10T06:41:00.000-07:00

320 KBPS / 94.3 MB

Temas:
1. Airegin (4:16)
2. Cha Cha Cha (6:39)
3. Pent Up House (5:49)
4. Picadillo A Lo Puente (3:52)
5. All Blues (5:16)
6. Ode to Cachao (6:39)
7. Straight No Chaser (4:58)
8. Lambada Timbales (4:10)

Músicos:
Tito Puente - timbales, marimba, vibraphone, chekere
Bobby Rodriguez - bass
Jose Madera - congas, percussion
Sam Burtis - trombone
Mitch Frohman - saxophone, flute
Johnny "Dandy" Rodriguez - bongos, percussion
John Santos - chekere, bongos
Robbie Kwock - trumpet, flugelhorn
Sonny Bravo - piano
Mary Fettig
David Piro Rodriguez
Rebecca Mauleon - synthesizer

Personnel: Tito Puente (timbales, marimba, vibraphone, chekere), Mary Fettig, Mitch Frohman (saxophone, flute), David Piro Rodriguez, Robbie Kwock (trumpet, flugelhorn), Sam Burtis (trombone), Sonny Bravo (piano), Rebecca Mauleon (synthesizer), Bobby Rodriguez (bass), Johnny Rodriguez (bongos, percussion), John Santos (chekere, bongos), Jose Madera (congas, percussion).

Producers: Carl E. Jefferson, Tito Puente.

Recorded at Mobius Music Recording Studio & Coast Recorders, San Francisco, California on July 31 & August 1, 1989. Includes liner notes by Hugh Wyatt.

Rumbéatelo:

Gerry Mulligan - What Is To Say ? 1958

2009-03-10T06:29:00.000-07:00

320 KBPS / 100 MB

Músicos:

Gerry Mulligan, baritone sax;
Art Farmer, trumpet;
Bill Crow, bass;
Dave Bailey, drums

Temas:
1. What Is There To Say?
2. Just In Time
3. News From Blueport
4. Festive Minor
5. As Catch Can
6. My Funny Valentine
7. Blueport
8. Utter Chaos

WHAT IS THERE TO SAY? is undoubtedly one of the high points in Gerry Mulligan's distinguished discography. Along with Chet Baker, Miles Davis, and Ornette Coleman, Mulligan was one of the first to experiment with creating space in jazz by subtracting instrumentation and chordal comping. To this end, Mulligan released a series of albums sans piano in the 1950s, of which WHAT IS THERE TO SAY? is the most fully realized. The quartet features Mulligan on baritone sax, Art Farmer on trumpet, Bill Crow on bass, and Dave Bailey on drums.

Without a piano to flesh out the midrange, the music takes on a spare, poignant chamber feel, with the bass and drums rumbling beneath Farmer and Mulligan's sinuous, interweaving lines. The set, which includes three Mulligan originals, a tune by Farmer, and a series of covers (note the delicate, moody rendition of "My Funny Valentine"), is a case study in tasteful arrangement and lyrical playing. For all of this, the album swings, and holds its own against any bop outing of the era. WHAT IS THERE TO SAY? was Mulligan's first recording as a leader for Columbia Records, and the level of skill and innovation displayed proved him a true frontrunner in the jazz big leagues.

Allmusic.com:
The last of the pianoless quartet albums that Gerry Mulligan recorded in the 1950s is one of the best, featuring the complementary trumpet of Art Farmer, bassist Bill Crow, and drummer Dave Bailey along with the baritonist/leader.

This recording is a little skimpy on playing time but makes every moment count. Virtually every selection is memorable, with "What Is There to Say," "Just in Time," "Festive Minor," "My Funny Valentine," and "Utter Chaos" being the high points. Highly recommended both to Mulligan collectors and to jazz listeners who are just discovering the great baritonist.

Este aporte es gracias a Luiggi Fornicalli

Rumbéatelo:

Terence Blanchard - Let´s get lost

2009-03-04T20:12:00.000-08:00

144 MB / 320 KBPS

Temas:
01. Let's Get Lost (Featuring Diana Krall)
02. Too Young To Go Steady (Featuring Jane Monheit)
03. You're A Sweetheart
04. I Can't Believe That You're In Love With Me (Featuring Dianne Reeves)
05. I'm In The Mood For Love
06. Don't Blame Me (Featuring Cassandra Wilson)
07. I Can't Give You Anything But Love (Featuring Jane Monheit)
08. Exactly Like You
09. Can't Get Out Of This Mood (Featuring Dianne Reeves)
10. Lost In A Fog
11. On The Sunny Side Of The Street (Featuring Cassandra Wilson)

Músicos:
Terence Blanchard - trumpet
Eric Harland - drums
Edward Simon - piano
Brice Winston - tenor saxophone

Also: Diana Krall, Dianne Reeves, Jane Monheit, Cassandra Wilson

Tomado de: www.apoloybaco.com

Considerado por el mismísimo, Miles Davis, como el trompetista más brillante de su generación, Terence Blanchard, está muy ligado al movimiento de revitalización del jazz que tuvo lugar en las ultimas décadas de los años 90 y que encabezó y dirigió la familia Marsalis con el trompetista, Wynton a la cabeza. Fue el mismo, Wynton Marsalis, quien le cedió su sitio en los "Jazz Messengers" de Art Blakey.

Como muchos de aquellos jóvenes músicos de los ochenta, su técnica era prodigiosa y era un autentico virtuoso de la trompeta. Su explosión definitiva a la fama, la constituyó cuando grabó para Columbia en 1992, la banda sonora de la película: "Malcolm X" del director, Spike Lee. Terence Blanchard, representa junto a otros músicos talentosos como Joshua Redman o Roy Hargrove el eslabón del jazz contemporáneo con la música afroamericana.

Rumbéatelo part. 1
Rumbéatelo part. 2

DAVID SÁNCHEZ - STREET SCENES 1996

2009-03-04T17:31:00.000-08:00

82.2 MB / 224 KBPS

Temas:
1 Caras Negras
2 Street Scenes
3 Urban Frequency
4 Dee Like the Breeze
5 Los Cronopios
6 Four in One Monk
7 Carmina Sanchez
8 The Soul of el Barrio
9 Street Scenes ''downtown
10 The Elements

Músicos:
David Sanchez (soprano & tenor saxophones); Cassandra Wilson (vocals); Kenny Garrett (alto saxophone); Danilo Perez (piano); John Benitez, Larry Grenadier, Charnett Moffett (bass); Clarence Penn, Horacio Hernandez (drums); Milton Cardona, Richie Flores (percussion).

Tomado de: www.apoloybaco.com

David Sánchez, es uno de los saxofonistas de jazz contemporáneo con mas renombre en los Estados Unidos. En 1991, antes de cumplir 23 años, Dizzy Gillespie, lo invitó a integrarse a la United Nations Orchestra, ilustre grupo que convocaba a los mejores músicos de jazz de los cinco continentes; y aunque Sánchez era el más joven de la orquesta, en su currículum ya aparecían participaciones con Miriam Makeba, Paquito D’Rivera, Hilton Ruiz, Eddie Palmieri, Claudio Roditi, Larry Ridley Jazz Legacy. Tras la retirada de los escenarios de Dizzy en 1992, David Sánchez, tocó con pesos pesados del jazz como Kenny Barron, Charlie Haden, Roy Haynes, Elvin Jones, Steve Turre, Gonzalo Rubalcaba y McCoy Tyner.

Además de haber sido seleccionado por Slide Hampton, para tocar con la orquesta: "The Jazzmasters" en 1992, en 1993, Sánchez firma con Sony Music para grabar con su propio grupo. Hasta la fecha ha grabado seis discos, todos ellos para "Sony-Columbia" y en los que han colaborado nombres ilustres como Danilo Pérez, Tom Harrell o Leon Parker.

A su debut como líder en Columbiaen 1994 con el álbum: "Sketches of Dreams", le siguieron "The Departure", (1995) y "Street Scenes" en 1996. Su disco "Obsesión" (producido por Brandford Marsalis en 1999) y "Melaza" (2000) fueron nominados para los premios Grammy en la categoría de Mejor Disco de Jazz Latino. En 2001 se edita su disco "Travesías", que supone el reencuentro con el saxofonista alto, Miguel Zenón, quien también compuso algunos de los temas originales del disco.

Juntos, David Sánchez y Miguel Zenón, forman uno de los dúos de saxos más potentes de la actualidad, alcanzando una intensidad coltraniana, con líneas melódicas que se cruzan e imbrican a velocidad de vértigo. En su estilo se funden influencias tan dispares como las de John Coltrane, Sonny Rollins o Dexter Gordon, el hardbop con elementos de las vanguardias de los sesenta.

Una de las cosas que más llama la atención en la música de David Sánchez, es su huida de los clichés del llamado "jazz latino", buscando siempre soluciones armónicas y rítmicas originales y descolgándose, de vez en cuando, con homenajes tan impredecibles como la versión de "Prince of Darkness" de Wayne Shorter, que aparecía en "Travesías". Uno de sus últimos trabajos destacados ha sido la colaboración en le disco liderado por el contrabajista, Charlie Haden, titulado "Nocturne".

Rumbéatelo:

Orestes Vilató lanza su primer CD " It's about time"

2009-02-24T06:47:00.000-08:00

Por E.J. Támara
The Associated Press

LOS ANGELES -- Ha tocado con la Fania All Stars, Israel López "Cachao" y Carlos Santana, pasando por Rubén Blades y Celia Cruz. Ahora el percusionista cubano Orestes Vilató presenta un primer disco en el que busca retomar sus raíces afrocubanas, que dice se están olvidando.

"No podemos olvidarnos de las raíces, desde la música hasta lo familiar. En las raíces está el futuro. Es de donde sale lo de ahora", dijo el timbalero a la AP en una entrevista reciente. "Todo está escrito: las notas son siete y no se puede inventar nada. Hay que frasear diferente y vestir las notas diferente. Lo único que hay que hacer es poner un timbal, comérselo e imaginarse lo que pasa después".

Vilató, de 64 años, lanzó esta semana "It's About Time (Ya era tiempo)", con 10 temas de su inspiración que acumuló a lo largo de su carrera musical de 49 años.

Junto a sus padres y dos hermanas, Vilató llegó a Nueva York procedente de Cuba a los 12 años y a ya a los 15 empezó a tocar instrumentos de percusión con bandas.

De Cuba trajo el sentimiento y sabor que lo caracterizan, y que dice han sucumbido frente a la rapidez con la que se toca un instrumento.

"Lo que están enseñando es la rapidez, mientras más rápido tocas, mejor. Están olvidándose del sentimiento, de la melodía, de la cadencia, del amor al instrumento", dice el músico. "Un timbal, aunque tiene un sonido fuerte, puede ser melódico, sentimental. Eso es lo difícil de un instrumento acústico: sacarle lo sentimental".

Más aún, Vilató, quien ha contribuido a más de 400 discos y numerosas películas, dice que algunos hasta "se han pasado de la raya" al querer impresionar a la gente con la rapidez de la percusión.

"Un Vicente Fernández no tiene que hacer nada para impresionar, sólo abrir la boca y dejar que salga el sentimiento. Es la Biblia lo que sale de allí", citó el músico como ejemplo. "La creatividad puede ser sencilla, simple, pero que se sienta lo que el artista siente".

"It's About Time (Ya era tiempo)" resalta ritmos de son, guaguancó, rumba, bolero y chachachá, que Vilató dice se están perdiendo poco a poco.

"El público necesita saber más de las diferentes raíces de la música, de quién empezó qué, de quién lo siguió y cómo ha llegado a lo que ha llegado", afirmó.

El percusionista, quien participó en los discos de Cachao desde el 93 hasta su muerte, también tocó unos nueve años con Ray Barreto y ahora es parte de CineSon All-Star, la banda del actor y músico Andy García.

¿Por qué recién saca un disco solista?

"Porque ahora sigo teniendo la misma frescura que cuando tenía 15 años", responde Vilató haciendo gala precisamente de ello. "La música que he tenido toda la vida desde niño, los sonidos que estaban allí, en la mente, han salido ahora para ser parte de este disco".

Tomado de: www.orestesvilato.com

Nacido en Camagüey, Cuba en 1944, el multi-percusionista Orestes Vilató es una de las figuras más influyentes en el mundo de la percusión Latina. Su estilo único en los timbales cubanos es uno de los más imitados en el género, su arte ha engalanado los escenarios y estudios de grabación de numerosas leyendas musicales, desde Aretha Franklin hasta Carlos Santana.

Como pionero del fenómeno de la Salsa en la costa Este de EE.UU, Vilató desempeñó un papel trascendental durante el ascenso a la fama de artistas e instituciones musicales como La Fania All Stars, Ray Barretto, Rubén Blades, Celia Cruz, Johnny Pacheco y muchos otros. Después de 25 años en Nueva York, Orestes encontró nuevas oportunidades musicales en el norte de California, esta vez como miembro de la banda de Santana, fraguando su camino en el género de rock Latino, como resultado, su trabajo de virtuoso de la percusión se convirtió parte substancial de la música de numerosos artistas nacionales e internacionales en diversos estilos entre los que se distinguen la música autentica cubana, el Jazz Latino, la Salsa, el Rock y muchos otros.

En 1995, Orestes conquistó una nominación para el premio Grammy por su trabajo en el Álbum “Ritmo y Candela” en unión de otras dos leyendas de la percusión cubana Carlos "Patato" Valdez y José Luís Quintana "Changuito". Al mismo tiempo, Orestes ha adornado con su música todos los álbumes ganadores de premios Grammy del bajista, compositor cubano y Rey del Mambo Israel “Cachao” López. Desde su reubicación en el área de la Bahía de San Francisco en 1981, Orestes mantiene su lugar como uno de los percusionistas de mayor demanda en el planeta.

De niño en Cuba, Orestes fue estimulado por su padre a continuar su pasión por la música, cuando volteando su primer instrumento - la guitarra -- boca abajo y usándola como un tambor comenzaba su extenso recorrido por el mundo de la percusión. Después de recibir sus primeros Bongos, el joven Orestes se concentró en el estudio de la música de su tierra, inspirado por todos los grandes que escuchaba en la radio y en vivo.

Durante los años 50s, la familia Vilató se traslada a Nueva York, y pronto Orestes comienza a tocar su primer timbal. En su adolescencia Vilato refina sus habilidades musicales junto a importantes pioneros de la música cubana y el jazz, incluyendo Chico O'Farrill, Belisario López, José Fajardo, Lionel Hampton y otros grandes. Su legado como miembro fundador de las Estrellas de La Fania lo coloca en el centro de la explosión de la Salsa en los años 70s, donde Orestes participaría en varias de las más influyentes grabaciones y presentaciones del género.

Después de varias temporadas con las aclamadas orquestas de Ray Barretto y Típica’73, Orestes formó su propio grupo - Los Kimbos - junto al legendario cantante Adalberto Santiago, grabando cuatro álbumes como líder mientras permanecía como uno de los percusionistas más demandado en ese circuito. Sus múltiples grabaciones en géneros musicales tan diversos y con artistas de tanta variedad reflejan su refinada habilidad musical lo que pronto transporta su estilo único alrededor del mundo.

Durante sus veinticinco años como residente de la ciudad de Nueva York, Orestes participó en varias grabaciones con otros gigantes de la música Latina entre los que se destacan Las Estrellas de la Fania (incluyendo apariciones en el cine y la televisión), Celia Cruz, Tito Puente, Johnny Pacheco, Rubén Blades, Carlos Patato Valdez, Cheo Feliciano, La Lupe, Joe Cuba, Rolando La Serie y muchos otros.

Durante décadas Orestes continuó ampliando su textura musical y a través de la gran visibilidad recibida por su trabajo durante los nueve años con la banda de Santana, coloca su sonoridad y musicalidad en grabaciones y presentaciones con figuras como Whitney Houston, Aretha Franklin, Willie Nelson, Herbie Hancock, Linda Ronstadt, Wynton y Branford Marsalis, McCoy Tyner, Dave Valentin y Paco De Lucía, entre muchos otros. Orestes ha realizado numerosas apariciones como artista invitado en festivales importantes como El Heineken Jazz Festival (Puerto Rico), San Francisco Jazz Festival, Monterrey Jazz Festival y San José Jazz Festival y su trabajo ha sido reconocido con innumerables homenajes y premios durante todos estos años.

Adicionalmente, Orestes continua trasmitiendo su talento musical como instructor y profundo conocedor de la percusión a través de varias prestigiosas instituciones entre las que se encuentran Stanford University, UCLA, The Berklee College of Music y la Universidad de Anchorage. También ha participado en la grabación de la banda sonora de varias películas muy exitosas, como “The Mambo Kings”, “Our Latin Thing” y “Dance With Me”.

Considerado uno de los timbaleros más influyentes al norte de Cuba, Orestes Vilató mantiene un pie en la rica tradición de su Patria, y el otro en la inmensa y constante exploración de la fusión musical en América del Norte y más allá.

Como Líder

Aguacero No Me Moja, Los Kimbos, Cotique, 1979

Vilató y Los Kimbos: Hoy y Mañana, Los Kimbos, Cotique, 1978

The Big Kimbos with Adalberto Santiago, Los Kimbos, Cotique, 1977

Los Kimbos con Adalberto Santiago, Los Kimbos, Cotique, 1976

Como Artista Invitado

90 Millas, Gloria Estefan, Sony Music, 2007

Afreecanos, Omar Sosa, Otá, 2007

Papa Mambo, The John Santos Quintet, Machete, 2007

Descarga en California, Rebeca Mauleón, Universal/Pimienta, 2006

Ballads, Omar Sosa, Otá, 2005

20th Anniversary, John Santos & The Machete Ensemble, Machete, 2005

Para Ellos, John Santos & Kindembo, 2005 (Latin Grammy Nominee)

Ahora Si!, Cachao, Univision, 2004 (Grammy Award Winner)

Brazos Abiertos, John Santos & The Machete Ensemble, Machete, 2003

S.F. Bay, John Santos & The Machete Ensemble, Machete, 2002

Cuba Linda, Cachao, EMI/Cineson, 2000

Legend of Cuban Percussion, Carlos “Patato” Valdez, Six Degrees, 2000

Tribute to the Masters, John Santos & The Machete Ensemble, Machete, 2000

Dos, Cuba L.A., Narada, 2000.

Round Trip, Rebeca Mauleón, Bembe, 1999

Típica ’73 Live, Típica ’73, Universal/Machete, 1999

Cuba L.A., Cuba L.A., Narada, 1998

Machetazo! Ten Years on the Edge, John Santos & The Machete Ensemble, 1998

Who’s Zoomin’ Who?, Aretha Franklin, 1997

Ritmo y Candela, Patato, Changuito & Orestes, Redwood, 1995 (Grammy Award Nominee)

Master Sessions, Vol. II, Cachao, Cescent Moon/Epic, 1995

Master Sessions, Vol. I, Cachao, Crescent Moon/Epic, 1994 (Grammy Award Winner)

Machete, Machete Ensemble, Machete, 1994

Frenesí, Linda Ronstadt, Elektra/Wea, 1992 (Grammy Award Winner)

Spirits Dancing in the Flesh, Santana, Sony Music, 1990

Africa, Vol. 1, Machete Ensemble, Machete, 1988

Freedom, Santana, Sony, 1987

Blues for Salvador, Santana, Sony Music, 1987

Beyond Appearances, Santana, Sony Music, 1985

Havana Moon, Santana, Sony Music, 1983

Shango, Santana, Columbia, 1982

Zeebop!, Santana, Columbia, 1981

Swing of Delight, Santana, Sony Music, 1980

Bohemio y Poeta, Rubén Blades, Fania, 1979

Beyond, Tito Allen, Alegre, 1979

Adalberto, Adalberto Santiago, Fania, 1977

Tomorrow: Barretto Live in New York, Ray Barretto, Fania, 1976

Cheo, Cheo Feliciano, Fania, 1976

Ready for Freddy, Carlos Patato Valdez, Latin Percussion, 1976

Típica ’73, Típica ’73, Fania, 1974

Live at the Cheetah Vol. 1, Fania All Stars, Fania, 1974

Live at the Cheetah Vol. 2, Fania All Stars, Fania, 1974

Carnaval, Ray Barretto, 1973

Live at the Red Garter, Fania All Stars, Fania, 1972

Acid, Ray Barretto, Fania, 1972

The Message, Ray Barretto, Fania, 1972

Barretto Power, Fania, 1972

Together, Ray Barretto, Fania, 1970

Mambo Sangría, Cal Tjader, Acrobat/Fabulous, 1969

Solar Heat, Cal Tjader, Just Jazz/Passport, 1968

Hard Hands, Ray Barretto, Fania, 1968

Pacheco Jams, Johnny Pacheco, Fania, 1964

Mister Pachanga, Jose Fajardo, Columbia, 1962

Sabor Guajiro, José Fajardo, Columbia, 1962

Pachangas, Vol. 2, Belisario Lopez, Ansonia, 1961

Film & Documentary

The Lost City, Magnolia Pictures, 2005

Just The Ticket, MGM, 1999

Dance With Me, Sony Pictures, 1998

The Bird Cage, MGM, 1996

Things To Do In Denver When You’re Dead, Miramax, 1995

Sworn To The Drum, Flower Films, 1995

Steal Big Steal Little, HBO, 1995

Carlito’s Way, Universal Studios, 1993

Mambo Kings, Warner, 1992

Our Latin Thing, Fania, 1972

Ronnie Cuber - Cuber Libre 1976

2009-02-21T21:11:00.000-08:00

117 MB / 320 KBPS

Temas:
01 Star Eyes
02 Rifftide
03 Tin Tin Deo
04 Samba D'Orfeo
05 Misty
06 Sudwest Funk
07 Prince Albert

Músicos:
Ronnie Cuber (baritone sax)
Barry Harris (piano)
Sam Jones (bass)
Albert "Tootie" Heath (drums)

http://en.wikipedia.org/wiki/Ronnie_Cuber

Ronnie Cuber

Ronnie Cuber (born December 25, 1941 in New York City) is primarily a jazz baritone saxophonist. He has also played in Latin, pop, rock and blues sessions. In addition to baritone sax, he has also played soprano sax and flute, the latter on an album by Eddie Palmieri. As a leader, Cuber is known for hard bop and Latin jazz. As a side man, he has played with numerous musicians, such as B. B. King, Paul Simon, and Eric Clapton.[1] Furthermore, Cuber can be heard on Freeze Frame by the J. Geils Band, and one of his most spirited performances is on Dr. Lonnie Smith 1970 Blue Note album Drives.

Cuber was in Marshall Brown's Newport Youth Band in 1959, where he switched from tenor to baritone sax. His first notable work was with Slide Hampton (1962) and Maynard Ferguson (1963-1965). Then from 1966 to 1967, Cuber worked with George Benson. He was also a member of the Lee Konitz nonet from 1977 to 1979.[2] He can be heard playing in Frank Zappa's group in the mid-1970's, including the album Zappa in New York. He has been a member of the Mingus Big Band since its inception in the early 1990's. He was an off-screen musician for the movie Across the Universe.

Selected discography (as a leader)

* Cuber Libre! (1976; Xanadu Records)
* The Eleventh Day Of Aquarius (1978; Xanadu Records)
* New York Jazz (1981)
* Two Brothers (1985; AMG)
* Pin Point (1985; PID)
* Passion Fruit (1985; PID)
* Live at the Blue Note (1986; ProJazz)
* Cubism (1992; Fresh Sounds)
* The Scene is Clean (1993; Milestone)
* Airplay (1994; SteepleChase)
* In a New York Minute (1996; SteepleChase)
* N.Y.C.ats (1997; SteepleChase)
* Love for Sale (with The Netherlands Metropole Orchestra) (1998, Koch)

Rumbéatelo part.1
Rumbéatelo part.2

Ray Barretto: un percusionista para la historia

2009-02-10T05:57:00.001-08:00

Ray Barretto durante una de sus actuaciones en San Juan
en 1981.
(Foto Elisa Llenza / Colección Miguel López Ortiz)

Tomado de: www.prpop.org
Por Miguel López Ortiz / F.N.C.P.

Un antiguo proverbio de la cultura callejera sostiene que “los viejos rumberos nunca mueren”. Y es un hecho que tal filosofía encierra mucha verdad cuando quien parte a “mejor vida” ha dejado una huella profunda durante su paso por este mundo. Pero, aun así, siempre resulta doloroso tener que echar de menos la presencia física de alguien a quien se ha querido y admirado. Como Ray Barretto, cultor notabilísimo en el campo del jazz e ícono en el universo salsero. Definitivamente, aquellos que adoramos esta expresión rítmica de fuerte raíz afroantillana estamos de luto.

Este aclamado músico era hijo de los aguadillanos Ramón Barreto y Gloria Pagán. Vio la primera luz en Brooklyn, Nueva York (EE.UU), el 29 de abril de 1929, habiendo sido bautizado con el nombre de Raymond Barreto Pagán. Poco después de que abriera sus ojos al mundo, sus padres se separaron. Su progenitor, quien jamás se acostumbró a la vida de la Gran Urbe, regresó a su pueblo. Acá formó una nueva familia y, durante años, mantuvo un pequeño laboratorio de fotografía frente a la Plaza de Recreo.

Su infancia transcurrió en el Barrio Latino – o Este de Harlem – y en el condado de Bronx. La circunstancia de quedar solo durante las noches mientras su madre trabajaba en una fábrica para procurar el sustento familiar lo indujo a buscar distracción en la radio. La música de jazz que escuchaba a través de este medio lo embrujó rápidamente. Así, pues, desde niño conoció las grabaciones de Duke Ellington, Count Basie, Benny Charlie Parker, el swing de Benny Goodman y muchos otros consagrados.

A la edad de 17 años, decidido a escapar de la pobreza del ghetto, se enlistó en el Ejército de Estados Unidos. Luego de recibir el entrenamiento básico, fue asignado a una base militar en Munich, Alemania. Ya para entonces conocía los rudimentos de la percusión tradicional cubana, mismos que había aprendido de manera autodidáctica, profundamente influenciado por la grabación del tema “Manteca”, de Dizzy Gillespie y su orquesta con el virtuoso conguero Luciano «Chano» Pozo. Durante aquella etapa como soldado, acostumbraba visitar los fines de semana el Orlando’s Jazz Club, donde se celebraban unas descargas (o “jam sessions”) que siempre describiría como “bravísimas”.

Tras su licenciamiento de las Fuerzas Armadas en 1949, Ray Barretto regresó al Barrio Latino determinado a pulirse como percusionista y a dedicarse por completo a la música. Su primer trabajo regular en su entonces incipiente carrera fue con Eddie Bonnemere & His Latin Jazz Combo (1950-1953). De aquella formación pasó a la más reconocida orquesta del pianista cubano José Curbelo, en la que permaneció los próximos cuatro años (1953-1957).

Su debut discográfico aconteció con el clásico “Dance Mania”, de Tito Puente, en 1957

Su nombre comenzó a cobrar trascendencia en el panorama de la música caribeña y del jazz afrocubano a partir de 1957 cuando Tito Puente lo reclamó para sustituir a Mongo Santamaría en su ya famosa organización. Fue poco después de su ingreso a esta banda que vivió la experiencia de grabar por primera vez. Su debut discográfico fue, nada más y nada menos, que con el álbum “Dance Mania” (RCA Victor, LP-1692), destinado a convertirse, no sólo el más exitoso en toda la discografía de «El Rey del Timbal», sino en uno de los más vendidos en la historia de la música popular latinoamericana, habiéndose reeditado en varias oportunidades.

Consecuencia de su brillante desempeño en tan histórica producción – realizada sólo en dos secciones de par de horas cada una, en diciembre de 1957 – fue que, de inmediato, se convirtiera en uno de los congueros más solicitados para sesiones de grabación, tanto en el ámbito rumbero como en el panorama jazzístico. A partir de entonces, alternó su trabajo con Puente colaborando en grabaciones de Cannonball Adderley, Gene Ammons, Art Blakey, Eddie «Lockjaw» Davis, Lou Donaldson, Red Garland, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Wes Montgomery, James Moody, Max Roach, Sonny Stitt, Cal Tjader y de todo aquel que brillaba en el mundillo musical hispano de la plaza neoyorquina.

La oportunidad de estrenarse como director de una orquesta propia se la brindó Orrin Keenpnews, ejecutivo de Riverside Records, en 1961. Éste se solicitó que organizara una charanga, pues entonces el cubano José Fajardo y Sus Estrellas comenzaban a dar candela en la Gran Urbe y, por otro lado, él ya era conciente de la excelencia de Barreto como percusionista. El resultado de aquel reclamo fue la creación de la Charanga Moderna cuyo debut discográfico se materializó vía “Pachanga With Barretto” (LP-1087). Ya bajo la etiqueta United Artists Latino, a tal producción le siguieron “¡Latino!” (LP-4053 / 1962); “Charanga Moderna” (LP-1087) y “On Fire Again” (LP-1096 / 1963); “Guajira y guaguancó” (TRSLP-1114 / 1964); “¡Viva Watusi!” (UAL-6445) y “El Rey Criollo” (LP-6543) – que generó el exitazo “El watusi”, número 20 en el escalafón de Billboard y lo hizo acreedor a su primer Disco de Oro – y “El Rey Criollo” (UAL-6543 / 1965). El cubano Willy García, esposo de La Lupe, era su cantante estelar.

En realidad, la Charanga Moderna de nuestro biografiado encajaba en el formato que en Cuba se denomina charangón, mismo que refuerza a la estructura tradicional a base de violines, flauta y sección rítmica con metales. En este caso, con la trompeta del virtuoso Alejandro «El Negro» Vivar y el saxofón tenor del no menos brillantísimo José «Chombo» Silva.

Con Adalberto Santiago formó un binomio de antología

Al vincularse a la entonces naciente compañía Fania Records 1966, Ray Barretto echó a un lado los violines y creó una pequeña orquesta, pero con un sonido poderoso. Entonces, el vocalista García cedió su posición al cialeño Adalberto Santiago. Junto a éste formaría uno de los binomios para extraordinarios en la historia de la salsa, mismo que permaneció inalterable durante seis años – hasta 1972 –, aunque luego ambos volverían a unirse en múltiples eventos especiales y en varias grabaciones. La filiación de aquel colectivo era de antología: Luis Cruz (pianista y arreglista); Roberto Rodríguez (primera trompeta); Joseph «Papy» Román (segunda trompeta) y, ocasionalmente, René López (tercera trompeta); Dave Pérez (bajista); Orestes Vilató (timbalero) y Johnny «Dandy» Rodríguez (bongosero).

A esta etapa pertenecen producciones que hoy son consideradas clásicas de este género: “Power” (LP-391); “Soul Drummer” (SLP-542) y “Alma alegre” (SLP-62723 / 1967); “Acid” (SLP-346 / 1968); “Hard Hands” (LP-362 / 1969); “Together” (SLP-378) – a juicio de muchos conocedores, el mejor que grabó con Santiago –, “The Message” (LP-00403 / 1971) y “Que viva la música” (SLP-00497 / 1972).
Luego de que dicho grupo se desintegrara debido a que la mayoría de los músicos siguieran a Santiago y Vilató para dar vida a la Típica ’73, Barretto procuró al riopedrense Tito Allen para proseguir su trayectoria frente a una nueva alineación. Fruto de tal iniciativa fue el sensacional disco “Indestructible” (SLP-00456), editado en 1973, del surgieron tres exitazos: “El hijo de Obatalá” (original de Tite Curet Alonso); “Llanto de cocodrilo” y el que le sirvió de título, originales del propio Barreto. El sentir del grueso de la masa salsómana coincide en que este trabajo, conjuntamente con “Together”, fue el que consagró a Ray Barretto como el indiscutido «Ray de las Manos Duras».

Aunque sin separarse del consorcio Fania – que lo había sembrado como pilar de su constelación de virtuosos Fania All Stars desde su surgimiento en 1968 –, en 1973 realizó otro trabajo para la etiqueta Fantasy Records que habría de convertirse en clásico: “Carnaval” (F-24713), donde aparece su jitazo “Cocinando suave”. Detalle sumamente curioso respecto a esta producción es el hecho de que, en la pieza “Descarga La Moderna” ejecuta un candente solo de timbales.

Sin embargo, el disco “Barreto” (XSLP-00486), con los vocalistas Tito Gómez y Rubén Blades, editado en 1975, superó en ventas a todos los anteriores. “Guararé”, encomendado al primero, constituyó el gran éxito del año. De paso, fue con este LP que Ray Barretto logró su primera nominación al premio Grammy. Ese mismo año – así como los dos siguientes (1976 y 1977) – la revista Latin New York lo galardonó como Mejor Conguero de la Salsa.

Aun así, para entonces este gran músico ya se sentía cansado de las incesantes amanecidas en salones de baile. Además, entendía que la salsa que los mandamases de Fania Records limitaban su creatividad y no le brindaban espacio para la experimentación. Así las cosas, luego de amenizar una función de Despedida de Año, dejó la agrupación a sus músicos, quienes la rebautizaron como Orquesta Guararé y continuaron trabajando con ella.

Su siguiente proyecto fue la organización de una banda orientada hacia el jazz fusión. Gracias a un acuerdo entre Fania y Atlantic Records, vio la luz el doble álbum “Barretto Live: Tomorrow” (SD-2-509), el cual recogía el repertorio que interpretara durante el concierto que ofreció en el Beacon Theater, de Nueva York, en mayo de 1976.

Tras los lanzamientos de “Todo se va a poder” (SLP-00505) y “Eye of the Beholder” (SD-19140) en 1977 y “Can You Feel It” (SD-19198) en 1978, se reencontró con Adalberto Santiago para volver a adentrarse en la onda rumbera con “Rican / Struction” (JM-552), en 1979. En sus próximos dos álbumes, “Giant Force” (JM-579) y “”Rhythm of Life” (JM-605), editados en 1980 y 1982, respectivamente, presentó como vocalista al talentoso Ray De la Paz.

“Ritmo en el corazón”, junto a Celia Cruz, lo hizo merecedor del Grammy en 1990-

A su venidero trabajó discográfico, “¡Tremendo trío!” (JM-623), la simpar Celia Cruz se unió al binomio Barreto-Santiago. Fue uno de los grandes aciertos salseros de 1983. Luego, teniendo como principal cantante a Ray Saba, produjo “Todo se va a poder” (JM-633) y “Aquí se puede” (JM-642), editados en 1983 y 1984, respectivamente. Después realizó otra grabación con Celia Cruz: “Ritmo en el corazón” (JM-651), lanzada a fines de 1988 y editada en el Reino Unidos y otras naciones europeas bajo la etiqueta Caliente Records. Esta joya de la salsa lo hizo acreedor al consagratorio premio Grammy en 1990. Mientras tanto, en 1989 tuvo una breve incursión en la denominada salsa monga con el disco “Irresistible” (JM-658), con Carlos Torres como vocalista líder. Muchos “salseros de la mata” siempre le resentirían aquel desatino.

De todas maneras, para festejar su larga e importantísima trayectoria en los campos del jazz y de la música afrocubana, junto a su cantante estelar Adalberto Santiago y el trompetista Juancito Torres como director musical, protagonizó el concierto “Las dos vidas de Ray Barretto” celebrado en el Teatro de la Universidad de Puerto Rico, el 30 de agosto de 1990. El médico y empresario Fidel Estrada fue el organizador de aquel evento.

Aunque sin alejarse demasiado de la salsa, a partir de la pasada década se concentró en el jazz latino frente a su nuevo grupo, New World Spirit, frente a la que recorrió gran parte del mundo y legó grabaciones tan excelentes como “Handsprints” (Conconcor, CCD-4473 / 1991); “Ancestral Messages” (Concord, CCD-4549 / 1993); “Taboo” (Concord, CCD-4601 / 1994); “My Summertime” (EMI, TCLB-367302 / 1996); “Contact!” (Blue Note/EMI, CD-428524 / 1997); “Postraits in Jazz & Clave” (RCA, CD-276177 / 2000); “Homage to Art Blakey” (Sunny Side, SSCD-1105) y “Hot Hands” (Concord Picante, CPCD-498256), y, finalmente, “Time Was, Time Is”” (O Plus Music, CD-109), que estuvo nominado al Grammy este mismo año.

Hasta el final de su vida, Ray Barretto estuvo colmado de honores. Para su fortuna, vio materializado todos sus anhelos. Muy especialmente, presentarse ante sus coterráneos – solía identificarse como “aguadillano”, aunque jamás vivió en este municipio – en los escenarios más importantes. Su más reciente concierto aquí fue el titulado “El sueño del Rey”, celebrado en el Centro de Bellas Artes de San Juan, el 8 de septiembre de 2005. Durante este evento, presentó oficialmente, como nuevo miembro de su grupo New World Spirit, a su hijo Christopher, ejecutante del saxofón tenor y de 20 años de edad, fruto de su matrimonio con su hoy viuda, Annette «Brandy» Rivera.

La noche del sábado 14 de enero, en el Ballroom del New York Hilton, fue objeto del máximo galardón a que podría aspirar un jazzista: ser reconocido por la Asociación Internacional de Educadores de Jazz (AIEJ) con el título de Maestro del Jazz. Al regresar a su hogar, temprano en la madrugada, se dispuso a sacar con una pala la nieve que obstruía la entrada. De repente comenzó a sentir problemas cardíacos y respiratorios provocados por un fuerte ataque de asma. Su esposa lo trasladó de inmediato al Valley Hospital, en Ridgewood, Nueva Jersey. Allí permanecería internado tres semanas, durante las cuales el estado de su salud se complicó debido a un padecimiento renal y a una fuerte pulmonía. Por tanto, fue sometido a una operación a corazón abierto y a cuatro desvíos coronarios.

Su condición de salud mantuvo a la expectativa a la Prensa internacional-
Desafortunadamente, no hubo mejoría. El jueves 16 de febrero fue trasladado al Centro Médico de la Universidad de Hackensack, también en Nueva Jersey, donde se le practicaría una traqueotomía. Sin embargo, ya su organismo no soportaría una nueva intervención. En esta institución hospitalaria expiró a las 5:00 de la madrugada del viernes 17, faltándole dos meses y medio para cumplir 77 años de edad. Además de su esposa y el ya mencionado Christopher, le sobreviven otros tres hijos habidos en su primer matrimonio, más varios hermanos, algunos residentes en Aguadilla.

Es importante recalcar el dato de que la Prensa de toda América y Europa se encontraba a la expectativa en torno a la condición de salud del maestro Barretto. Incluso, temprano en la mañana de su deceso, se comunicaron a la sede de la Fundación Nacional para la Cultura Popular, en busca de reacciones al respecto y de anécdotas sobre su vida, los reporteros Norberto Vallejo – de la cadena colombiana Radio Caracol – y Carlos Pachinchi, de la revista peruana “DJ”, además de varios representantes de los medios nacionales.

Whitney Houston vuelve a cautivar en fiesta previa a los Grammy

2009-02-10T05:51:00.001-08:00

La cantante resurge de sus cenizas

Tomado de: www.informador.com.mx

Se espera que saque nuevo álbum este año, ya superados sus problemas de drogadicción

BEVERLY HILLS, ESTADOS UNIDOS.- Una deslumbrante Whitney Houston hizo su regreso triunfal a los escenarios durante una fiesta previa a los premios Grammy en honor a su mentor, el magnate discográfico Clive Davis.

La cantante de 45 años, una de las artistas de más ventas en todos los tiempos, no ha grabado un álbum desde 2002, cuando comenzó a perderse en un torbellino de drogas y problemas personales, un enorme contraste con la imagen de princesa que había cultivado desde su debut en la década de 1980.

El sábado por la noche, Houston mostró que todavía tiene una voz poderosa, cantando varias de las canciones que le hicieron célebre. Se espera que Houston lance un nuevo álbum este año y, a diferencia de otros reportados regresos, este parece que va a ser real.

“Todos deseábamos que su bella historia culminase felizmente”, dijo el actor Jamie Foxx, quien estaba sentado frente al escenario y tomó fotos de Houston como si fuese otro de sus seguidores. “Este es un nuevo comienzo”.

El miniconcierto de Houston fue el punto de exclamación de una noche que incluyó una impresionante actuación de Kelly Clarkson, un dúo improbable pero mágico entre Jennifer Hudson y Barry Manilow y un monólogo divagante de Kanye West.

West saludó con reverencia a la concurrencia, que incluyó a Paul McCartney, Prince, Diddy, Rihanna, los Jonas Brothers, Taylor Swift, Quincy Jones y otras celebridades de mundo de la música.

Davis, el magnate musical que fundó sellos discográficos, contrató originalmente a figuras como Houston, Bruce Springsteen y hasta Janis Joplin y resucitó las carreras de veteranos como Rod Stewart y Carlos Santana. Fue honrado por la Academia de Grabaciones el sábado, en vísperas de la entrega de los premios Grammy.

Muere 'Cachaíto' López, bajista de Buena Vista Social Club

2009-02-10T05:40:00.000-08:00

Fotografía de archivo de Orlando "Cachaíto" López

tomada en Barcelona durante el festival de verano Grec 2002. EFE

Tomado de: www.elnuevoherald.com

Orlando 'Cachaíto' López, bajista de Buena Vista Social Club, murió este lunes a los 76 años debido a complicaciones que sufrió tras ser operado de la próstata, informaron a la AFP el asistente productor del proyecto musical y compañeros del grupo.

El músico, sobrino del legendario Israel "Cachao'' López, falleció "en un hospital de La Habana, lamentablemente, tenía varios problemitas de salud'', declaró Freddy Fernández, asistentente productor de Buena Vista.

"Lo operaron de la próstata hace diez días, salió bien pero luego se complicó, no sé exactamente de qué. Una pérdida irreparable para la música cubana, es el último que quedaba de toda una dinastía de bajistas'', declaró a la AFP el timbalero Amado Valdés, también integrante de Buena Vista.

El fallecimiento del bajista es otra pérdida sensible para Buena Vista Social Club, tras la muerte de Francisco Repilado (Compay Segundo) y el pianista Rubén González en el 2003, el cantante Ibrahim Ferrer en el 2005 y el sonero 'Pío' Leyva en el 2006.

"Es una gran pérdida para el grupo y para la música cubana porque era tremendo bajista y tremendo compañero y músico. Como persona era excelente compañero y su calidad musical, inigualable, la verdad'', dijo Manuel 'Guajiro' Mirabal, trompeta del grupo.

'Cachaíto' López Vergara comenzó sus estudios con su padre Orestes López y se desempeñó en orquestas de primera línea en Cuba. Formaba parte del original proyecto Buena Vista.

Creado en 1996, el Buena Vista Social Club reunió a veteranos músicos cubanos, algunos de ellos relegados al olvido en el ocaso de sus vidas, y se convirtió en el proyecto más importante de la música popular cubana en los últimos 50 años.

El proyecto, que también integran la diva Omara Portuondo, el guitarrista Eliades Ochoa y el tresista Barbarito Torres, dio origen al álbum "Buena Vista Social Club'', ganador de un Grammy en 1998, que consolidó la fama mundial de los abuelitos y del que se han vendido hasta la fecha más de siete millones de copias.

Con el álbum de Buena Vista Social Club, que dio origen al documental del mismo nombre realizado por el alemán Win Wenders, nominado al Oscar en el 2000, los veteranos recorrieron escenarios de los cinco continentes, incluido el Carnegie Hall de Nueva York.

Una clase con Chucho Valdés

2009-01-29T22:22:00.000-08:00

LA PRENSA/Eric Batista

El pianista Chucho Valdés cautivó a un auditorio de más de 100 personas en un taller que fue una travesía por sus recuerdos sonoros.

Tomado de: www.prensa.com
Por: DANIEL DOMÍNGUEZ Z.

Los más osados le pidieron tomarse una fotografía con él. Lo más tímidos se conformaron con verlo pasar. Y más de uno se odió a sí mismo por no llevar un disco para que se lo autografiara.

Cuando el pianista, compositor y director cubano Dionisio de Jesús Chucho Valdés llegó al seminario que impartió el viernes pasado en el marco del Panamá Jazz Festival 2009, el Centro de Capacitación Ascanio Arosemena de la Administración del Canal de Panamá cambió de piel.

Este gigante, proporcional a su tamaño (mide 1.94 metro de altura) y a su talento, fue recibido con un océano de aplausos, gritos y silbidos.

Era un alborto bien merecido. Los que allí estaban, mayoritariamente jóvenes músicos, sabían que estaban en presencia de un genio que ha sabido remozar de una singular fuerza el género más rebelde: el jazz.

Chucho recibe con humildad las muestras de aprecio y se sienta ante el órgano. Todos atentos. El maestro habla y echa a volar notas. Hay un silencio respetuoso, uno que otro suspiro de admiración, emociones solo interrumpidas por los flashes de las cámaras fotográficas y de los celulares.

Aunque la advertencia era que nadie grabara lo que estaba por ocurrir, más de uno se hizo de oídos sordos y robó, aunque sea unos segundos en audio e imagen, de lo que hacía presagiar como una hora increíble con una leyenda viviente.

Más que un taller, fue ocasión para que Chucho recorriera unas calles plagadas de recuerdos y memorias, donde se pasearon luminarias como Ernesto Lecuona, John Coltrane, Thelonious Monk, Herbie Hancock, Arthur Rubinstein y Wayne Shorter.

También fue un viaje por el palpitar del Caribe, el danzón, la clave, la religión yoruba, los compases y la métrica.

El artista, de 67 años de edad, propuso que la audiencia interrogara y él respondiera. “Pueden preguntarme lo que quieran”. Ni así.

Como la platea todavía estaba impresionada de tenerlo tan cerca, Chucho decidió hablar de una influencia esencial en su vida como ser humano y artista: su padre, otro Merlín del teclado: Bebo Valdés, con el que ha compartido escenario, estudios de grabación y más de una película.

Chucho es su hijo mayor (Bebo tuvo siete) y cumplen el mismo día: el 9 de octubre, uno en 1918, y el segundo en 1941.

Fue Bebo, abuelo de casi 20 chiquillos y cuatro bisnietos, quien le enseñó a respetar el arte, a tener disciplina en su oficio y, sobre todo, a divertirse a granel con su trabajo.

Dijo que Bebo, a quien por diversas razones dejó de ver por espacio de 18 años, fue el culpable de que fuera músico y pasó a explicar tan temeraria acusación.

Sin pena, pero sin prisa, admitió que aprendió a tocar el piano con las dos manos cuando tenía tres años. Era ese instrumento su juguete preferido, su escondite más placentero, su fascinación que no tiene fin.

Bebo, ante la mirada inquisitiva de su esposa, dijo que a él no lo miraran. Que el niño aprendió solo, vaya que lo hizo, porque observaba mucho al papá cuando estaba en lo suyo con el bajo, los metales y lo que tuviera a la mano para arrancar hermosas sonoridades.

Parece que Chucho iba para maestro y la música al foso, pero eso a Bebo le pareció un disco de 45 revoluciones rayado. Por eso formó una orquesta, se proclamó su director y puso a Chucho de pianista. Punto.

Entre los prolongados ensayos y las constantes presentaciones nocturnas, el muchacho casi ni dormía, y estudiar menos.

Pero ocurrió lo impensable y se graduó de magisterio, pero fue el pentagrama su norte. Aunque, un momento, sí es docente, porque ha compartido su conocimiento con muchos y en Panamá transformó a varios.

A los cinco años era estudiante de solfeo. Ingresó al Conservatorio de Música a los ocho años y luego de la prueba quedó en cuarto año. De algo servía que papá y mamá fueran pianistas. “No tenía escapatoria”.

A los 15 años reunió a unos amigos y organizaron un trío de jazz. Después aquello se le quedó chico y en 1973 fundó la banda Irakere, que puso de cabeza el concepto del jazz latino y de la música bailable proveniente de Cuba. “Quería hacer mi propia música”. Sencillo.

Aunque hizo revolución y ganó prestigio, siempre guardaba la idea de tener su propio cuarteto, donde el piano fuera miembro principal y no un simple acompañante de los otros instrumentos.

En 1998 lo hizo y, desde entonces, liberó la clave y la puso a otros niveles. Hizo de la improvisación un dominio suyo, su espejo, su ruta.

El ganador de cinco premios Grammy explicó que un tema musical debe ser el pretexto para poner a volar las ideas, los sentimientos y la imaginación. “Tú debes dar tu interpretación de la pieza y ver por dónde eres capaz de crear y qué puedes ofrecer. Hay muchos estilos y formas de alcanzar la improvisación, pero luego debes volver al tema”.

Eso sí, se debe ser capaz de regresar al principio. “La música debe ser libre y métrica a la vez. Una maestra mía decía que la música es el arte del sonido, que no produce imágenes ni palabras, pero ofrece tanto o igual que ellas. Y tenía razón, porque la música tiene sus reglas como el idioma escrito, tiene sus matices, sus acentos y sus colores”.

Confesó que nunca se había puesto a pensar que le había dado todo a la música. Piensa que por allí pueden ser los motivos de que el éxito lo cobijara. Aunque advirtió que también se debe cultivar el amor por la familia y los amigos. “Aunque no sé hacer otra cosa”.

Pero en primer lugar está la música para este creador que planea grabar un álbum de jazz y flamenco con la cantante Concha Buika y otro disco, pero de boleros, con Dyango. “Por eso siempre supe que la mujer que se casara conmigo tenía que hacerlo primero con mi piano”. Soltó una carcajada que contagió a la audiencia.

“Vamos a tocar un poquito”. Los aplausos se convirtieron en un sí. Entonces, Chucho, no se dejó esperar.

Lo que ofreció a continuación con su colectivo fue una explosión dosificada de virtuosismo y elegancia. Una prueba de que se mantiene en forma.

Los espectadores quedaron desconcertados ante cada giro e invención, ante cada locura y descubrimiento.

Solo les quedaba seguir aquello con los dedos, las manos, los pies, las cejas, la cabeza, con lo que pudieran sentir los pasos de un artista consagrado y sus tres extraordinarios camaradas.

“Ellos ya estaban formados cuando los conocí. Fue cuestión de unirnos y ponernos a tocar. Hace ocho años que estamos juntos”, dijo el que este año se irá de gira con su equipo por Australia, China y Corea de Sur.

Comentó Chucho Valdés que para tener un cuarteto coherente, cada uno debe ser un gran músico y poseer una personalidad. Que todos deben escoger una ciudad rítmica que deseen recorrer. “Deben ser como una pareja, es como el amor, es cuestión de afinidad”.

Adelantó que quiere terminar una ópera y un concierto para piano en el que una el jazz con otras tendencias. “Ellos no lo sabían”, indica mientras los mira reído. “Se me fue la lengua”.

La hora de clases terminó y como reloj suizo, Chucho se levantó. Saludó a los presentes con sus manos de gigante y brindó un guiño de complicidad a los testigos de su magia.

Luego se perdió del mapa, tras dejar su sonrisa amplia y unas cuantas notas musicales revoloteando por el salón sin saber dónde había quedado su amo y señor.

El inconmensurable legado de Roque Cordero

2009-01-29T22:16:00.001-08:00

El más destacado compositor panameño

Tomado de: www.pa-digital.com.pa

Colaborador
Ventura Castrellón

Roque Cordero. Compositor, director y pedagogo. Nació en ciudad Panamá en 1917. En una entrevista publicada en díaD el 25 de noviembre del 2007 dijo: “Tuve que irme con mi música a otra parte”.
En Dayton, Ohio, Estados Unidos, falleció, el 27 de diciembre de 2008, Roque Cordero, considerado como el más sobresaliente compositor panameño, quien también incursionó con notable éxito en el campo de la dirección orquestal y como educador de larga y recordada trayectoria. Hijo de un zapatero, a lo que se refería con su característica humildad, pues ponderaba el oficio de su padre como un ejemplo a imitar.

Realizó estudios de perfeccionamiento musical mediante beca otorgada para asistir a la Universidad de Minnesota, Estados Unidos y, además, fue merecedor de una Beca Guggenheim, a la cual sólo pueden acceder artistas de superlativo desempeño, siendo el primer panameño en lograrlo y apenas el sexto latinoamericano, lo que nos indica la grandeza de su música.

En la década del sesenta se desempeñó como director de la Orquesta Sinfónica Nacional y director del Instituto Nacional de Música, dejando en ambas instituciones la huella de su trabajo serio en la búsqueda de ese ideal de perfección.

Es conocido por muchos que el alejamiento de Roque Cordero de nuestro terruño -su querido y recordado terruño - fue producto de la falta de apoyo, pues en su momento, cuando trató de conseguir que el Gobierno destinara fondos suficientes para que tanto la Orquesta Sinfónica Nacional como el Instituto Nacional de Música contaran con los recursos necesarios para que funcionaran adecuadamente, los mismos le fueron negados. Con su partida debe buscarse una respuesta a aquella negativa.

También es conveniente y necesario que el Gobierno nacional, en aras de mantener viva su memoria, tome las medidas a fin de que se instituya una beca anual denominada Roque Cordero, a la que podrán acceder estudiantes de Música, de nacionalidad panameña, que logren aceptación en Conservatorios de prestigio en los Estados Unidos o Europa, administrada y regulada por el IFARHU; y el premio Roque Cordero, que se puede otorgar cada tres (3) años a un compositor panameño, el cual tendría requisitos similares a los que se exigen en los premios Ricardo Miró, Rogelio Sinán u otros de igual magnitud, manejado por el Instituto Nacional de Cultura. Este premio debe dotarse de un monto adecuado, a efectos de estimular en el país la composición musical.

Si bien le fue otorgada la Orden Vasco Núñez de Balboa en Grado de Gran Cruz y recibió diferentes reconocimientos en el extranjero, el país sigue estando en deuda con este ilustre ciudadano. Por ello, debe ser un compromiso del Gobierno nacional mantener vigente su gran legado, que es establecer una beca para el estudio de la Música, y el premio a un compositor meritorio; una manera de que las futuras generaciones conozcan la grandeza de este panameño.

En septiembre de 2004, la Orquesta Sinfónica Nacional presentó un lucido concierto en su honor, en el que se abarcó más de cincuenta (50) años de su obra creativa, destacando las ejecuciones de Capricho Interiorano (1939), Danza en Forma de Fuga (1958), Cuarta Sinfonía Panameña (1987) y Tributo Sinfónico a un Centenario (1997).

En el 2007, en el marco del VI Encuentro Internacional de Guitarra, denominado Roque Cordero 90 Aniversario, se efectuó el Primer Concurso Centroamericano de Composición para Guitarra Roque Cordero. Este encuentro, organizado por el guitarrista y compositor oriundo de Veraguas Emiliano Pardo-Tristán, fue -y de seguro seguirá siendo - un justo homenaje de recordación a ese gran exponente de la música panameña, quien con su música seguirá vivo en la mente de muchos panameños. Panamá pierde con su partida al más insigne de sus músicos.

LAVOE ¿HEROE O VICTIMA?

2009-01-29T21:56:00.001-08:00

Tomado de: www.salsaglobal.blogspot.com

LAVOE ¿HEROE O VICTIMA?

Por: Fernando España

El ensayo que van a leer a continuación
esta basado en hechos artificiosos
cualquier parecido o semejanza con personas
vivas o muertas es pura coincidencia.

Cuando Héctor Lavoe, junto con su voz y obra, se ha transformado en mito y leyenda como otras estrellas de la farándula discográfica con destino trágico, consecuencia de su conducta y entornos, vale reflexionar sobre un aspecto de la industria del entretenimiento musical que "pone la piel de gallina".

Coincidió que, por los días que leía sobre el quehacer de un manejador de una agrupación musical, repetía la visualización del capitulo del programa "Historias Verdaderas" del canal de televisión E! en tributo al "Cantante de los cantantes". Un reportaje con Catalino "Tite" Curet Alonso, Willie Colón, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Papo Lucca, Roberto Roena, Tito Nieves, Rubén Blades, Richie Ray, Domingo Quiñonez, César Miguel Rondón, Cristóbal Díaz Ayala, Richie Viera Jr., Priscila Pérez (su hermana), y Bobby Cruz.

Por entonces los medios de comunicación copaban su información farandulera con noticias sobre la estrella del soul del momento, Amy Winhouse, quién acababa de alcanzar, en el 2008, varias replicas del gramófono que otorga anualmente la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación de los Estados Unidos a las personas del sector más destacadas durante el año. La información sobre la cantante la complementaban, morbosamente, con rumores sobre su adicción a las drogas y los conflictos matrimoniales (sic).

Días atrás la radio salsera (?) y (algunas) salsotecas bogotanas durante la conmemoración de un aniversario más del fallecimiento del "Sonero de Ponce" le dedicaron su programación y tarimas (Hasta el diario "El Tiempo" de Bogotá, el más influyente en la opinión pública colombiana, eligió una imagen suya como portada de la revista "Eskape"). Por entonces, era usual escuchar en boca de locutores, o leer de mano de periodistas, y repetir por las gentes del común denominar al "flaco de Fania" de héroe.

Según el Real Diccionario de la Lengua Española, la palabra, héroe, proviene del latín heros, ōis, cuyo origen es griego, ha aplicarse a un varón ilustre y famoso por sus hazañas heroicas o acciones virtuosas, potencial protagonista de un poema épico o de una epopeya como las vividas por Hércules, Aquiles, Eneas, Anacaona, Benkos Biojó, Bolívar, Juan González…

Quizás sea esta personal visión algo conservadora ante la modernidad de los tiempos y dejando de lado (momentáneamente) la evolución permanente del lenguaje, pero a la industria fonográfica tampoco le interesa ese tipo de héroe como el descrito por la literatura mitológica griega. La llamada Industria urge de seres humanos, cien por ciento terrenales, con talento, carisma y situaciones como los poseídos o padecidos por Lavoe, quién "nunca llegaba tarde, los que llegaban temprano eran otros", pero con destinos trágicos como sus pares en las otras prácticas sonoras: Elvis Presley, Jimmy Hendrix, Janis Joplin, John Lennon, Jim Morrison, Kurt Cobain, o como Amy Winhouse, ¿futura heroína?

Cuenta Bobby Cruz: "Yo hice contacto con él, y le dije: Mira Héctor, tú no puedes seguir así, por qué casi te mueres ahí, casi te matas ahí, estás vivo por que Dios tiene un plan contigo, este, yo quisiera llevarte a mi programa, ven y te ayudamos, y sales otra vez y sigues cantando… Pero había personas, muy cerca de él, que tenían temor que el llevarlo al programa, equivalía a Héctor, convertirse en fanático religioso como Richie, como Bobby, y ya tú sabes, el negocio se iba ir al piso…"

La Industria, especialmente la rockera, desea (siendo un secreto a voces entre las gentes del sector) descubrir a un músico, ojala cantante, qué dado su talento histriónico vislumbre ser un vendedor millonario de "música", quién una vez integrado a la farándula tenga la capacidad de soportar o someterse al sensacionalismo de los medios de comunicación: "que sepa actuar ante las cámaras", "qué entregue declaraciones impactantes" ("The Beatles" somos más famosos que Jesucristo"), "qué cree situaciones escandalosas"; "que arriesgue su vida", "que consuma drogas", "que sea infiel a su pareja", "qué…

La Industria sabe que el fanático en su condición humana es morboso, y si es joven es contestatario (rebelde con causa o sin ella), necesita de "antihéroes" con quienes identificarse para así diferenciarse de las generaciones anteriores, como de la que proviene su padre, el referente de autoridad más cercano según Freud. El mito Lavoe es un arma parricida para enfrentar al "papá establecimiento", estamento autoritario con el "ídolo juvenil", a quién lo contrataban explotándolo, a quién no le cancelaba sus honorarios con justicia, a quién no lo dejaba comportarse con libertad, el ente que lo condujo a la muerte cuando aún no era viejo.

Según Willie Colón en su "mea culpa": "También fue traicionado por el mundo del negocio; disqueros que siguen viviendo como jeques sauditas, vendiendo sus discos y revendiéndolos en CD sin pagar derechos de difusión, mientras Lavoe quedó lánguido en su pobreza; promotores que le ofrecían migajas para poder vender boletos a sus espectáculos donde exhibían a 'El Cantante de los Cantantes' en su agonía; impostores tratando de reclamar la carrera y la memoria de Héctor Lavoe como propiedad personal…"

La dramaturgia sensacionalista requiere "de buenos y malos" para hacer creíble, real, razonable, verdadera, convincente su trama. Presley, Hendrix, Joplin, Lennon, Morrison, Cobain, o la Winhouse, fueron, son, o serán, ¡vaya paradoja!, "héroes (o heroínas) elevados a la categoría de antihéroes", recurso de inversión diametral con el fin de alcanzar pronto retorno a la inversión, tal como es promocionada la vida y obra de “El rey de la puntualidad”, a quién intentan asemejar en su mercadeo a una estrella del rock (sexo, drogas y rock and roll) endosada a la salsa (en algunos textos sobre la fenomenología rockera, la salsa de los setentas es un capitulo denominado "rock latino").

Y es que la industria del rock, como el rock mismo, como la salsa, como la religión, como la literatura, como la vida misma, urgen de "mitos, héroes y tumbas", parafraseando al escritor Ernesto Sabato. Presley, Hendrix, Joplin, Lennon, Morrison, Cobain, Lavoe y hasta Carlos Gardel ("cantan mejor y venden más cuando muertos") son ídolos de una dimensión síquica que se vale del mito como recurso para confrontar a la realidad, a la razón, a la materia, a las verdades oficiales, al mercado, a la sensibilidad de los consumidores, a quienes motiva. Componente de esta faceta moral son los sentimientos, las emociones, los sueños, las alucinaciones, lo inconsciente, lo mórbido, lo absurdo, la incoherencia, la oscuridad, lo impenetrable, lo fantasmagórico. Es sustancia "propia" en la parafernalia comercial del rock protagonizado por seres, "malditos, villanos, satánicos, fantasmales, adictos, rosa, pacifistas, zurdos, suicidas, mártires", un elenco de "aparente terror" anhelado por los dólares de la "tropical y optimista industria de la salsa".

Retornando a Bobby Cruz: "Una persona como Héctor que producía dinero para mucha gente todavía se hace mucho más difícil ve, porque eh, más bien es, no, no, inyéctalo y que cante, tu sabes, porque si no canta esta noche aquí se pierde un montón de dinero con este concierto, entonces el muchacho arrastrándose, llegando a los conciertos y todo, una agujita por allí, en algún lado, y páralo ahí, que canté, tu sabes…"

Cómo pregona César Pagano: "Salsa y cultura hasta la sepultura"

Fuentes:

1. Héctor Lavoe, Historias Verdaderas, Canal E.
2. Willie Colón, Carta Abierta a Héctor Lavoe, 1993, Diario La Prensa, Nueva York, EE.UU.

La verdadera historia de Hector Lavoe video I

La verdadera historia de Hector Lavoe video II

La verdadera historia de Hector Lavoe video III

La verdadera historia de Hector Lavoe video IV

La verdadera historia de Hector Lavoe video V

La verdadera historia de Hector Lavoe video VI

La verdadera historia de Hector Lavoe video VII

La última entrevista a Héctor Lavoe

Joe Torres - Latino con Soul (1967)

2009-01-29T21:48:00.001-08:00

Cuando Latino con Soul fue grabado en 1967, fue considerado muy adelantado para su época. hace algun tiempo atras fue reintroducido por Blue Note Records (Julio 2003), este album de Joe Torres suena tan contemporáneo como si fuera grabado ayer.

El percusionista Joe Torres fue un pionero del Jazz latino en los años 60. El tocó con el famoso grupo de Charlie y Eddie Palmieri, el conjunto de Arsenio Rodríguez, el grupo de José Curbelo y con Noro Morales. Torres también tocó con el gran Dizzy Gillespie y la reina de la salsa — Celia Cruz. Con los mejores de los músicos y arreglistas de Los Angeles, Torres produjo un fabuloso álbum que tiene Cha Cha Chás, Mambos y arreglos latinizados de canciones como Sunny y Eleanor Rigby.

Ya en lo personal, soy mas de un "Nightwalk" el corte cinco, ahora que si de una mezcla (moderna para la epoca) se trata, elegiria "Get out of My Way" el primer track de la produccion ah, y si se quiere de bailar, no dejen de escuchar " Yo Sali", asere

Temas:

1. Get out of My Way
2. Sunny
3. Devil Eyes
4. Oba
5. Night Walk
6. Eleanor Rigby
7. Soul Cha
8. Yo Salí
9. In a Greasy Bag
10. La Bruja Negra

Músicos:

Joe Torres - Timbales, Leader
Gary Barone - Trumpet
Steve Huffsteter - Trumpet on #9 & #10
Bill Hood - Tenor Sax
Victor Feldman - Piano
Max Bennett - Bass
Bobby (Papi) Torres - Percussion
Orlando López - Percussion
Mario Tholmer - Percussion
Ric DeSilva - Vocals

Gracias a Fernando Cardona Password: fercadu1

Rumbéatelo:

Frankie Dante - Los Salseros de Acero 1976

2009-01-29T21:29:00.001-08:00

Lenin Francisco Domingo Cerda, nació en Santo Domingo - Republica Dominicana, el 15 de septiembre de 1945 y murió Nueva York el 1 de marzo de 1993.

Al pincipio, su estilo musical fue marcado por los trombones de Palmieri, Mon Rivera y la voz de Ismael Quintana, siempre con un Dante social que responde a la situación política mundial de guerras, liberación sexual, pobreza y política de los años 70.

- "¿Por qué duermen cuando deben estar de pie?,
¡Despierten!, el mundo les ofrece tantas maravillas...
Paz, no quiero guerra, queremos Paz"

Durante la primera mitad de la década de los 70 grabó tres LP, con temas destacadísimos tanto para los clubes de baile como para el melómano o coleccionista como "Chupa", "Paz", "Venceremos", "Me siento guajiro" grabaciones donde participaron músicos como Harry Viggiano, Milton Cardona, Jerry Gonzalez, Ira Hersher, Larry Harlow, Ismael Quintana, entre muchos otros.

En 1975, Larry Harlow convoca una nómina histórica para grabar con una Flamboyan renovada: Ismael Miranda, Pete “El Conde” Rodríguez, Yayo “El Indio” y Chivirico Davila, con el fascinante "Por que Adore". Participan también Barry Rogers, Lewis Kahn y Reinaldo Jorge en los trombones, la percusión con Nicky Marrero, Pablito Rosario, Frankie Malabé y Mike Collazos, Lou Sollof y Randy Brecker , trompetas, Eddie “Guagua” Rivera, bajo y al piano y arreglos Marcolino Dimond. Realmente una especie de "all stars". ¿Será de allí cuando años más tarde aparece el nombre de la "Frankie Dante & All Stars"?

-" Hay que cambiar José , La Flamboyán le dice porque...
queremos cambiar el sistema removiendo a todos los payasos.
Si los políticos no cambian
la destrucción vendrá muy pronto." (Ciencia Política)

En 1979 aparece un álbum denominado "Frankie Dante y Los Rebeldes", pero la salsa social ya tenía otro dueño: Rubén Blades & Willie Colón y su album "Siembra", el álbum más vendido de la historia de la Salsa.

Lado A:

1. La Coquetona Part. 2 (Frankie Dante) 4:37
2. Santiago (Frankie Dante) 3:08
3. Ciencia Politica (Frankie Dante) 5:07
4. Jericó (D. R.) 3:06

Lado B

1. Me Voy Pa’ Pinar Del Rio (Nestor Pinelo) 3:59
2. Me Quieren Crucificar (Frankie Dante) 4:49
3. Cuando Te Fuiste De Mi (Bobby Manrique) 6:38
4. Chupa El Piruli (Arsenio Rodriguez) 5:38
5. Hold On ! [Lullaby] (D. R.) 0:50

Músicos:

Frankie Dante - Voix, Choeurs
Angelo Rodriguez - Trombone
Joe "Chickie" Fuentes - Trombones, Choeurs
Larry Spencer - Trompette
Alex Ojeda - Timbales
Jose Mangual Jr. - Bongos
Milton Cardona - Congas, Choeurs
Eddie Gonzalez Jr. - Basse
Louis Small - Keyboards, Arrangeur
Nickey Enoth - Salsero De Acero
Mike Gilford - Salsero De Acero
Scepio Sargent - Guitare

Artistas Invitados :
Charlie Palmieri - Keyboards, Percussion, Choeurs, Arrangeue et Producteur
Tito Puente - Drum Kitts
Ricardo Marrero - Keyboard et Arrangeur
Jose Rodrigues - Arrangeur
Marcolino "Mark" Dimond - Keyboard

Créditos
Jon Fausty - Ingénieur
Sandy Hoffman - Art et Design
Augusto Sevilla (Sevilla Graphics) - Directeur artistique
Enregistré au Bell Sound Studios, Nyc

Este llega gracias a Diego fg

Rumbéatelo:

Candido & Graciela - Inolvidable

2009-01-29T21:15:00.000-08:00

129,16MB / 320 kbps

Temas:

01. Si Tu Supieras.mp3
02. Cachita.mp3
03. La Vida es un Sueño.mp3
04. Amor Ciego.mp3
05. Conga Jam.mp3
06. Tu Mi Delirio.mp3
07. Quien Eres Tu.mp3
08. Desvelo.mp3
09. Tu Me Acostumbraste.mp3
10. Contigo en La Distancia.mp3
11. Inolvidable Parte 1.mp3
12. Inolvidable Parte 2.mp3

Este viene a la gratitud de Lavinio

Rumbéatelo Part. I
Rumbéatelo Part. II

Bienvenidos al Panama Jazz Festival 2009

2009-01-08T23:20:00.000-08:00

Tomado de: www.panamajazzfestival.com

Desde el deseo de Vazco Nuñez de Balboa de unir los dos océanos en el siglo XVI hasta nuestro sueño de unir culturas y clases sociales a travéz de la música en el siglo XXI, el Canal de Panamá ha representado y afectado no solo el crecimiento económico mundial, pero también ha permitido una oportunidad de diversificación e intercambio cultural, humano y biológico trascendental.

Para el próximo Festival, nuestro logo celebra la silueta de nuestro país y la marca geográfica de nuestro Canal, que se rodea por un mar verde selvático, representando nuestra riqueza Ecológica y Musical (EcoMusical) e invitando al equilibrio entre el sonido humano y el natural.

Hoy, celebramos con música nuestro país, que a pesar de los desafíos económicos, sociales y políticos podemos reclamar que somos una nación con un legado cultural inmesurable.

Conoce a los artistas del 6to Panama Jazz Festival:

Wayne Shorter, John Patitucci, Danilo Pérez, Brian Blade, Chucho Valdés,
Marco Pignataro, Eddie Gómez, Billy Drummond, Luba Mason, Hubert Laws,
Jimmy Haslip, Rubén Blades.

Sexta edición de Panamá Jazz Festival convoca a Wayne Shorter y Chucho Valdés

EFE

Panamá, 23 oct (EFE).- Leyendas vivas del jazz como el músico estadounidense Wayne Shorter y el cubano Chucho Valdés son dos de las atracciones confirmadas del Panamá Jazz Festival 2009, anunció hoy el organizador del evento, el pianista panameño Danilo Pérez.

Esta sexta edición del festival, que tendrá lugar del 12 al 17 de enero próximo y que se espera sobrepase la asistencia de 16.000 personas lograda por la edición anterior, está dedicada al fallecido bajista panameño Clarence Martin.

Pérez, en una rueda de prensa junto al Alcalde de Panamá, Juan Carlos Navarro, que apoya el encuentro desde su inicio, en 2003, dijo que el próximo año el festival de jazz "ya se consolida" y adquiere "un gran nivel" por el grupo de artistas convocados, encabezados por el saxofonista Shorter y el pianista Valdés. más

Genios de la música en el Panama Jazz Festival 2009

Por Rainer Tuñón.

Panamá, 23 de octubre de 2008. Genios y leyendas vivas de la música de la talla de los estadounidenses Wayne Shorter y Hubert Laws, así como el cubano Chucho Valdés y el panameño Rubén Blades, forman parte de la lista de invitados de lujo confirmados para la sexta edición del Panama Jazz Festival, que se celebrará en la ciudad de Panamá del 12 al 17 de enero de 2009. más

VI Panama Jazz Festival será dedicado al compositor y bajista Clarence Martin Sr.

por Eric Jackson / The Panama News

En una conferencia de prensa ocurrida el 25 de agosto de 2009, el renombrado pianista y compositor panameño Danilo Perez Jr, hizo el anuncio que la 6ta version del Panama Jazz Festival 2009 se va llevará acabo del 12 al 17 de Enero, con la principal misión educativa de expandir los talleres y las audiciones, trasladandose las mismas a las instalaciones del Centro de Entrenamiento de la ACP en Balboa.

Markolino Dimond y su Sabor - Brujería(Vocals Angel Canales) 1971

2009-01-04T17:28:00.000-08:00

75 MB

Temas:

Brujeria
Mi Irmita
Aguardiente
Tiene Sabor
Mariquita
Yo No Tengo Pena
El Barrio

Músicos:
Mark "Markolino" Dimond Piano, composer
Ricardo "Richie" Martinez Trombone
John "Fudgy" Torres Trombone
Antonia Tapia Congas
Louie Rivera Bongo
Danny Reyes Trumpet
Eddie "Gua Gua" Rivera Bass
Andy Gonzalez Bass
Ismael Quintana Coro
Justo Betancourt Coro
Angel Canales Vocals

Tomado de: www.salsajazz.com

Por Alejandro Marquis, especial desde Venezuela para SalsaJazz.com

Mark Alexander Dimond, Markolino como lo bautizaron sus colegas de la época, nació en 1950. Era Norteamericano y vivía en el Lower East Side al Sur Este de la Gran Manzana con su madre y su hermana mayor.

Su Madre era trabajadora Social del New York City Welfare Department, y su hermana estudiante universitaria. Markolino siempre hablaba de su padre. Decía que era un negro cubano de apellido Dimond, pero ninguno de sus compañeros y amigos de la época lo conoció.

Mark estudió algo de música siendo un niño, pero principalmente era autodidacta. Podía leer música y escribir partituras. Sólo le tomaba escuchar un tema, o tocar el papel una vez y se lo aprendía para siempre. Pero desde adolescente le gustaban las drogas, principalmente la heroína. Cuando se trataba de drogas, Markolino no podía controlarse. Esto lo cuenta Andy Harlow, uno de sus amigos desde que comenzaron a tocar juntos en el Sexteto de este en 1966, gracias a la gestión de un vecino y amigo de Markolino, Ismael Miranda.

Foto cedida por Andy Harlow a www.descarga.com donde se muestra su Sexteto en el año 1967. Ismael Miranda con las maracas y a Markolino agachado en el centro

Cuenta Andy Harlow que él estaba acompañando a su hermano Larry en un Club en Brooklyn donde este estaba tocando, llamado el “3 en 1”, y salió del local para tomar un poco de aire cuando se le acerca este chico pequeño, quien se presenta y le dice: “Escuché que está formando una banda…Yo soy cantante, toco las tumbadoras, las maracas y además escribo canciones…Y tengo un amigo en mi cuadra en el Lower East Side que toca el Piano” Este chico adolescente era Ismael Miranda y su amigo pianista de la cuadra, Mark Dimond. Ismael tenía 17 años, Mark 16 y Andy Harlow unos 20. Ismael ayudó a Harlow a terminar de conformar la banda e incluso consiguió que tocaran su primer “Gig” en el JJ Club en la calle 80 con Broadway. Así comienza Markolino a desarrollar su talento profesionalmente. Algún tiempo después, Ismael se va con la Orquesta del Timbalero Joey Pastrana y consigue su primer gran éxito “Rumbón Melón”. Dimond pasa a ser el Pianista de la Orquesta de Willie Colón.

Para la época de su primera grabación importante, el disco “The Hustler” con la Orquesta de Colón en 1968, ya Markolino era un pianista genial, y lo deja evidenciado en el tema que le da el nombre al disco (donde hace alarde de la independencia de sus manos) y en “Guajirón”, una guajira donde Markolno construye un montuno a contracorriente con el bajo y además hace un solo, aún hoy clásico entre los pianistas de Salsa. Pero además de ser un gran pianista, también es un adicto. Y toda la carga que eso implica viajaba con él: Irresponsabilidad, impuntualidad y problemas con el manejo del dinero, entre otros.

Para el segundo disco de Colón, “Guisando / Doin’ a Job” de 1969, Markolino compone un tema agrio y oscuro por su sonoridad, pero paradójicamente lleno de ingenuidad. El tema “Te están Buscando”:

TE ESTAN BUSCANDO YA
LA POLICIA
TE LO DIJE MARKOLINO
QUE TUVIERAS MAS CUIDAO
LA JARA TE ANDA BUSCANDO
TU ESTAS GUISAO
SIEMPRE CON EL MISMO CUENTO
NUNCA QUIERES TRABAJAR
TE LO DIJE FUMANCHU
ESCONDE EL PAPEL DE BAMBU

Según su propia canción, a Markolino lo anda buscando la policía (La Jara). Además es un "fumanchú", un fumón. Al final el verso menciona el papel de bambú, o el “Bambu Rolling Paper” comunmente utilizado para envolver cigarrillos de Tabaco y Marihuana.

En esta época, la Orquesta de Willie Colón comienza a ser manejada por el conocido empresario musical y Manager de muchas orquestas de Salsa, Richie Bonilla. Para el siguiente disco, “Cosa Nuestra” de 1971, se producen cambios en la Orquesta. El Profesor Joe Torres es el nuevo pianista, Louie Romero se hace cargo del timbal y José Mangual Jr del Bongó. Bonilla comentó en una entrevista a una revista que la primera vez que escuchó la Orquesta de Colón a petición de Héctor Lavoe, esta le gustó mucho, pero que estaba llena de drogadictos. “El gran Pianista Mark Dimond era un drogadicto” dijo Bonilla.

Markolino emprende entonces un proyecto propio, y ese mismo año 1971, graba un disco con su grupo, llamado Conjunto Sabor. Esta producción marcó el debut de un joven cantante nacido en Ponce llamado Angel Canales. El disco “Brujería” contiene ocho temas compuestos y arreglados por Dimond, y sin duda es de lo mejor de la Salsa dura de todos los tiempos. Pero la adicción de Markolino se interpone de nuevo y hace que sus propios compañeros decidan prescindir de su talento. El Conjunto continúa ahora bajo el liderazgo de Canales.

Por esas cosas de la industria, este disco es reeditado años después, cuando Canales ya gozaba de prestigio en el ambiente salsero por su particular estilo de cantar, y le cambian la carátula a “Angel Canales / Mas Sabor”, obviando por completo a Dimond de los créditos.

En el año 1972, Markolino trabaja de manera itinerante con la Orquesta Dicupé, tras la salida de su Pianista Luis Esquilín, tal como lo contó el bongocero de la mencionada orquesta, Mario Librán: “Markolino tocó mucho con nosotros pero era un problema porque siempre llegaba tarde. En esa época tocaron muchos, pero Markolino fue el que más tiempo se quedó”. Dimond no llega a participar en el segundo disco de la Dicupé de 1974.

Ese año ’74, Markolino es invitado para grabar el piano en el primer disco como solista de Héctor Lavoe, “La Voz”, el cual vería la luz en 1975. El disco abre con “El Todopoderoso”, un tema lleno de vitalidad donde Dimond parece agradecer su talento a las alturas. Además en ese disco graba su solo mas popular entre los melómanos, el de “Rompe Saraguey”. También en 1974 participa en el primer disco como solista de Ismael Quintana, grabando un par de temas de los cuales se destaca “Mi Debilidad”, donde Dimond graba un solo imponente que, una vez más, describía su personal estilo de tocar el piano. Este par de grabaciones con artistas de Fania nos hace pensar que esta es la época en la que Jerry Massucci y Johnny Pacheco alineaban a Markolino en la Fania All Stars, en algunas ocasiones en que Larry Harlow no estaba disponible, antes de la entrada del maestro Papo Lucca como Pianista regular de la Orquesta.

El año 1975, sin duda, representó la cúspide en la carrera de Dimond. Ese año completa el proyecto más importante de su carrera. Primero porque sería el último disco de Salsa que grabaría con una Orquesta reunida y liderada por él. Segundo, por la química y explosiva combinación de músicos convocados: Todos latinos en la sección rítmica y todos Norteamericanos (a excepción de Reinaldo Jorge) en los metales. El resultado: una joya musical que está en el cénit de lo que es la Salsa como concepto musical: Latinos y Norteamericanos aportando ritmos y armonías para producir una expresión única e irrepetible. De este disco el tema “Por Qué Adoré”, compuesto por Tite Curet, y cantado por Chivirico Dávila, se ha vuelto objeto de culto por parte de los melómanos.

Paradójicamente ese mismo año, Dimond emprende un proyecto personal de Rock y R&B llamado “The Alexander Review” donde toca los teclados y canta. En este proyecto participaron músicos de la talla de Eddie “Guagua” Rivera, Ray Maldonado, Tom Malone y Barry Rogers, solo por nombrar algunos. Este disco no fue bien recibido. Dicen que esta crítica negativa lo afectó mucho y contribuyó definitivamente a su distanciamiento de los estudios de grabación.

En 1976 reaparece brevemente en los estudios, solo para participar en proyectos de dos de sus amigos. En “Latin Fever” de Andy Harlow, arregla y toca el Piano en “Las Mujeres”. Nuevamente deslumbra con un solo en lo que es el mejor tema del disco. En “Los Salseros de Acero” de Frankie Dante y la Flamboyán, Dimond tiene una lamentable participación tocando sintetizadores, muy distante de lo que habían sido sus trabajos anteriores.

A partir de ese año, Markolino se desvanece del ambiente musical. Nueve largos años se mantiene desaparecido, alejado de los estudios y de la música. Ni sus colegas, ni sus amigos más cercanos conocían de su paradero.

Es en 1985(*) cuando se presenta sin aviso y con muy mal aspecto en la casa de Andy Harlow en Miami, quien se había mudado a esa ciudad en 1977. Andy estaba trabajando en un proyecto llamado “Miami Sessions” junto a su hermano Larry. Markolino le cuenta que estaba quebrado, viviendo con una mujer en un Motel y que necesitaba dinero. Andy Harlow le da los papeles, le presta un pequeño Piano Eléctrico y le pide que le haga los arreglos del disco. Dimond regresa con los arreglos, toca todos los temas en la grabación a excepción de “Philadelphia Mambo” grabado por Larry Harlow, cobra el dinero y se marcha para siempre. Tres temas de ese disco registran los solos de despedida de la carrera de Markolino: “Decide tu”, “Nadie da Nada” y “Mortifica”. La luz de su talento brilla, pero el alma ya no está allí. En algunas frases se oyen citas a solos anteriores, como si sintiera que el final estaba cerca.

Foto cedida a www.Descarga.com por Gilberto "El Pulpo" Colón y fue tomada en El Corso, donde tocaba en 1971. Markolino con pantalón de rayas estrechando la mano del Pulpo.

Andy Harlow no supo mas de él, hasta que aproximadamente un año después, recibe una llamada de la madre de Dimond, ahora retirada y viviendo en Augusta, Georgia. Markolino había muerto en el área de San Francisco / Oakland, donde finalmente se había reencontrado con su padre cubano. Consiguió un trabajo en un Centro Comercial, en una tienda de pianos como vendedor. Había logrado componer un poco su vida, pero un día colapsó en la tienda a causa de una sífilis cerebral no diagnosticada que, seguramente, estaría padeciendo durante años.

Según Andy Harlow, mucha gente trató de ayudar a Markolino en su Vida: Su madre, sus amigos. Incluso Jerry Massucci. Pero el destino de Dimond ya estaba escrito. Mark Alexander Dimond murió prematuramente a los 36 años, como consecuencia de su adicción a la heroína. Alejado de la música y con un talento que siempre impresionó a sus propios colegas, y que tenía muchísimo más que dar. Su música, vivirá por siempre.

(*) Según cuenta Andy Harlow, Markolino se presentó en su casa en Miami en 1985 cuando el preparaba el disco Miami Sessions. Puede haber alguna confusión porque el disco en referencia tiene fecha 1988. A menos que se haya grabado en 1985 y lanzado al mercado tres años después.

Frankie Dante Mark Dimond - Por que adoré (solo audio)

Este llegó gracias a tanausu, password: tanausu

Rumbéatelo:

Bobby Sanabria - Big Band Afro-Cuban Dream...Live & in Clave !!! 2000

2009-01-04T16:40:00.000-08:00

143 MB / 320 kbps

Temas:

1. The Opening: Praise To The Creator & Ancestors/In The Time Of The Colony/Telemina
2. Mosscode
3. Angel Eyes
4. Nuyorican Son
5. Olokun/Yemaya
6. Adios Mario
7. The Troubadours
8. Donna Lee
9. Manteca

Recorded Live at Birdland, NYC
Arabesque Recordings (2000)
Bobby Sanabria - Drums, Akpwon, Morua Vocals
Wilson Chembo - Corniel Congas
Roberto Quintero - Bongo, Cencerro, Shekere
Hiram "El Pavo" Remon - Maracas, Guiro Macho, Shekere, Vocals
John di Martino - Piano
Boris Kozlov - Acoustic & Electric Bass
Karolina Strassmayer - Alto Saxophone, Soprano Saxophone, Vocals
Gene Jefferson - Alto Saxophone, Guataca, Vocals
Peter Brainin - Tenor Saxophone
Jay Collins - Tenor Saxophone, Soprano Saxophone
Ricardo Pons - Baritone Saxophone, Flute, Shekere, Vocals
Michael Philip Mossman - Trumpet
John Walsh - Trumpet - Vocals
Tim Ouimette - Trumpet
Tanya Darby - Trumpet
Chris Washburne - Trombone, Guataca, Clave, Vocals
Barry Olsen Trombone, Guataca, Vocals
Joe Fiedler - Trombone
Dan Levine - Bass Trombone
Special guests: John Stubblefield Tenor Saxophone; Candido Camero Congas

Tomado de: www.lpmusic.com

Bobby Sanabria -baterista, percusionista, compositor, arreglista, artista, productor y educador - ha tocado con una auténtica lista de las personalidades más reconocidas del mundo del jazz y la música latina, así como con su propio aclamado ensamble, Ascención. Su diversa experiencia en conciertos y grabaciones incluye trabajo con figuras legendarias como Dizzy Gillespie, Tito Puente, Paquito D'Rivera, Charles McPherson, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Chico O'Farrill, Cándido, Francisco Aguabella, Henry Threadgill, y el padrino del jazz afro-cubano, Mario Bauzá.

Bobby, el hijo de padres puertorriqueños, nació y fue criado en la sección del Bronx del Sur conocida como "Fort Apache", en la ciudad de Nueva York. Inspirado y animado por el Maestro Tito Puente, otro puertorriqueño nacido en Nueva York, Bobby tomó con seriedad su carrera y asistió a Berklee College of Music de 1975 a 1979, obteniendo una Licenciatura en Música. Recibió, además, el prestigioso Premio de la Asociación de Maestros por su trabajo como instrumentista.

Desde su graduación, Bobby se ha convertido en un líder de las áreas de música afro-cubana y jazz como baterista y percusionista, y es reconocido como uno de los especialistas de la tradición. Ha estelarizado numerosos álbumes nominados al Grammy, incluyendo The Mambo Kings y otras bandas sonoras de películas. Además, ha trabajado extensamente en televisión y radio. Su trabajo de mayor aceptación por parte la crítica ha sido con la afamada Orquesta de Jazz Afro-Cubano de Mario Bauzá.

Con esa agrupación grabó tres CDs nominados al Grammy, considerados como obras definitivas de la tradición de la grandes bandas del jazz afro-cubano. Sanabria también fue el enfoque en los documentales sobre Mario Bauzá producidos por la cadena PBS, y también apareció en el Show de Bill Cosby con la orquesta de Bauzá. Sanabria apareció prominentemente en un documental de PBS sobre la vida de Mongo Santamaría y como actor en la película para televisión de la CBS, Rivkin: Bounty Hunter.

En 1993, Bobby Sanabria y Ascención lanzaron NYC Aché! a través de Flying Fish Records (ahora disponibles en Rounder Records). Fue aclamado en todo el mundo y recibió cuatro estrellas y media en la revista Downbeat, así como un nominación de Mejor Disco del Año por parte de la Asociación Nacional de Distribuidores Independientes de Discos (NAIRD, por su siglas en inglés).En junio de 2000 Bobby lanzó Afro-Cuban Dream...Live & In Clave!!! a través del sello Arabesque. Grabado en vivo en Birdland en Nueva York, presenta a Bobby dándole poder a una big band de 20 músicos estelares. También aclamado mundialmente, ha sido llamado una obra maestra por conocedores del jazz y la música latina y fue nominado al Grammy "americano" como el Mejor Disco de Jazz Latino de 2001. Afro-Cuban Dream...Live & In Clave!!! también fue nominado al Premio 2001 al Mejor Álbum de Jazz Afro-Cubano de la Asociación de Cronistas de Jazz.

Su más reciente grabación, ¡Quarteto Aché!, del sello ZOHO, documenta el virtuosismo de Bobby en un grupo pequeño y fue aclamada como "clásica" por la revista Modern Drummer y aclamada también por el New York Times. También fue nominada como mejor Grabación de Jazz de 2003 por la Asociación de Cronistas de Jazz.

Bobby ha recibido numerosos premios, incluyendo una beca de la Fundación Nacional para las Artes de Estados Unidos (NEA) como músico de jazz, varios premios Meet the Composer, y el premio INTAR Off-Broadway. Más recientemente él ha recibido la Beca Mid-Atlantic Foundation Arts Connect por tres años consecutivos.

En 2003 le fue presentado el "Premio al Logro Sobresaliente" por Iván Acosta, director de Latin Jazz USA, en reconocimiento a la contribución creativa al jazz latino. También recibió una segunda nominación al Grammy en 2003, por 50 Years of Mambo - A Tribute to Dámaso Pérez Prado. El Sr. Sanabria co-produjo el documental de transmisión nacional THE PALLADIUM - Where Mambo Was King, para la cadena BRAVO, el cual recibió el premio al Mejor Documental para cadenas de cable en el 2003.

Sanabria fue nombrado "Percusionista del Año" por votación de los lectores de la revista DRUM!, una publicación de distribución mundial dedicada a la batería y las percusiones. Actualmente se encuentra trabajando en otro documental en conjunción con City Lore en Nueva York intitulado From MAMBO TO HIP HOP- Music and Survival in the South Bronx, programado para ser transmitido en el 2006 por la cadena PBS.

Además de ser miembro del consejo del Equipo de Recursos de Jazz Afro-Cubano de la Asociación Internacional de Educadores del Jazz (IAJE, por sus siglas en inglés), Sanabria está cerrando su 13avo año como Porfesor Asociado del Programa de Jazz y Música Contemporánea de la New School Univeristy y ha sido Profesor de la Manhattan School of Music desde 1999. Es miembro de NARAS, LARAS. AF of M, BMI, SAG y la Universal Jazz Coalition."Bobby Sanabria es igualmente adepto a los sonidos de "big band" de los bateristas Buddy Rich y Louie Bellson, y de su héroe de la niñez, el pionero de la fusión Billy Cobham, como lo es del sonido del titán de los timbales, Tito Puente".

- Bill Milkowski, Jazz Times

Para leer una crítica y escuchar un fragmento del CD de Bobby nominado al Grammy en 2001 Live in Clave, por favor oprime aquí.

Por favor visita el sitio de Bobby Sanabria: www.bobbysanabria.com

Lista de Equipo: Campanas LP, Congas Clásicas de Madera LP, Tambores Batá LP, Timbales Tito Puente LP, Soporte Gajate LP, y percusión variada de mano LP.

Rumbéatelo part. 1
Rumbéatelo part.2

Candido (Camero de Guerra) - Brujeias de Candido

2009-01-04T16:21:00.000-08:00

92,55MB / 320 kbps

01. Here Comes Candi
02. EL Manicero
03. Shadow Of Your Smile
04. Almendra
05. Negrito
06. Take More Candi
07. Back To Back
08. Candido's Guajira
09. Ti-Chi-Can
10. Madrid
11. Moliendo Cafe

Candido (congas)
Isarel (Cachao) Lopez (bass)
Tito "El Rey" Puente (musical director)
Chino Pozo (bongos)
Gran Alfonso (vocals)
and the Tito Puente Orchestra

Originally released in 1971

Candido's first album for Tico is a pure triumph. Fortunately, there's only one crossover cover ("Shadow of Your Smile", and once that's safely programmed out (or left in as a break), listeners are left with ten tracks of impossibly dense features for Candido, each of which proves how apt his "Thousand Finger Man" title was.

The studio band is mid-size, punchy, and energetic enough to prove a foil for Candido's conga, but never overly focused on themselves. Nearly every song features plenty of solo space, and the man finds great things to say even on hoary old chestnuts like "Almendra" or "El Manicero" (aka "The Peanut Vendor" The opener, "Here Comes Candi," and the side-one closer, "Take More Candi," are two of the most frenetic arrangements Candido's ever been a part of, and they're just two songs on a joyous, celebrative album. Vocalist Gran Alfonso joins the festivities for great features on "Negrito" and the calypso tribute "Back to Back." ~ John Bush, All Music Guide

Esta producción llega gracias a Lavinio

Rumbéatelo:

Mariah Carey - Merry Christmas

2008-12-23T07:52:00.000-08:00

1. Silent Night
2. All I Want For Christmas Is You
3. O Holy Night
4. Christmas (Baby Please Come Home)
5. Miss You Most (At Christmas Time)
6. Joy To The World
7. Jesus Born On This Day
8. Santa Claus Is Comin' To Town
9. Hark! The Herald Angels Sing-Gloria (In Excelsis Dea)
10. Jesus Oh What A Wonderful Child
11. God Rest Ye Merry Gentlemen (Bonus Track)
12. Santa Claus Is Comin To Town Anniversary Mix (Bonus Track)

Gracias a nuestro océano

Rumbéatelo:

Louis Armstrong & Friends - What a Wonderful Xmas

2008-12-23T07:47:00.000-08:00

01. Christmas In New Orleans - Louis Armstrong
02. White Christmas - Louis Armstrong
03. Silent Night - Dinah Washington
04. The Christmas Song (Chestnuts Roasting On An Open Fire) - Mel Torme
05. Christmas Night In Harlem - Louis Armstrong
06. It’s Christmas Time Again - Peggy Lee
07. Cool Yule - Louis Armstrong
08. Merry Christmas, Baby - Lionel Hampton
09. Zat You, Santa Claus? - Louis Armstrong
10. Santa Baby - Eartha Kitt
11. Jingle Bells - Duke Ellington & His Orchestra
12. Santa Claus Is Coming To Town - Lena Horne
13. May Everyday Be Christmas - Louis Jordan & His Orchestra
14. Winter Wonderland - Louis Armstrong

Gracias a la caja de pandora

Rumbéatelo:

Navidad Caribeña

2008-12-23T07:43:00.000-08:00

01. Celia Cruz - El Año Viejo
02. Trovadores - Nuestra Tradición
03. Iván & Clemens - Mami No Te Pares (Reggaeton)
04. Gilberto Santa Rosa/Luis Enrique/Rey Ruiz/Tony Vega/Víctor Manuelle - La Papa Caliente
05. Elvis Crespo/Víctor Manuelle - El Cuerpo Me Pide
06. DLG [Dark Latin Groove]/Melina León - Pídele a Una Estrella
07. Luis Enrique/Pupy Santiago - La Fiesta Se Pone Buena
08. Kaos & DLG - Eliminación de Feos
09. Ashley/Danny Rivera/Elvis Crespo/Gilberto Santa Rosa/Grupo Manía/León/Milly Quezada/Son by Four/Víctor Manuelle - Cantemos
10. Gilberto Santa Rosa/Milly Quezada - Siempre Amigos
11. India - Navidad Sin Verte
12. Potpourri Navideño- Mamacita-Feliz Navidad-El Burrito Sabanero

Gracias nuevamente a la caja de pandora.

Rumbéatelo:

EL GRAN COMBO EN NAVIDAD

2008-12-23T07:36:00.000-08:00

01. Alegria Y Paz
02. La Cabeza Del Lechon
03. El Santo Nombre
04. Alegre Navidad
05. Que Felicidad
06. Viva La Navidad
07. Cantares
08. La Vieja Voladora
09. Ya Viene La Nochebuena
10. Que Es La Navidad?
11. Bomba Navideña
12. Oye Su Cantar

Subí este archivo por la gratitud de jorlando, pero si no quieres bajar este, utiliza el viejo y agrégale el password: abe28

Rumbéatelo:

Conrad Herwig "Another Kind of Blue-The Latin side of Miles Davis" 2004

2008-12-16T10:45:00.001-08:00

64877 KB / 192 kbps

Temas:

1. So What (9:43)
2. Freddie Freeloader (10:29)
3. Blue in Green (8:10)
4. All Blues (8:17)
5. Flamenco Sketches (9:51)
6. Petits Machins (7:40)
All arrangements by Conrad Herwig & Brian Lynch

Músicos:
Conrad Herwig—Trombone
Brian Lynch—Trumpet
Mario Rivera—Baritone Saxophone
Paquito D'Rivera—Alto Saxophone, Clarinet
Dave Valentin—Flute
Edsel Gomez—Piano
John Benitez—Bass
Robby Ameen—Drums
Richie Flores—Congas, Percussion

Artists Note:

With Another Kind of Blue: The Latin Side of Miles Davis, our objective was to reinvent Miles' seminal work within the framework of Afro-Cuban and Afro-Caribbean rhythms. To that end, we tackled each tune with a specific approach in mind:

"So What" is rendered in Afro-Cuban 6/8 times with the original introduction by Bill Evans and Paul Chambers voiced for our horns.
"Freddie Freeloader" became a jazz songo, with Miles' solo, transcribed, serving as a point of departure for the group's improvisations.
"Blue in Green" is performed as a bolero, though it retains the subtle character of Miles' original.
"All Blues", played here, in its original 4/4 meter, is a boogaloo-cha.
Flamenco Sketches", artfully arranged by my friend and compatriot Brian Lynch, gained new life as a guaguanco.

The discographical diehards among you will know that "Petit Machins" is not from Kind of Blue, but from another Miles masterwork, "Filles De Kilimanjaro". It's included here as a bonus track.

My thanks extend to all of the musicians involved in this project, especially guest Paquito D'Rivera, who throughout this week-long engagement, proved himself a virtuoso performer (as well as an all-time great friend). Gracias Jefe! Likewise, Dave Valentin, who came in and blew the house down with his showmanship and effervescence.

To my family, Maria, Glenn, and Mark Herwig, I give a big hug and lots of love for their patience and support. Big thanks, too, go to Jeff Levenson, Steven Bensusan, and everyone at the Blue Note, NYC. Que Viva Miles Davis!

Conrad Herwig, December 2003

———————————————
Producer's Note:

It's a mark of greatness, the ability to inspire. That's why Miles, whose career was built on inspirational touchstones, continues to tug on musicians and creative thinkers.

When Conrad mentioned this project to me, an idea that had been incubating since the afterglow of his Latin Side of John Coltrane (Astor Place) in 1996, it seemed both obvious and inevitable: Miles, done Latin-style. Who better to bow before than a jazz deity with a history of hyphenating his music in the service of cultural adaption?

Miles's restless personality, exerting a lunar pull on the planet's tides of art, is still felt, to be sure, and ought to be measured as one does other forces of nature — through the shifts and alterations transforming the landscape. That we're led to redraw the boundaries of our own imagination only attests to his power.

That's why Conrad's desire to take on these timeless compositions aligns perfectly with Miles's spirit. Reimagine the world and it becomes yours. Sounds hip. Much like this music. Enjoy it.

Jeff Levenson, December 2003

Produced by Jeff Levenson
Executive Producer: Steven Bensusan

Recorded by Aura Sonic Ltd., Live at the Blue Note, New York, March 6-8, 2003
Engineered by Steve Remote (March 7-8) and Duke Marcos (March 6)
Assisted by Jon D'Uva, Andy Bigan, and Mark Tomase
Mixed by Steve Remote
Pro-Tools Engineer: Jon D'Uva
Mastered by Greg Calbi, Sterling Sound
Photography by Dino Perucci
Art Direction and Package Design by Molly Gobel

Biografía:
New York jazz trombonist Conrad Herwig has recorded 17 albums as a leader. His new CD releases are “Sketches of Spain y Mas” and “Another Kind of Blue-The Latin Side of Miles Davis” on Half Note Records, which was nominated for a 2005 Grammy Award. These are the follow-up projects to the 1998 Grammy- nominated CD, “The Latin Side of John Coltrane”. These exciting new projects were both recorded live at the Blue Note Jazz Club in New York City and feature special guests Paquito D’Rivera,Dave Valentin and Brian Lynch (co-musical director of the group).

His most recent solo recordings on the CrissCross label are “Obligation”, “Land of Shadow”, “Hieroglyphica”, “Unseen Universe”, “Osteology”, and “Heart of Darkness” which received 4 and 1/2 stars in DownBeat Magazine. He has also been voted #1 Jazz Trombonist (TDWR) in the 2002 Downbeat Jazz Critic’s Poll.

In constant demand as a sideman, Herwig has been a featured member in the Joe Henderson Sextet, Tom Harrell’s Septet and Big Band, and the Joe Lovano Nonet (featured as a soloist on Lovano’s Grammy Award winning “52nd St Themes"). Conrad also performs and records with Eddie Palmieri’s “La Perfecta II” and Afro-Caribbean Jazz Octet, Paquito D’Rivera’s Havana-New York Connection, the Mingus Big Band (often serving as musical director, and arranger on the new 2007 Grammy nominated-"Live at the Tokyo Blue Note"), and the Carnegie Hall Jazz Band (Jon Faddis, musical director) among many others.

Mr. Herwig is an alumnus of North Texas State University in Denton, Texas(where he performed in the One O’Clock Jazz Lab Band), Goddard College in Plainfield, VT , (Bachelor of Arts in Afro-Caribbean ethnomusicology), and Queens College,CUNY, (Master of Arts, Jazz Studies). Conrad has conducted masterclasses, seminars, and workshops at major universities and conservatories around the world including the Sibelius Academy, Finland; the Royal Irish Academy, Dublin; the University of Koln, Germany; Eastman School of Music, Rochester, NY; the University of Southern California and literally hundreds of others.

Herwig is a recipient of performance and teaching grants from the National Endowment for the Arts. He is currently Professor of Jazz Trombone, Jazz Improvisation, and Jazz Comp/Arr at Rutgers,The State University of New Jersey. Conrad was elected to the Board of Advisors of the International Trombone Association for a second time in 2006.

One of the most in-demand jazz educators, Conrad Herwig is a Conn-Selmer clinician and performs exclusively on Bach Stradivarius trombones.

Rumbéatelo:

Experimentación y Color

2008-12-10T22:44:00.000-08:00

La Universidad de Panamá, la Vicerrectoria de Extensión, la Dirección de Cultura, la Facultad de Bellas Artes y la Escuela de Artes Visuales, presentan "Experimentación y Color" del 5 al 11 de diciembre 2008 en la Galería Manuel E. Amador, ubicada en el Campus Central de la Universidad de Panamá, al frente de la Biblioteca Simón Bolívar y a un costado de la Facultad de Derecho.

Les dejo algunos detalles sobre esta exposición realizada por los estudiantes de I y III año del Profesor Rodrgio Jaén. A la mano derecha de este blog, podrán ver alguno de los trabajos en flash, si desea verlos uno a uno, solo tiene que darle click a cada imagen, también lo pueden ver en el Album Picasa de Google y Facebook

La Experimentación en la Expresiones Artísticas, son pasos necesarios que deben realizar los artistas, especialmente los novatos, con el propósito de inventar procedimientos que le sugieran nuevos horizontes, que permitan entender los métodos que usa el arte, tanto en la técnica como en el contenido del objeto artístico y que con el ensayo y el error se logren establecer, dada la experiencia, identificarse sobre todo con el arte que quiere reflexionar en nuevos rumbos, en nuevos lenguajes, como ha sido la tónica por generaciones de artistas y poniendo la máxima que el arte siempre será evolutivo, buscando valores textuales o temáticos con el uso de materiales no tradicionales para abrir caminos.

Por otro lado el uso del color, el conocimiento de sus causales emotivas y como teoria, se hace necesario dentro del proceso de aprendizaje de los hoy nóveles artistas visuales, que muestran el fruto de estas dos experiencias, que dialécticamente se anteponen, pero que al final resulta el ganar para la perseverancia del arte.

Experimentación Visual, Técnicas y Materiales Empleados:

Tintes naturales, acrílicos, industrial, alquitrán, impresos, papel reciclado, telas sintñeticas, laca automotiva, ceras, plásticos, vidrio sobre madera, empleando el collages, relieves, impresión en temáticas libres.

Color

Con el implemento del libro arte, bitácoras de estudio sobre telas, pinturas en pequeños formatos empleando una temática prediseñada, la teoría del color, monocromático, bromatito, perspectivas del color, fondos negros, empleo de grises, etc...

El apréndalo usted mismo del arte

2008-12-10T22:41:00.001-08:00

Tomado de: www.artelista.com

Será la época de las rupturas, concretada en la vanguardia histórica y continuada en nuestra contemporaneidad, la gran espectadora del autodidactismo en el arte (junto con los primeros tiempos de la expresión artística, entendida ya como tal). Una forma de crear que difícilmente hubiera sido bien acogida en siglos en los que la práctica del arte sólo era "permitida" ligada a determinadas asociaciones o gremios y que, aún hoy, genera susceptibilidades.

Existe un buen número de artistas, sin embargo, que alcanzaron cuanto menos la calidad formal a partir de un aprendizaje marcado por sus propios recursos, desacreditando a aquellos que opinan que sin academicismo no hay arte.

Aprendizaje reglado versus libre aprendizaje. Éste es uno de los grandes debates que aún hoy continúan abiertos en el campo de las artes plásticas, llegando, incluso, la propia definición de ambos conceptos a suscitar desacuerdos. Se entiende por autodidacta a la persona que "se instruye por sí mismo", esto es, que emplea sus propios medios para alcanzar un conocimiento, sin ayuda de maestros que le guíen. A lo largo de la Historia del Arte son cuantiosos los ejemplos de esta forma de adquisición del saber, si bien es en los primeros tiempos del desarrollo artístico y en los siglos XX y XXI cuando se encuentra el mayor número de casos.

Algo que es lógico si se tiene en cuenta que las primeras manifestaciones plásticas consideradas arte (el arte prehistórico) surgieron en una época en la que el aprendizaje estaría basado en un proceso prueba-error y la conciencia de creación plástica actual aún no existía; junto con esto, la instrucción en los siglos posteriores estará basada en una transmisión oral y el aprendizaje se circunscribirá a un hecho individual, no siendo hasta época del medioevo cuando se funden los gremios artesanales que recojan en su constitución el deber de la enseñanza.

Una circunstancia que se mantendrá como norma general hasta el s.XX, un siglo cuya esencia estará marcada por el cambio, la ruptura con lo establecido y la experimentación, procurando así un germen magnífico al autodidacta. Es cierto, sin embargo, que muchos de los autodidactas más famosos de la Historia del Arte tendrán algún tipo de formación académica a lo largo de su vida, aunque su estilo se desarrollará al margen de escuelas mediante el procedimiento de la observación y la copia.

Quizá el más conocido de los artistas autodidactas del s.XX sea Van Gogh, un pintor sin formación plástica real que aprenderá los rudimentos del dibujo a partir del análisis de láminas y la ayuda de un profesor de la Academia de Bellas Artes de Bruselas, Van Rappard, y de un familiar pintor. Un aprendizaje discontinuo e insuficiente que no impidió, sin embargo, que llegara a desarrollar un estilo dentro del postimpresionismo totalmente personal y cualitativo.

Algo que pueden suscribir, un poco antes, artistas como Constable o Turner y, de nuevo en el s.XX, Gauguin, Henri Rousseau, Manuel Millares, Munch y casi todos los manifestantes del expresionismo (con casos verdaderamente contradictorios, como el del grupo alemán Die Brücke, de claro pensamiento apologético del autodidactismo cuyos miembros habrían recibido una formación académica), el arte marginal y el arte naïf . Ejemplos un poco más difíciles de centrar si hablamos de arquitectura, por razones obvias (aunque con notables ejemplos contemporáneos, como es el caso de Tadao Ando), o escultura (nos vemos de nuevo obligados, como sucedería con la arquitectura, a regresar la mirada a los primeros constructores de pirámides y templos).

Leonardo da Vinci será otro de los grandes autodidactas de la historia, en todos los campos del saber a los que dirigió su mirada, ciencia incluida. Una excepción atemporal cuyo testigo alcanzará ya en el s.XXI a artistas de la talla de Eduardo Úrculo, José Ibarrola e, incluso, el hiperralista Antonio López que, si bien recibió una formación académica, se ha definido a sí mismo en más de una ocasión como "un autodidacta en continuo aprendizaje", ofreciendo, tal vez, la clave de la consecución del verdadero arte.

Conrad Herwing - With Every Breath 1987

2008-12-07T21:33:00.000-08:00

320 kbps / 93.6 MB

Temas:
1. With Every Breath (5:41)
2. Red on Black (7:07)
3. Quasi-Modal (7:44)
4. Diva's Dilemma (7:05)
5. Alone Together (6:33)
6. A.M. Blues (7:55)

Músicos:
Conrad Herwig—Trombone
Jim Snidero—Alto/Soprano Saxophone
Richie Beirach—Piano
Ron McClure—Bass
Adam Nussbaum—Drums

With Every Breath is progressive jazz at its finest. I was very moved when I first heard this album, finding myself drawn inside the music, my mind wandering and allowing me to let myself go. You will be compelled to play it many times, each time finding something to match your mood.

Conrad Herwig is an accomplished trombonist, writer and arranger and this debut album as a leader shows him to be a 'musician's musician.' He takes the trombone beyond accepted boundaries and plays with the versatility of a saxophone.

Born in Fort Sill, Oklahoma, on November 1, 1959, Conrad is the son of a career army officer. His first exposure to trombone was at the age of eight, when the music man came to his school and, since he was the only student in his class with arms long enough to reach the end of the slide, he was given a trombone. He finished high school in Hawaii and gives credit to local jazz trombonist Les Benedict for giving him direction and to jazz legend Trummy Young (who was living in Hawaii at the time) for inspiration.

At North Texas State University, Conrad played with the One O'Clock Lab Band and sat in with dallas jazz players including Red Garland, Marchel Ivery and James Clay. In 1981, he was voted Number 1 Trombonist in Texas Jazz Magazine, and soon after went on the road with the Clark Terry Big Band. After touring Europe and the US, he settled in New York City. He then worked with Buddy Rich and, after leaving the band, freelanced with Slide Hampton's World of Trombones, Cab Calloway's band and other, and recorded with Jack McDuff. In 1984 Conrad joined the Toshiko Akiyoshi Jazz Orchestra and is a featured soloist on her two latest record albums. He has also performed with the Paquito D'Rivera Quintet, the Bob Mintzer Big Band, Daniel Ponce's Jazz Bata, as well as doing freelance commercial work.

When I asked Conrad what his feelings were about With Every Breath, he said "I want this album to feature everyone - I prefer a group concept." Well, Conrad, you have accomplished your goal. This sounds like a group that has played night after night - burning! It swings hard, which is no surprise when you conside the personnel: Richie Beirach, Ron McClure and Adam Nussbaum, who are on of the top rhythm sections in the world and Jim Snidero, who is one of the finest alto saxophonists in New York today. Jim and Conrad met at North Texas State University and have played so frequently together over the years that, at times, they sound like one horn.

I've known Conrad for a number of years, playing with him in a variety of situations in and around New York City. He is a friend and gifted musician. It was time for Conrad to record an album and I am proud to write his liner notes. As Miles Davis used to tell me, "The music speaks for itself" ...in this case it definitely does

Bill Evans
(Bill Evans is a jazz saxophonist and recording artists formerly with the Miles Davis Group).

Very special thanks and love to my Mother and Father, Lee and Mary Herwig, for whithout their love and help this recording would not have been possible.

Rumbéatelo:

Nueva ley de derechos de autor para artistas

2008-12-06T17:10:00.000-08:00

Tomado de: www.artelista.com

Los artistas plásticos están de enhorabuena esta semana: una nueva ley viene a sumarse a las enunciadas para la protección de sus derechos. El Ministerio de Cultura inició en mayo de 2008 los trámites para modificar el artículo de la Ley de Propiedad Intelectual que garantiza el derecho de los artistas a percibir una participación económica en el precio de reventa de sus obras (siempre que la transacción no se haga entre particulares). Una iniciativa que, en este mes de noviembre, ha sido presentada para su aprobación ante la Comisión de Cultura del Congreso.

La exigencia en España de una ley de derechos de autor equiparable al resto de la normativa europea es una reclamación antigua, cuyo principal y fundado argumento se sostenía en la inviabilidad actual de la Ley de Protección Intelectual, promulgada hace más de veinte años. Así, en mayo de 2008, el Ministerio de Cultura presentó un anteproyecto de ley para modificar el derecho de participación de los artistas.

Este derecho, también conocido como droit de suite, garantiza a los artistas una parte del precio de reventa de aquellas obras de arte de su autoría u originales después de la primera transmisión, siempre que en la misma intervenga algún profesional del mercado del arte (como comprador, vendedor o intermediario). Este derecho ya aparecía recogido desde 1987 en las leyes españolas, sin embargo, el anteproyecto tenía como finalidad ajustarlo a las directrices marcadas por Europa.

Así, la Ley de Propiedad Intelectual ha experimentado un importante cambio tras la aprobación en noviembre pasado de este proyecto de ley por parte de la Comisión de Cultura del Congreso. No sólo se han establecido nuevamente el precio de activación del derecho y las cantidades económicas a percibir en función del precio alcanzado por la obra (en lugar de los inmóviles 1.800 euros y 3% determinados hasta el momento) sino que, además, han quedado definidas explícitamente aquellas operaciones que generan derechos económicos al autor.

De este modo, a partir de ahora, cada vez que en una reventa de obra intervengan galerías de arte, marchantes, salas de ventas y subastas, o cualquier persona física o jurídica que actúe de forma habitual como intermediario (además de aquellos profesionales del mercado del arte que presten sus servicios a través de internet), el artista de la obra deberá recibir el tanto por ciento estipulado que le corresponda.

De esta disposición quedan excluidos los tratos negociados entre particulares sin que medie ningún profesional del mercado del arte, así como las reventas promocionales ("aquellas que tienen lugar en los supuestos en que la obra ha sido adquirida directamente del autor, con el fin de facilitar la incorporación de la obra de nuevos artistas al mercado del arte").

Con respecto al precio de activación del derecho (o lo que es lo mismo, la cantidad a partir de la cual el autor tiene derecho a percibir un porcentaje), antes marcado en 1.800 euros, su cuantía ha alcanzado los 3.000 euros máximo (cada estado miembro puede determinar después la cantidad mínima). Igualmente, se ha determinado ahora un máximo de 12.500 euros pagaderos al artista por la aplicación del derecho de participación y un sistema de porcentajes decrecientes por tramos de precios*.

En este punto es donde se han generado las mayores controversias, ya que hay muchos galeristas y marchantes que consideran que el pago del porcentaje tiene sentido tan sólo en caso de plusvalía y no en cada reventa, ya que es posible que ésta conlleve pérdidas para el intermediario, quien además tendría que pagar royalties.

Grupo Folclórico y Experimental Nuevayorkino

2008-11-10T20:28:00.000-08:00

Israel Berrios canta La Vida Es Un Sueño del gran Arsenio Rodríguez y la otra pieza de ese grande, como lo fué Pedro Florez... durante la presentación que este grupo tuvo el 1 de Nov. 2008 en el Teatro Hostos Community College.

Luis Perico Ortíz - My Own Image 1978

2008-11-10T16:12:00.001-08:00

320 kbps / 87.8 MB

Side 1:
1. Sometimes
Percussion Interlude
2. Nice & Warm
Percussion Interlude
3. Diana
Percussion Interlude
4. Viva Martínez

Side 2
5. I Know
Percussion Interlude
6. Genesis
Percussion Interlude
7. Hot Blood
Percussion Interlude
8. Perico

Músicos:
Rubén Blades: Acoustic guitar, background vocal on Sometimes
Brian Brake: Drums
Randy Brecker: Trumpet, Fluegelhorn on sometimes, genesis, viva martinez, hot blood
Jimmy Delgado: Timbales
Jon Faddis: Trumpet on guajira, diana, I know, perico
Babi Floyd: Background vocal, solo on guajira
Lani groves: Background vocal
Steve Khan: Guitar
Lou Marini: Tenor sax, flute
Eddie Martínez: Acoustic, electric piano, synthesizer solo on viva martinez and genesis
Eddie Montalvo: Conga on diana, guajira and perico
Keith O´Quin: trombone
Luis Ortíz: Trumpet, fluegelhorn, flute, synthesizer, piano, persuccion (plays all these parts on perico)
Eddie "Gua Gua" Rivera: Bass
Edwin Rodríguez: Acoustic guitar, synthesizer on genesis
Johnny Rodríguez Jr.: Bongo, guiro on I Know, conga on Interludes
Pablito Rosario: Bongo, cowbell, percussion
Allan Rubin: Trumpet, fluegelhorn
Lew Soloff: Trumpet, fluegelhorn
Yolanda McCollough: Background vocal
Israel "Sabú" Morales: Bata (Omele) on hot blood
Jorge Santiago: Lead vocal on diana and I Know, background vocal on sometimes
Wilfredo "Moreno" Tejada: Bata (Iya) on hot blood
Carlos "Patato" Valdéz: Conga
Dominico Valdez Jr.: Bata (Oconcolo) on hot blood
Ed Walsh: Synthesizer programming and solo on perico

Tomado de: www.lpmusic.com

What an opportunity to revisit some of the hottest music of the seventies, played by the greats of that era! Ruben Blades, one of the many side players on this album, was then at the dawn of his career. This re-issue reflects a glorious era of experimentation and the birth of what we now call "fusion."

In "My Own Image" trumpeter Luis "Perico" Ortiz combines diverse Latin, rock, funk, and jazz influences in a pleasing melange. Originally recorded in 1978 on analog two-inch tape under the watchful eye of LP founder Martin Cohen, the album has now been transferred to digital. The liner notes are lovingly reproduced and show, all in all, eight songs. Six of these, however, incorporate percussion interludes - snippets under a minute in length.

When transferring the material to digital, the pauses between these songs and interludes became breaks. Consequently, "song/interlude" is now "two tracks" instead of the single song shown in the liner notes. Presto: we now have fourteen tracks!

Track One, a funky Ruben Blades composition, "Sometimes," leads off with raucous steam train horn swells, then graduates to the unison lead vocals so popular in the seventies. A female vocal refrain comments on the longings of the male lead vocal. The song fades to a percussion refrain: read this as Track Two.

Track Three on your CD player is "Nice and Warm (Guajira)" and features the entire New York session Mafia, including the Brecker Brothers on horns, Steve Khan on guitar, and Brian Brake on drums. Starting as a Cha-Cha, the arrangement takes a quick lurch into fast Latin rock (3:08-3:11). Percussionists Jimmy Delgado, Pablito Rosario, and the great Carlos "Patato" Valdez leap into action! Bang! Then it's back to the Cha-Cha.

Track Five is "Diana," a lovely ballad carried by Fender Rhodes piano and horns. Wear headphones - check out the sound of the hand drums. All the slaps, muted and open tones come to the fore. Ortiz's fluid trumpet work and round tone establishes the mood. On the fade, he gets frisky and lets loose a few flashy lines (5:15), just a hint of what he is capable of doing on the horn.

"Viva Mart?nez" is jazz Latin that just flies along, at first propelled by Brake's ride cymbal work, until - at the top of Ortiz's solo - the percussionists take over. The arrangement segues into another seventies device, the analog synthesizer solo. Eddie Mart?nez plays horn-like lines that set Ortiz up for a final solo.

And now the piece de resistance, an Ortiz/Harlow composition, "I Know." Guaranteed: once you get past the tricky intro, you will be humming the refrain for days! A hybrid Cuban/funk dance tune, "I Know" yields new gems each time you listen: Martinez's synthesizer vamp on the chorus, Rodriguez's guiro, Jon Faddis's trumpet - all this in addition to that catchy chorus! The icing is a wonderful Guaguancho percussion interlude.

And, finally, it's "Perico" - hard jazz funk in the Miles Davis tradition - and then we're done with an album that suffers only one fault: it's far too short.

Rumbéatelo:

Con el aura de La Lupe

2008-11-10T15:32:00.000-08:00

Tomado de: www.elnuevodia.com
Por Jaime Torres Torres

La mística de La Lupe se ha fundido como un tatuaje a la personalidad musical de la pianista y cantautora cubana Lena.

La nieta de la fenecida gloria de la canción Elena Burke, que protagoniza el filme “La Mala”, asegura que si La Yiyiyi estuviera viva y la escucha cantar con Julio Voltio su versión salsera y reguetonera del bolero ‘La tirana’ su primera reacción sería una carcajada.

“Un ‘ay, ay, ay...’. Me imagino que eso diría, complacida, porque es un trabajo que se ha hecho con mucho respeto por su legado. En todo este proceso la he sentido como una mariposa revoloteando alrededor de toda esta música y que cuando abre sus alitas me da la bendición porque me ha dado el permiso de interpretar a mi manera su música y su obra”, dijo Lena, quien esta noche arribará a San Juan procedente de Miami para impartir vida a la sensual Yolanda, el personaje de una joven cantante que interpreta los éxitos de La Lupe en el filme que estrenará el jueves en los teatros del País.

Y, con un enfoque contemporáneo, Lena aborda clásicos como ‘Qué te pedí’, ‘Puro teatro’ y ‘Si vuelves tú’, colaborando en algunos con exponentes urbanos como Voltio y Tito El Bambino.

“Tratamos de respetar los arreglos originales con un enfoque de modernidad para que la juventud pueda escucharlos y les llegue. Y se interesen en desempolvar todo lo que hizo, porque son canciones que siguen vigentes”.

“La Mala”, cuya banda sonora Lena produjo junto a su padre Rey-Nerio, le ha brindado grandes satisfacciones, como “el descubrimiento” del cancionero del prolífico compositor boricua Tite Curet Alonso.

En la casa de su abuela Elena Burke, en El Vedado en La Habana, escuchaban clandestinamente los discos que La Lupe y Celia Cruz grabaron con temas de Tite.

“Estaban vetadas, pero mi abuela tenía una colección de casetes y discos de pasta que conseguía cuando viajaba. Así fue que conocí la obra de Tite. Yo acompañaba a mi madre Malena al piano y siempre incluía un tema de cada compositor y la primera de Tite fue ‘Puro teatro’ ”.

Y, sin embargo, su actuación en “La Mala” es mucho más que un drama. Literalmente, Lena desangró su alma en el personaje de Yolanda. En el filme y en el cd que estará a la venta desde el martes 11 laten emociones muy íntimas.

“Los directores dijeron que debía desnudarme, metafóricamente, para quedarme en cero y crear a Yolanda, y me tocó mucho trabajo. Siente una tristeza muy profunda y una rabia intensa por los hombres que la abarcan. Es una trama de sentimientos muy fuertes”.

Lena, cuyo cd “La mala” es su segunda grabación con Warner Music Latina, considera que la película dirigida por Pedro Pérez Rosado y Lilian Rosado González, también propició la oportunidad de encontrarse con la esencia de su primer romance musical: el bolero.

Con voces a capella, en ocasiones evoca al Cuarteto D’Aida, en que su abuela Elena dejó huellas imborrables en el pentagrama cubano junto a Moraima Secada y Omara Portuondo.

“Estudié piano clásico por 12 años y un buen día en Venezuela mi madre me dijo que si tocaba a Bach cómo no iba a tocar música cubana. Me impulsó a dar ese cambio. Y en la grabación he descubierto que eso está en mí”, explicó Lena, quien también se lanza como intérprete de salsa, otro género que circula por sus venas.

Esta noche será difícil identificar a la dama que descenderá del avión. Y el miércoles, tras la premiere en el Cine Metro de Santurce, cantará parte del repertorio que inmortalizó a La Lupe.

“A San Juan llegará un poquitico de las dos, porque Yolanda nunca se irá de Lena. En mí quedará anclada para siempre”.

Ron Carter ayer y hoy

2008-11-10T15:13:00.000-08:00

Considerado “el epítome del swing y la elegancia”, es uno de los mejores bajistas del mundo.

Tomado de: www.elnuevodia.com

Por Rafael Vega Curry

Considerado “el epítome del swing y la elegancia”, Ron Carter es uno de los mejores bajistas del mundo; algunos dicen que el mejor. Carter -quien estuvo en el Heineken Jazzfest de Puerto Rico hace siete años- fue integrante esencial del ‘segundo gran quinteto’ de Miles Davis y ha grabado como acompañante de muchos otros músicos. Pero también tiene una notable serie de grabaciones a su propio nombre. Estas dos representan el principio y el fin (hasta el momento, por supuesto) de su carrera discográfica como líder. Si no las consigue en Borders puede ordenarlas en amazon.com.

Ron Carter, 'Where'? (New Jazz/Concord)

El primer disco de Ron Carter como líder se grabó el 20 de junio de 1961, pero gracias a la magia de la remasterización, esta edición, realizada en el 2007, suena como nueva. Y aunque es decididamente breve -dura poco más de 36 minutos- basta para dejar establecida la visión musical del bajista. Carter no sólo se luce por su espectacular técnica e infalible sentido musical en el bajo, sino que también toca el cello y explora una diversidad de sonidos, a lo que aporta grandemente la presencia del genial Eric Dolphy en saxo alto, flauta y clarinete bajo. El piano inconfundible de Mal Waldron sobresale en el tema titular. Una joyita.

Houston Person y Ron carter, 'Just between friends' (High Note)

Houston Person y Ron Carter ya habían grabado otros tres discos a dúo, pero éste es el que tiene mejor sonido. Lo cual se agradece, pues permite apreciar más la “riqueza íntima” de un formato tan austero como saxo y bajo sin más acompañamiento. Person tiene un sonido hermoso en el saxo tenor, oscuro, elegante, bruñido. Pero se diría que es Carter quien está a sus anchas, estableciendo el tempo perfecto, tocando la nota perfecta, muy melódico en todo momento. El repertorio no es precisamente novedoso (‘How Deep Is The Ocean’, ‘Darn That Dream’, ‘Alone Together’) pero es de calidad. Uno de esos discos que va a la médula de lo que es el buen jazz: creación espontánea en conjunto. Cero artificios, pura musicalidad.

Mario Bauzá & His Afro-Cuban Jazz Orchestra Tanga Suite 1992

2008-11-04T07:41:00.000-08:00

64.1 MB / 192 kbps

Temas:
1. Cuban Lullaby
2. Mambo
3. Afro- Cuban Ritual
4. Bolero
5. Rumba Abierta
6. Carnegie Hall
7. Azulito
8. Son Cubano (Yo Soy El Son Cubano
9. Ganga (Palo En Gaga)
10. Mambo Rincon
11. Chucho

MARIO BAUZA AND HIS AFRO-CUBAN JAZZ ORCHESTRA - TANGA (1992)

Músicos:
Mario Bauza (conductor)
Rudy Calzado, Thelma Ithier, Jose Joaquin, Romulus Murrell, Nat Jones (vocals)
Rolando Briceno, Eddie Alex (alto saxophone)
Enrique Fernandez (tenor saxophone, flute)
Doris Rivera, Jerome Richardson (tenor saxophones)
Pablo Calogero (baritone saxophone)
Victor Paz, Ross Konikoff, Stanton Davis, Larry Lunetta (trumpets)
Conrad Herwig, Gerry Chamberlain, Bruce Eidem, Douglas Perviance (trombones)
Nathan Durham (bass trombone)
Marcus Persiani (piano)
Guillermo Edgehill (bass)
Bobby Sanabria (drums, timbales, cascara)
Juan "Papo" Pepin (congas)
Carlos "Patato" Valdez (congas, guiro)
Joe Gonzales (bongos, cowbell)

Fuente:

http://es.wikipedia.org/wiki/Mario_Bauza

Mario Bauza (La Habana, 1911 - Nueva York, 1993) fue un compositor y músico cubano fundador de lo que hoy se conoce como Jazz Afrocubano. Fue clarinete bajo de la Orquesta Filarmónica de La Habana. En 1926 viajó a Nueva York con Antonio María Romeu para grabar un disco de danzones encargado por la RCA y a trabajar con la orquesta de Don Aspiazu. Entre 1930 y 1931, fue trompetista del cuarteto de Antonio Machín y realizó con este grupo importantes grabaciones en la ciudad de New York. Como anecdota se cuenta que habia aprendido a tocar la trompeta en solo dos semanas.

Se interesó por el Jazz al escuchar a Frankie Trumbauer tocar el saxofón interpretando Rhapsody in blue con la orquesta de Paul Whiteman. En los años cuarenta, Mario desarrollará el sonido y el estilo del Latin Jazz, o dicho en forma mas precisa, del jazz afrocubano. Su labor como trompetista, saxofonista y arreglista en la orquesta de Machito constituye uno de los principales pilares en el surgimiento y desarrollo del jazz afrocubano.

Este nuevo género exhibió un nivel de profesionalismo y sofisticación capaz de seducir al más purista de los amantes del jazz e inclusive músícos de la categoría de Charlie Parker sucumbieron ante el exotismo de esta forma de interpretación.

Rumbéatelo:

Zaperoko - Cosa de Locos 1983

2008-11-04T07:37:00.000-08:00

51.7 MB / 192 kbps

Temas:
El Zaperoko
Si me dejas ahora
Se lo que es rumba
Azucar con ají
No quedo ni el gato
Sigan la clave
La olla

Músicos:
Edwin Feliciano: Leader, Trombone y Percusión
Frankie Rodríguez: Co-Leader, Lead vocal, coro Okonkolo, shekere, conga en "No quedo ni el gato" y quinto en "Se lo que es rumba"
Angel "Cuquito" Palacios: Lead Vocals y coro
Nelson González: Tres, coro y percusión
Jesús Jiménez: Piano y sintetizador
Candido Travieso: Bajo
Juan Oliva: Congas, iyá, itotele, shekere, y percusión
Charlie Santiago: Timbalón, Bongo en "No quedó ni el gato", Iyá en "Se lo que es rumba" y percusión
Antonio "Toñito" Vázquez: Trombone, brasilian whistle y percusión

Rumbéatelo:

Concierto del Día del Músico... 22 noviembre 2008

2008-11-04T07:21:00.000-08:00

El INAC presenta Concierto del Día del Músico, interpretado por Rodher, Da Capo 4sax y
Amigos.

Se llevará a cabo el día sábado 22 de noviembre a las 4:30 p.m en el Teatro Nacional. Boletos en Taquilla del Teatro B./10.00 B./5.00 y B./1.00.

Una parte de la recaudación será donada a beneficio de los grupos defensores de los animales: Fundación Humanitas y Grupo No al maltrato de animales.

Participarán:
Moisés Hernández/sax alto, soprano/ UP.
María Inés Rodríguez/piano/Instituto Nacional de Música.
Yumiko Tokumoto/Cello/JICA, UP, Orquesta Sinfónica Nacional.
Larena Franco/flauta/Embajada de Brazil.
Daniel Agudo/fagot, sax alto/ Instituto Nacional de Música, Orquesta Sinfónica Nacional.
Alger Simmons/sax alto y tenor/ Cuerpo de Bomberos de Panamá, Academia de Música La Nota.
Iván Navarro/sax barítono/UP, Orquesta Sinfónica Nacional.

Música de cámara internacional con obras de:
Wolfe (Alustralia) , Piazzolla (Argentina), Fauré (Francia) Singelee (Bélgica), Torke (EU), Tcherepnine (Rusia), Brenes (Panamá), Iturralde (España), Ginastera (Argentina) Bartok (Hungría), Bonneau (Francia).

Boletos B./10.00 B./5:00 B./1.00. En taquilla del Teatro.

Tom Harrell -Upswing 1993

2008-11-04T07:00:00.001-08:00

161 MB / 320 kbps

Temas:
1 Upswing 8:55
2 Angela 7:01
3 Train Shuffle 10:25
4 Emergence 10:22
5 Time's Mirror 7:33
6 Blues Connotation 6:35
7 Procession 10:56
8 Tune-A-Tune 8:59

Músicos:
Tom Harrell (trumpet, flugelhorn);
Phil Woods (alto saxophone);
Joe Lovano (tenor saxophone);
Danilo Perez (piano);
Peter Washington (bass);
Bill Goodwin (drums).

Tom Harrell has managed to fight courageously (and successfully) against schizophrenia to become one of jazz's top trumpeters of the 1980s and '90s. On-stage, he is totally focused on his playing and seems to only come alive when he is improvising. Harrell grew up in Northern California and toured with Stan Kenton (1969), Woody Herman (1970-1971), and Horace Silver (1973-1977). He moved to New York in the mid-'70s, and played during this period with Cecil Payne, Bill Evans (1979), Lee Konitz's Nonet (1979-1981), and George Russell (1982). Harrell traveled the world with the Phil Woods Quintet (1983-1989) and went on to generally lead his own bands, recording for Contemporary and Chesky before landing at RCA for 1996's Labyrinth; subsequent outings include 1997's The Art of Rhythm and 1999's Time's Mirror, 2001's Paradise and 2003's Wise Children. In 2007, Harrell moved to High Note and released Light On. His style mixes together the power of Clifford Brown with the lyricism of Chet Baker.

This album: JUN. 11&12, 1993

An all-star frontline of Tom Harrell, Joe Lovano, and Phil Woods head this impressive sextet record on the Chesky label. The writing on Upswing is inspired throughout, as is generally the case on Harrell's albums. The addition of a third horn allows Harrell to create colors in his arrangements that weren't possible with the two-horn format of many of his previous recordings. The playing on the Upswing is uniformly exceptional.

Harrell sticks to flugelhorn for most of the date, often favoring it in situations that would instinctively call for trumpet, and sounds marvelously lyrical throughout. Tenorist Joe Lovano also plays strongly, contributing a wonderfully aggressive and energetic solo on Harrell's "Train Shuffle." Fans of altoist Phil Woods will be delighted by his performance here, as he sounds in fine voice, bringing his idiosyncratic pitch bends and witty in-jokes to the session.

Pianist Danilo Perez accompanies enthusiastically, raising the intensity of all those involved. Upswing should be considered an essential purchase for those interested in exploring the Harrell discography.

Rumbéatelo part. 1
Rumbéatelo part. 2

George Garzone - One Two Three Four 2006

2008-11-04T06:55:00.001-08:00

89.5 MB / 256 kbps

Músicos:
George Garzone Sax (Soprano), Sax (Tenor)
Chris Crocco Guitar
Dennis Irwin Bass
Pete Zimmer Drums

Temas:
1 Ballad for Trane Werner
2 Head Now Garzone
3 I Remember You Schertzinger
4 Central Park West Coltrane
5 Hey, Open Up Garzone
6 Falling Grace Swallow
7 Stablemates Goldon
8 Fox in the Woods Garzone
9 The Melody of Ayn, Pt. 1 Garzone
10 Giant Steps Coltrane
11 Tribute to Trane Garzone
12 Melody of Ayn, Pt. 2 Garzone

Saxophonist George Garzone is a member of The Fringe, a jazz trio founded in 1972 that includes bassist John Lockwood and drummer Bob Gullotti, that performs regularly in the Boston area and has toured Portugal. The group has released three albums. A veteran jazzman, Garzone has appeared on over 20 recordings. He began on the tenor when he was six, played in a family band and attended music school in Boston. In addition Garzone has guested in many situations, touring Europe with Jamaaladeen Tacuma and performing with Danilo Perez, Joe Lovano, Jack DeJohnette, Rachel Z and John Patitucci among others.

Garzone is well-known as a sought-after jazz educator, teaching at the Berklee College of Music, New England Conservatory, Longy School of Music, New York University and the New School University Jazz and Contemporary Program.

He has pioneered the triadic chromatic approach and students of his have included Joshua Redman, Branford Marsalis, Teadross Avery, Luciana Souza, Mark Turner, Donny McCaslin, Doug Yates and Danilo Pérez, to name a few.

In 1995 he recorded a fine tribute to Stan Getz on NYC called Alone; Four's and Two's followed a year later with compatriot Joe Lovano which earned him four stars in Downbeat magazine, and in 1999 Garzone returned with Moodiology. Fringe in New York was released in summer 2000. He is a member of the Grammy-winning Joe Lovano Nonet, and performed and recorded with this group at the Village Vanguard in September 2002. George is endorsed by Rico Reeds.

Rumbéatelo:

Claudio Roditi - Slow Fire 1989

2008-11-04T06:43:00.001-08:00

72.1 MB / 224 kbps

Temas:
1. Slow Fire
2. Papagaio (The Kite)
3. Feel Good - Claudio Roditi, DeMello, Thiago
4. Molambo (Vagabond) - Claudio Roditi, Florence
5. Feitio de Oração - Claudio Roditi, Rosa
6. Annette's for Sure
7. Carolina - Claudio Roditi, DeHollanda, Chico B
8. Brazil, Infinity
9. It Was Nice Before, in the Rain
10. Lullaby for Kristen

Créditos:
Claudio Roditi: Percussion, Piano, Trumpet, Arranger, Flugelhorn, Vocals
Jay Ashby Trombone
Ignacio Berroa Drums
Phil Carroll Artwork, Art Direction
Rafael Cruz Percussion
Thiago de Mello Percussion
Arnaldo DeSouteiro Liner Notes
David Finck Bass
Daniel Freiberg Synthesizer
David Gahr Photography
George Horn Mastering
Helen Keane Producer
Gilles Margerin Design
Rudy Martoni Remixing, Assistant Engineer
Ralph MooreSax (Tenor)
Scott Noll Engineer, Remixing
Danílo Perez Piano
Portinho Percussion, Drums
Akira Tana Drums
Total Time: 44:37

Fuente:

http://es.wikipedia.org/wiki/Claudio_Roditi

Claudio Roditi (28 de Mayo de 1946, Rio de Janeiro, Brasil) es un trompetista de jazz. Es un artista versátil que integra con facilidad elementos del hard bop con ritmos brasileños y jazz latino. Posee un estilo emotivo y potente, siendo igual de hábil como solista, músico de conjunto o músico de estudio. Además compone y es arreglista, habiendo publicado diecisiete discos como solista hasta la fecha. Además de la trompeta toca el fliscorno.

Biografía

Comenzó a estudiar música con tan sólo cinco años. Desde los trece el músico carioca se interesó por el jazz tras oir grabaciones de Louis Armstrong, Harry James y otros trompetistas norteamericanos. Su pasión por el jazz se acentuó cuando posteriormente tuvo la oportunidad de escuchar a Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Miles Davis.

"Mi tío debía de tener la mejor colección de discos de jazz de todo Brasil en su época. Solía escucharlos en su casa, especialmente a Charlie Parker y Miles. Los sonidos se me quedaron grabados; no sabía lo que era o lo que algunos de los temas eran, símplemente me gustó la música."

Con veinte años quedó finalista de la Competición Internacional de Jazz de Viena, y el año siguiente se instaló en México. Llegó a Estados Unidos en 1970 y comenzó a estudiar en la Berklee School of Music de Boston, donde fue influenciado por el estilo de Clifford Brown y Lee Morgan. En 1976 se traslada a Nueva York y comienza a actuar en el competitivo ambiente jazzístico neoyorquino destacándose rápidamente como un músico de jazz de primera línea.

En esa época actúa con músicos como Joe Henderson, Charlie Rouse, Herbie Mann, Tito Puente, McCoy Tyner o Paquito D'Rivera con el que colabora regularmente desde entonces.
"Amo tanto el jazz americano que me dije... tengo que ir hasta la fuente, tengo que ir donde la música nació... para respirar esa música e intentar hablarla sin demasiado acento"

En 1995 fue nominado para un grammy por su Symphonic Bossa nova, grabada con la Royal Philarmonic Orchestra y Ettore Stratta.

En la actualidad lidera su propia banda y desde 1989 acompaña con frecuencia a la United Nations Orchestra de Dizzy Gillespie. Además de los mencionados ha colaborado a lo largo de su carrera con Nancy Wilson, Arturo Sandoval, Horace Silver, Portinho, Romero Lubambo, Helen Keane, David Finck, Ignacio Berroa, Jay Ashby, Malcolm Addey, Danilo Pérez, Mark Murphy, Mark Morganelli, Hendrik Meurkens, Michael Carvin, Ron Cartero o Mongo Santamaría, entre otros. Desde 2004 graba en exclusiva para el sello alemán Nagel Heyer. Reside en Nueva Jersey.

Discografía

* Red On Red (Greene Street, 1984)
* Claudio! (Uptown, 1985)
* Gemini Man (Milestone, 1988)
* Slow Fire (Milestone, 1989)
* Two Of Swords (Candid, 1990)
* Milestones (Candid, 1990) — seleccionado mejor CD de jazz de 1992 por CD Review
* Jazz Turns Samba (Groovin' High, 1993)
* Daywaves (Terra Musica (Brasil), 1993)
* Free Wheelin' (Reservoir, 1994)
* Samba Manhattan Style (Reservoir, 1995)
* Claudio, Rio & Friends (Groovin’ High, 1996)
* Claudio Roditi - Metropole Orchestra, con la orquesta Metropole (Mons Records, 1996)
* Double Standards (Reservoir, 1997)
* Mind Games - Live (Summit, 1998)
* Child of the universe (Vwc, 2000)
* Brazilian Dreams, con Paquito D'Rivera (MCG Jazz, 2002)
* Light in the Dark (Nagel Heyer, 2004)
* Three for One (Nagel Heyer, 2004)
* Reflections (Nagel Heyer, 2005)
* Smile (Nagel Heyer, 2006)
* Impressions (Sunny Side, 2006)
* Two of Swords (Candid, 2007)

Claudio Roditi ha colaborado en los siguientes discos:

* America/Brasil, Herbie Mann (Lightyear, 1997)
* Blue Bossa, Mccoy Tyner (Lester Recording Catalog, 1991)
* Brazilian Dreams, Paquito D'Rivera (MGC Jazz, 2002)
* Brazilliance, Marco Figueira (Blue Toucan, 2004)
* Brazil-Once Again/Sunbelt, Herbie Mann (Collectables, 1978-1979)
* Ceora, James L. Dean (Cexton, 1997)
* Colors Of Latin Jazz: Samba!, varios artistas (Concord Special Products, 2002)
* Colors Of Latin Jazz: Shades Of Jobim, varios artistas (Concord Special Products, 2002)
* Colours & Dimensions, Peter Leitch (Reservoir (City Hall), 1996)
* Conversations With My Family, Mike Garson (Resonance, 2008)
* Each One Teach One, Michael Carvin (Muse, 1995)
* Eindhoven Concert, Chuck Israels (Azica, 1997)
* Essential Harry Belafonte, Harry Belafonte (Legacy, 2005)
* For Miles, Candid Jazz Masters (Candid, 1995)
* Fuego, Mongo Santamaría (Fania, 2006)
* Harlem Sunset, Chip White (Postcards, 1994)
* Jobim Songbook, Maucha Adnet (Kind of Blue, 2006)
* Like Old Times, Nick Brignola (Reservoir (City hall), 1994)
* Live At The Carlyle, Barbara Carroll (DRG, 1992)
* Mccoy Tyner And The Latin All-Stars, Mccoy Tyner (Telarc Jazz Zone, 1999)
* Mellow/Hold On I'm Coming, Herbie Mann (Collectables, 1981)
* Message From Monk, Larry Gales (Candid, 1990)
* Phoenix Rising, Ken Hatfield (Arthur Circle Music, 2002)
* Primavera en Nueva York, Martirio (Calle 54, 2007)
* Samba Jazz Fantasia, Duduka Da Fonseca (Anzic, 2002)
* Straight To The Soul, Howard Prince (Accurate, 1993)
* Summit Jazz Adventure, varios artistas (Summit, 1999)
* Textures, Jim Hall (Telarc, 1997)
* Things To Come, Dizzy Gillespie Alumni All-Star Big Band.l (Telarc, 2002)
* To Diz With Love: The Diamond Jubilee Recordings Live At The Blue Note, Dizzy Gillespie (Telarc, 1992)
* Tonight I Need You So, Jeanie Bryson (Telarc, 1994)
* Triple Play: Dizzy Gillespie - The Final Recordings, Dizzy Gillespie (Telarc Jazz Zone, 1998)
* Ballads 2004, varios artistas (Nagel Heyer, 2004)
* Tudo Azul, Susan Pereira & Sabor Brasil (Riony, 2006)
* Hot Brass, Ricky Ford (Candid, 2007)
* Live At The Jazz Plaza Festival 1985, Dizzy Gillespie (MVD Visual, 2007)
* Night In Englewood, Paquito D'Rivera (Messidor Records, 1994)
* Tomorrow's Jazz Classics 2005, varios artistas (Nagel Heyer, 2005)

Rumbéatelo:

Herbie Mann - Big Boss Mann 1970

2008-10-04T22:02:00.000-07:00

320 Kbps / 88,286 Mb

Temas:
01 Let's Boom Chitty Boom
02 What'd I Say
03 Señor Blues
04 Bijou
05 Jungle Fantasy
06 Watermelon Man
07 Interlude
08 The Jive Samba
09 Ave Maria Morena
10 Manteca

Músicos:
Bass - Bobby Rodriguez, Earl May
Clarinet [Bass] - Danny Bank
Flute - Herbie Mann
Percussion - Carlos "Patato" Valdes, Carlos Diaz, José Luis Mangual, Rafael De Vila,
Raymond Sardinis, Tommy Lopez, Willie Bobo, Willie Rodriguez
Piano - Charlie Palmieri, Chick Corea
Saxophone - Jimmy Heath
Trombone - Jack Hitchcock, Mark Weinstein
Trombone [Bass] - Quentin Jackson, Tony Studd
Trumpet - Carmell Jones, Ernie Royal, Jerry Kail, Joe Newman
Vibraphone - Dave Pike
Arranged by Oliver Nelson

Gracias a BlackDog

Rumbéatelo:

Candido - Conga Soul 1962

2008-10-04T21:20:00.000-07:00

320KB / 92,01MB

Músicos:

Drums, Charlie Persip
Trombone, Jimmy Cleveland
Baritone Saxophone, Jay Cameron
Piano, Lalo Schifirin
Conga and Bongo Drums, Candido
Bassists, Milt Hinton on Lady is a Tramp, Conga Soul, Dark Eyes and New Secrets
Bassists, George Duvivier on Lady Eve, Toccata, Big Noise from Winnetka, The Champ, Long Long Summer, Love for Sale.

Side A:
01 Conga Soul
02 The Lady is a Tramp
03 Toccata
04 The champ
05 Love for Sale

Side B
06 Big Noise From Winnetka
07 New Secrets
08 Lady Eyes
09 Dark Eyes
10 Long Long Summer

Candido Camero: (nacido 22 de abril de 1921) es percusionista cubano (principalmente conga y bongo) que el respaldo muchos Afro-Cuban jazz y jazz actos sencillos desde el decenio de 1950.
Al principio él había grabado en su nativa Cuba con Machito. Se trasladó a Nueva York en 1952 y comenzó a grabar con Dizzy Gillespie. Durante 1953-54 fue en el cuarteto de Billy Taylor y en 1954 actuó y grabó con Stan Kenton.

También gozan de algunos éxitos durante la era disco, muy en particular con la Babatunde Olatunji escrito vía "Jingo", que grabó para Salsoul Records.
Fue galardonado con el National Endowment for the Arts Jazz Masters Award. Un gran rendimiento con Kenny Burrell en su primera nota sesiones azul »; disponible en el CD" La introducción de Kenny Burrell ".~wikipedia.org

Este álbum, publicado por primera vez por ABC-Paramount, marcó el percusionista cubano Cándido Camero del debut discográfico como líder, mientras que él y, obviamente, tiene un papel destacado, estas sesiones de 1956 representan mucho más que un vehículo para su conga y el bongo a jugar. La banda incluye la siempre inspirada saxofonista tenor Al Cohn, pianista Dick Katz, el bajista Whitey Mitchell, guitarrista Joe Puma, y el batería Ted Sommer. Las selecciones incluyen joyas de la época swing, mostrar canciones, y los originales, todo lo cual swing como locos. El grupo está en su mejor en la conducción "Stompin ', en la Saboya," debido a su inspirado solos y los intercambios entre Cohn y el líder (en los bongos).

Puma contribuido la easygoing "Candi Bar", mientras que Sommer "de la Cámara Cándido" es un vehículo de lucimiento snappy Candido y Al Cohn. Uno puede imaginar fácilmente disfrutar de la animada interpretación de "Perdido" en un club nocturno cubano. El líder de la marcha de tempo-como la introducción de "Poinciana" sugiere Ravel's Bolero antes de que él se relaja en su cadencia más los movimientos de balanceo.

A través de romp "Cheek a Cheek" proporciona un final satisfactorio a un CD muy agradable. Por último volvió a publicar en el verano de 2004, este remasterizadas Verve edición limitada debe ser considerado esencial para los amantes del jazz latino. ~ Ken Dryden, All Music Guide.

Gracias a Candela

Rumbéatelo:

ROBERTO ROENA Y SUS MEGATONES - SE PONE BUENO/IT GETS BETTER 1966

2008-10-04T21:08:00.000-07:00

320 KBPS - 84 MEGAS

Temas:
1.- SI LOS RUMBEROS ME LLAMAN
2.- LA RUBIA DE MI PUEBLO
3.- SE PONE BUENO
4.- QUE SE FUÑAN
5.- MARACAIBO ORIENTAL
6.- AHORA SI QUE TENGO GANAS (YOU’RE MY DESIRE)
7.- EL CANTANTE DEL AMOR
8.- TAKE FIVE
9.- DESCARGA LOS MEGATONES

Músicos:
ROBERTO ROENA CONGAS
MARIO ORTIZ TROMPETA
ELIAS LOPEZ TROMPETA
JESUS CAUNEDO SAX TENOR FLUTE
TATA PALAU SAX ALTO FLUTE
LUCHON NUÑEZ TROMBON
PITO SEPULVEDA TROMBON
MARIO ROMAN PIANO
ENRIQUE AVILES PIANO
LIN TORRES BAJO
“GOLF” TIMBALES
DANIEL VASQUEZ BONGO
SAMMY AYALA GUIRO
CORO: ANDRES MONTAÑEZ, PEDRO RODRIGUEZ Y SAMMY AYALA

LA ANECDOTA DE ESTE DISCO, PARA EL QUE NO LA CONOZCA, ESTA EN LA INFORMACION: ALGO SOBRE LA HISTORIA DEL GRUPO Y COMO SE FORMO, TOMADO DE UNA ENTREVISTA A ROBERTO ROENA

EEG: ¿Cómo surgió Roberto Roena y sus Megatones?

RR: Yo [todavía] estaba en el Gran Combo. Cuando estaba en Puerto Rico, a mí se me ocurrió los miércoles -- que era mitad de semana -- buscar un sitio para que los músicos tocaran los que le diera las gana. El grupo no era mío. No era ningún músico fijo; eran los que llegaran. A las cinco semanas ya lo que tenía era ganas de decirle: “Mira, no vayas hoy”, porque era un lío. ¡Cada número que tocábamos, eran 30 o 40 músicos metidos en una tarima! (RISAS DE TODOS) Pero la suerte es que eran todos tipos profesionales, estrellas.

Iban a descargar, porque todo músico tiene la fiebre de ir a un sitio a tocar, a descargar, debido al cansancio ese de estar tocando lo mismo. Yo decía: “Vamos a tocar tal número”. Yo de charlatán, diciéndoles a todos esos maestros que estaban allí. Entonces sucede que entre todas esas personas, había un montón de líderes, un montón de estrellas, y yo era el que mandaba.

Todo el mundo me seguía al pie de la letra, tú sabes, y me entró la fiebre del liderazgo. Más que fiebre, fue una inquietud -- aparte de que estábamos tocando sin papeles, sin música. Eran números atrevidos. Era, más bien, la cuestión que yo quería hacer -- lo que dentro de Roberto existía. Tocábamos mucho mambo jazz, que es lo que está pasando ahora, pero nosotros lo tocábamos en ese tiempo. Participaban Andy (Montañez) y Pellín (Rodríguez).

EEG: Ellos hicieron el coro en el primer disco de Los Megatones, ¿no?

RR: Sí. Les pongo Andrés Montañez y Pedro Rodríguez, por la compañía de discos (1). Bueno, en el disco no sale tampoco que allí canta Ismael Quintana a dúo con Camilo Azuquita en [el tema] “Que se fuñan”. El (Ismael) estaba en Puerto Rico y llegó a la grabación.

EEG: Eso es poco sabido...

RR: No, nadie lo sabe. El que canta a dúo con Camilo Azuquita es Ismael Quintana.

EEG: ¿Por qué escogiste a Camilo Azuquita como cantante para ese disco?

RR: Bueno, era el tipo que estaba libre. [Era un] amigo mío que estaba allí y nadie le daba la oportunidad.

EEG: El nombre original de ese disco era “Se pone bueno / It Gets Better”. Sin embargo, el CD que salió bajo el sello Fania tiene el nombre de “Poderoso”. La portada es una foto tuya en la actualidad. No incluye los créditos; sólo menciona el nombre de las canciones. ¿Sabes la razón de esta anomalía? ¿Le has reclamado a Fania al respecto?

RR: Bueno, tú sabes, yo verdaderamente nunca he sido un tipo de esos. No me gusta ir a corte por nada. Si yo me pongo a arrancarle algo a Fania, a lo mejor nunca lo haría por eso. Hay tantas cosas que a mí me han pasado allí, que no lo he hecho. No quiere decir que no lo voy a hacer nunca. A mí me gusta, y respeto tanto la música, que no tengo idea de yo verme en una corte en un caso sobre la música.

EEG: En ese disco con Los Megatones, ¿fue la única vez que trabajaste con el legendario productor Pancho Cristal?

RR: Exacto, exacto. Acuérdate que era Tico Records (adquirido por Fania más tarde), y eran comerciantes (Nota: El álbum salió originalmente bajo el sello Alegre).

(1) Roberto Roena y sus Megatones salió bajo el sello Alegre. Andy Montañéz y Pellín Rodríguez aún estaban con el Gran Combo, bajo el sello Gema.

LOS COMENTARIOS ESCRITOS EN LA CONTRACARATULA DEL LP:

Los conjunto musicales más populares de Puerto Rico, han venido surgiendo en los últimos años por aclamación del propio publico que los ve en televisión, los oye en sus presentaciones radiales o asiste a los bailes populares en que se presentan en los fines de semana.

No es muy difícil cuando se piensa en producir un disco para el gusto popular, el armar un contrato con uno de esos grupos populares, escoger el repertorio deseado y llevarlo al estudio, con la casi seguridad de crear un hit, pues con al ayuda promocional de lo anterior expuesto, cualquiera lleva su grupo de entusiastas fanáticos, que no solo comprarían el disco, sino que al mismo tiempo servirían de medio de propaganda entre sus amigos para cooperar a la promoción del mismo.

En este caso, cuando nos dispusimos a grabar este disco de larga duración, lo hicimos a sabiendas de que es un grupo nuevo, casi desconocido por los televidentes o los radioyentes, y muy poco visto como tal en los salones de bailes, desconocidos casi como conjunto musical pero muy conocido individualmente, porque ROBERTO ROENA, su director, ha estado en el ambiente musical por varios años, siempre muy querido y respetado por su afán de poder algún día dirigir su propia agrupación y en esta lo ha logrado y LOS MEGATONES pertenecen en la actualidad a las mas populares orquestas de PUERTO RICO, por lo que podemos asegurar que como grupo, es un verdadero escogido de “TODOS ESTRELLAS”, que aportan lo mejor de su carrera para demostrar que pueden competir con los mejores.

Las selecciones interpretadas por CAMILO AZUQUITA, ese magnifico joven panameño, vocalista de la agrupación están hechas con maestría, es una voz nueva, que triunfa en todo Puerto Rico, por su sincera interpretación. Y así, se agruparon a ROBERTO ROENA, el siguiente escogido que aquí exponemos al publico con la seguridad de que será de su agrado, como lo ha sido para mi, trabajar con esta magnifica agrupación.
PANCHO CRISTAL

Gracias al buen gusto de PabloSalsa

Rumbéatelo:

Son Primero - Tradición Cubana en New York 1987

2008-10-04T20:50:00.000-07:00

320 Kbps / 60 Mb

Temas:
1. Pide que lo toque
2. Yo soy de alli
3. Tus falsos celos
4. Ya lo ves corazon
5. El truco de regatillo
6. El avance

By Canuco "Canuco" (New York City) - See all my reviews
Son Primero, a fabulous 1987 charanga release on Montuno with plenty of free blowing from the various luminaries present. Flutist Dave Valentin sounds superb, as does Pupi Legaretta (violin), the late great lyrical Jorge Dalto (piano), Charlie Santiago (timbales) and the very talented Oscar Hernandez (piano on some of the cuts). It's very exciting charanga in a modern context. Dave Valentin is in his true element. He has never sounded better The only drawback is it's short run time but then again this was structured for lp. Recommended.

Esto va gracias al aporte de luisbegazo

Rumbéatelo:

Irving Saladino Medalla de Oro en Beijing, China 2008

2008-08-18T07:38:00.000-07:00

Hacemos un parentesis para resaltar la noticia de que el saltador de longitud Irving Saladino, hoy 18 de agosto 2008 nos lleno de orgullo al ganar la 1ra. medalla de oro que un panameño alcanza en la historia de los Juegos Olímpicos esta vez en Beijing, China .

A la verdad que esa medalla de oro cae en buena lid, por las constantes polémicas entre los delincuentes y ratas, mal llamados dirigentes deportivos que hay en este pequeño Panamá, de la cual quieren ser cabecillas de todas las disciplinas, para lucrar los pocos fondos que hay en ellas, además de que llegan limpios y salen ricos, por no decir millonarios, como constantemente expresa el candidato presidencial Ricardo Martinelli y que a la verdad tiene su razón.

Por contarles que en Panamá hay tantas heces fecales como Diputados (que le hacen gestos con las bolas a los periodistas) Abogados (borrachos que estuvieron al borde de la muerte, por conducir en total estado de embriaguez) un Odontólogo presidente de la federación panameña de atletismo manifestaba que Fernando Samaniego ("presidente del comite olímpico panameño") había inscrito a Joe Douglas, entrenador de Kamani como atleta, cuando este señor tiene 70 años...... ahora se tiran la bola, para ver cual es el peor de todos ( personas sin estudios), otros con mas de 20 años en los puestos y lo único que han desarrollado es su bolsillo.

Ninguno sabe por donde va tabla... ni en subida y ni en bajada jugaron algún deporte, pero como no fueron escogidos por el presidente de la nación, este no los puede botar, pero tampoco se pronuncia, para ser intermediario en estas nefastas dirigencias, pero bueno el pueblo no tiene la culpa del memo que dirige su destino, con decirles que fueron solo 5 deportistas y más de 20 manzanillos (vividores, gusanos) y tuvieron problemas de entradas a Beijing, Bayano Kamani y Jessica Jiménez tuvieron problemas con las entradas a Beijing, Saladino tuvo que costear sus gastos en Beijing ya que la dirigencia no tramito su llegada a tiempo y le dijeron que guardara las facturas, para quien sabe cuando se lo pagan. Ahora estas ratas llegaran hartos de chow mein, puerco asado, wanton, sumai, hampao con la plata de las federaciones, eso si, ojalá se encuentren un chino de la Avenida B que le venda un Té verde, pero que en realidad sea relleno de Racomin.

Pero lo que importa es que todos tus compatriotas (excepto los dirigentes carroñeros) nos sentimos endiosado por tu desempeño, disciplina y perseverancia, además de que sigas con tu humildad y sencillez ( de la que a muchos les hace falta ) por la cual siempre te ha destacado.

Le presentamos una breve cronología de sus logros.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Irving_Saladino

Irving Saladino ( Nacido el 23 de enero de 1983 en Colón, Panamá). Atleta panameño especialista en salto de longitud.

Participó en los Juegos Olímpicos de Atenas 2004, donde no consiguió clasificarse para la final, debido primordialmente a una lesión sufrida durante los entrenamientos en Atenas.

Su revelación internacional se produjo en 2006, cuando ganó la medalla de plata en los Mundiales indoor de Moscú con un salto de 8'29 (récord de Sudamérica indoor), a solo un centímetro del ganador Ignisious Gaisah, de Ghana.

A principios de la temporada al aire libre consiguió en Río de Janeiro un salto de 8'56, que es la mejor marca mundial de la presente temporada y el récord de Sudamérica.

En el circuito atlético Europeo ha ganado en cinco de las seis pruebas que componen la Golden League. Ganó en Oslo, Roma, Zurich, Bruselas y Berlín, mientras que fue 2º en París, precisamente tras Ignisious Gaisah, que ya le había derrotado en el mundial indoor. Ello le valió un premio de 83.333 dólares.

El 24 de mayo de 2008, durante la reunión de Hengelo (Holanda) Irving saltó hasta los 8´73 metros batiendo su propia marca y consiguiendo la séptima mejor de la historia.

El 18 de agosto de 2008 en Beijing, China con un salto de 8,34m Irving Saladino logro la medalla de oro en Salto de Longitud, convirtiendose así en el número uno del mundo en esta modalidad.

Año	Competición	Lugar	Puesto	Marca
2002	Campeonato Mundial junior	Kingston, Jamaica	10º	7,39 m
2003	Campeonato de Sudamérica	Barquisimeto, Venezuela	3º	7,46 m
2004	Juegos Olímpicos	Atenas, Grecia	18º (c)	7,42 m
2006	Campeonato Mundial en Pista Cubierta	Moscú, Rusia	2º	8,29 m
2006	Campeonato Iberoamericano	Ponce, Puerto Rico	1º	8,42 m
2007	Juegos Panamericanos	Rio de Janeiro, Brasil	1º	8,28 m
2007	Campeonato Mundial	Osaka, Japón	1º	8,57 m
2008	Juegos Olímpicos	Beijing, China	1º	8,34 m

WOODY SHAW - Stepping Stones Live at the Village Vanguard 1978

2008-08-17T22:08:00.001-07:00

80.6 MB / 160KB

Temas:
1.Stepping Stone (Live Version) 15:12
2.In A Capricornian Way (Live Version) 18:37
3.Seventh Avenue (Live Version) 13:55
4.All Things Being Equal Are Not (Live Version) 20:05
5.Escape Velocity 18:34
6.Blues For Ball (Live Version) 28:32
7.Theme For Maxine (Live Version) 1:40

Músicos:
Woody Shaw - Trp.
Carter Jefferson - Sax
Onaje Allan Gumbs - Piano
Clint Houston - Bass
Victor Lewis - Drum

WOODY SHAW
Stepping Stones: Live at the Village Vanguard (Columbia/Legacy)

When it comes to jazz reissues, the Mosaic label is to box sets what Columbia/ Legacy is to single-album releases: the gold standard. Stepping Stones makes available, for the first time on CD, Woody Shaw’s only live recording for Columbia. (His four Columbia studio albums were reissued in 1992 in the Mosaic box The Complete CBS Studio Recordings of Woody Shaw.) It contains three bonus tracks and vibrant sound (due to Mark Wilder’s mastering using Sony’s DSD technology). It also provides three new, moving, illuminating sets of liner notes by Shaw’s son Woody III, producer Michael Cuscuna and Shaw’s sideman and close friend Steve Turre.

Stepping Stones is one of the greatest albums ever made at the Village Vanguard—a large but justified claim. Shaw’s classic quintet (Carter Jefferson, Onaje Allan Gumbs, Clint Houston, Victor Lewis) absolutely smokes the challenging material, and the energy is all but overwhelming. The leader is beside himself, slashing and cracking and soaring. Yet Shaw is also capable, as on “In a Capricornian Way,” of a flickeringly ornate cornet solo. On “Escape Velocity,” he follows the clarion shrieks of Jefferson’s crisis with a more elegant catharsis of his own.

In 2005, if you want to hear envelope-pushing trumpet music of the future, play 27-year-old Woody Shaw records. -Thomas Conrad

Tomado de: www.jazztimes.com

Rumbéatelo:

Willie Bobo - Do that thing guajira 1963

2008-08-13T22:30:00.000-07:00

MP-3 / 192 KBPS

Temas:
1-Bobo! Do That Thing
2-Diferente
3-Be's That Way
4-Un Solo Favor
5-Azulito
6-Grab Your Hat
7-Chickadee
8-Guajira
9-Rigor Mortis
10-Latin Interlude
11-A La Bobita
12-Ritmo Tymbal

Willie Bobo fue uno de los grandes percusionistas latinos de su tiempo, un interpete incesante con mucho swing para las congas y los timbales, un extravagante animador en el escenario y un cantante atractivo aunque modestamente dotado. El hizo también serias incursions en los mundos del pop, del rhythm and blues y del jazz más ortodoxo, y siempre dijo que su canción favorito era "Dindi" de Antonio Carlos Jobim.

Creció en el Harlem Español y comenzó a tocar los bongoes sólo para terminar tocando con Pérez Prado un año después, estudiando con Mongo Santamaría mientras era su traductor, y uniéndose a Tito Puente durante cuatro años a los diecinueve años. Mary Lou Williams le dio a Correa su apodo de Bobo cuando grababan juntos a principios de los cincuenta.Después de trabajar con Cal Tjader, Herbie Mann y Santamaría -con quien grabó el clásico latino "Afro-Blue"-, Bobo siguió con su primer disco como líder en 1963, con Clark Ferry y Joe Farell acompañandolo.

Al grabar para Verve a mediados de los años sesenta, Bobo consiguió su mayor visibilidad como solista con álbumes que avivaron el pop de la época con ritmos latinos, como "Spanish Grease" y "Fried neck bones and some home fries."

Además, Bobo tocó en innumberables sesiones en Nueva York, grabando con artistas como Miles Davis, Cannonball Adderley, Herbie Hancock, Wes Montgomery, Chico Hamilton y Sonny Stitt. En 1969, se mudó a Los Ángeles donde dirigió combos de jazz y de jazz latino, apareció en la primera serie de Hill Cosby (1969-1971) y en shows de variedades de 1976, y grabó solo para Sussex, Blue Note y Columbia.

Una de las últimas apariciones de Bobo, solo tres meses antes de su muerte por cancer, fue en el Festival de Jazz Playboy en 1983, donde se reunió con Santamaría por primera vez en 15 años. (Gracias a Funking You )

Discography

Sabroso! (Fantasy, 1961)
Do That Thing/Guajira (Tico, 1963) ^[1]
Bobo's Beat (Roulette, 1964)
Let's Go Bobo! (Roulette, 1964) ^[2]
Spanish Grease (Verve, 1965)
Uno, Dos, Tres 1.2.3 (Verve, 1966)
Feelin' So Good (Verve, 1967)
Juicy (Verve, 1967)
Bobo Motion (Verve, 1967)
Spanish Blues Band (Verve, 1967)
A New Dimension (Verve, 1968)
Evil Ways (Verve, 1968)
Do What You Want To Do, Tomorrow Is Here (Sussex, 1971) ^[3]
Tomorrow Is Here (Blue Note, 1977) [2]
Hell Of An Act To Follow (Columbia, 1978)
Bobo (Columbia, 1979)

Rumbéatelo:

¡ Labasta llegó !

2008-08-13T22:26:00.000-07:00

36619 KB /128 Kbits

Temas:
01. La Toalla
02. Bello Amanecer
03. No Volvere
04. San Antonio
05. La Gallina
06. Labasta Llego
07. Yo Soy El Guaguanco
08. Guaguanco Bongo
09. Sun Sun Ba Ba E
10. Noche De Farra

Gracias a zheonmac

Rumbéatelo:

Rafael Labasta y Su Orquesta - En Vivo En El Rancho Grande ´70

2008-08-13T21:53:00.001-07:00

320 Kbps / 91.5 MB

Temas:

01 Mucho Guaguanco (aguanile)
02 Esta Noche la paso Contigo
03 El Rey de los Pollos
04 Luis Chacon
05 Piculina
06 Sansón Batalla
07 Traición
08 No Volveré
09 El Ultimo acto
10 Chaleco

Músicos:
Rafael Labasta - Primera Trompeta, Director
Victor Castillo - Segunda Trompeta
Alberto Gibbs - Piano
Carlos Prado - Bajo
Manuel Vence - Timbal
Santiago Labastid - Bongos
Victor Porte - Conga
Ricardo Chase - Voz
Moises Bustamante -Voz

Rafael Labasta, trompetista de origen dominicano, un profeta fuera de su tierra, el cual hizo carrera en la hermana República de Panamá. Para él, su segunda patria y quien le transformara su vida, llenándola de nuevos conocimientos y grandes amigos.

El mago de la trompeta, una persona internacionalmente conocida, que ha militado y participado con las más cotizadas orquestas del mundo de la música latina. Empezo con Cortijo y su combo, después paso a la orquesta de Francisco Bastar “Kako”, y luego hago unos días con Charlie Palmieri y la Duboney. Tambien toca con Tito Rodríguez, Machito, Tito Puente, Willie Rosario, Tommy Olivencia, Oscar de León y orquestas como la de Chuito Vélez, Vicentico Valdéz, Mon Rivera, Alegre All Stars, entre otras.

Como director de orquestas, ha acompañado a: Roberto Carlos, Alberto Cortés, Charles Aznavour, Barry White, Donna Summer, Harry Belafonte, Sammy Davis Jr, José José, La Lupe, Marco Antonio Muñiz, Armando Manzanero, Olga Guillot, Roberto Ledesma, Lola Flores, La Sophy, Nelson Ned, Rolando La Serie, Leo Marini, Luigi Texidor, Ismael Miranda, Pete “Conde” Rodríguez, Marvin Santiago, Cheo Feliciano, Justo Betancourt, Adalberto Santiago, entre otros. (www.herencialatina.com)

Gracias a Pepe

Rumbéatelo:

El Festival pone Edimburgo patas arriba

2008-08-13T20:39:00.000-07:00

Viaje al bullicio de la ciudad escocesa, inabarcable escenario de las vanguardias escénicas.

Tomado de: www.elpais.com

Un café, un cruasán y una obra de 10 minutos titulada Cate Blanchett quiere ser mi amiga en Facebook. Cinco actores interpretan la pieza matinal en la segunda planta de un viejo edificio. No cabe un alma y una veintena de personas se queda sin butaca, bajo la lluvia y sin otro sugerente bocado: Drew Barrymore y Sigmund Freud conocen al monstruo de las galletas.

En la ciudad en agosto, según Rhod Gilbert, hasta los retretes públicos sirven de teatro

i> No muy lejos, en el Queens Hall (las entradas también están agotadas), la pianista venezolana Gabriela Montero, después de cautivar al auditorio con piezas de Bach, Chopin, Debussy, Schumann y Liszt, pide que alguien del público le tararee una canción para regalar una de sus populares "improvisaciones". Un hombre con barba y aires de aristócrata ermitaño se pone en pie y entona con energía la melodía de Flor de Escocia. La sala entera se pone a cantar y la exuberante pianista teclea la sintonía entre ovaciones.

Así es Edimburgo en agosto: el mayor escenario del mundo de teatro, danza, música y ópera. Una ciudad donde (la frase es del cómico galés Rhod Gilbert) hasta los retretes públicos sirven de teatro. Durante el verano, la ciudad duplica su población. El Fringe, que agrupa las propuestas alternativas, convoca en esta edición 2.088 espectáculos (de los que más de 600 son monólogos cómicos), mientras que la programación oficial del festival, que se inauguró el pasado viernes con Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, de Kurt Weill y Bertolt Brecht, concentra un centenar más de propuestas.

La obra de Weill y Brecht, tragicomedia salpicada de ragtime, blues, tango y foxtrot, abrió las puertas de una edición dedicada a las fronteras. "El festival nació en la posguerra como la expresión optimista de una Europa que debía reconstruirse. Debe sus orígenes a un alto sentido de la comunidad en un continente que necesitaba restaurar su esperanza", señala Jonathan Mills, director del festival, para quien la palabra "comunidad" está hoy nuevamente cargada de significado. Las compañías principales de este año llegan de Polonia, Hungría, Rumania, Bosnia, Georgia, Líbano, Turquía, Palestina, Israel e Irán. Países que proponen un teatro moderno cruzado por las tradiciones.

The Dybbuk se estrenaba el sábado por la noche en el King's Theatre. Un drama de origen yiddish sobre memoria y fantasmas. Las sombras del Holocausto, el peso implacable del pasado y las almas que vagan en pena por un mundo sin tregua. Una novia vestida de blanco baila poseída por su amante por el escenario. A la obra, adaptada por el polaco Krysztof Warlikow, no le falta ni filosofía budista ni un exorcismo in situ de la novia que, después de comerse a bocados un melón, sólo le falta escupir azufre al paciente público. Del más allá también llega la frágil voz de la dramaturga Sarah Kane, la escritora de Bristol que se colgó a los 28 años y que dejó en forma de obra de teatro su testamento suicida. En 4. 48 Phsycosis (título que hace referencia a la hora de la madrugada en la que el deseo de vivir llega a su punto más bajo), Kane escribió: "Para poder seguir adelante tienes que acabar con parte de tu conciencia. O serás crónicamente sana en una sociedad crónicamente insana".

El teatro como terapia y el teatro como espejo del absurdo moderno. Dos obras del Fringe han cosechado algunas de las mejores críticas de la temporada. Charlie Victor Romeo tiene un planteamiento sencillo: la tripulación de un avión y un texto macabro, el de la transcripción de las cajas negras de varios accidentes aéreos ocurridos en EE UU. Un espectáculo -"de terror", puntualiza un crítico- cuyo lenguaje a veces incomprensible y abstracto provoca una náusea de vértigo y ansiedad. Para la compañía estadounidense Collective Unconscious Company, que firma la obra, Charlie Victor Romeo trata sobre la especie humana y su innato valor en situaciones extremas.

Del enigma de una caja negra a la barra de un bar del Nueva Orleans pos-Katrina. The Team (Theater of the Emerging American Moment) está detrás de Architecting, revisión posmoderna de Lo que el viento se llevó en la que Rhett Butler y Scarlett O'Hara se reencuentran como hambrientos capitalistas dispuestos a reconstruir la ciudad devastada. Teatro escrito e interpretado por un grupo de ambiciosos treintañeros que hace un año ya deconstruyeron otro filme-icono de su país, El mago de Oz, convirtiéndolo en parábola política.

El mejor sitio de Edimburgo está o dentro de una sala o debajo de un paraguas. La lluvia no da tregua a las decenas de actores callejeros que cantan, bailan o recitan aunque truene. La lluvia no parece molestar a nadie. Mujeres zancudas, vestuarios isabelinos, versiones a capella de Van Morrison y un hombre pintado de blanco y desnudo que ofrece una coreografía conceptual pasada por agua. Se llama Shigeru Gotoh y reparte su número de teléfono por si alguien quiere contratarle.

Solo y colgado de una escalera se presenta el actor Martin Niedermair con la obra australiana The tell-tale heart, que recrea textos de Edgar Allan Poe. La obra, en la sección oficial, está dirigida por Barrie Kosky. Otro viaje a la locura en el que el miedo (el actor suda y suda colgado de una escalera en una interpretación casi atlética) muestra los abismos de las obsesiones del autor de Annabel Lee. Otro monólogo desesperado en un festival que rebaja las dosis de intensidad dramática a golpe de autobiografías cómicas.

De todas ellas es una ex chica Bond la que más atención acapara este año. Britt Ekland (bomba sexual que fue mujer de Peter Sellers y una de las rubias favoritas de Rod Stewart) ha convertido los episodios de su vida en un espectáculo de humor y resistencia. "Fui una gatita sexy hasta los 54 años", asegura Ekland en una entrevista en la que celebra haberse reciclado en una "divertida" mujer de 65 años capaz de reconstruir su vida a golpe de gag. Bajo el título Britt on Britt, la actriz reivindica una madurez plena junto su chihuahua Tequila, "el único hombre en vida".

"He venido muchas veces como actor y ahora vengo a Edimburgo como profesor. Ésta es una experiencia única", afirma Justin Joseph, profesor de teatro de la localidad de Latymer. De su instituto llega una versión minimalista de Elegies, un musical de Brodway sobre el sida que se representa el lunes a la hora de comer y sólo para 20 personas. Una habitación oscura y sin decorados donde una docena de adolescentes canta y baila interpretando a las víctimas de una fiesta que se acabó. Y una señora, en primera fila, que llora desconsoladamente por "los ángeles, los punkis y las reinas furiosas".

Y lo que queda...

- Irán. Las primeras entradas agotadas fueron las del espectáculo iraní Devil's ship, dirigida por un discípulo de Peter Brook, Attila Pessyani, y que se estrena a finales de mes con cinco mujeres encabezando el reparto. Además, el cineasta Abbas Kiarostami presentará el viernes 15 su último filme: Looking at Tazieh.

- Sarajevo. Bajo el título Class enemy y dirigido por Haris Pasovic, la obra (se estrena el día 20) lleva la violencia de una clase de adolescentes a las calles de Sarajevo.

- Ópera. Uno de los grandes estrenos del festival, el 25 de agosto, será la ópera King Roger, filosófica y romántica, dirigida por Karol Szymanowski.

- Poema ritual. El Teatro Nacional Palestino estrena este jueves Jidariyya, adaptación escénica de un poema de Mahmoud Darwish entre lo más hermoso de la sección oficial.

El Fotógrafo que Desnuda a los Escritores

2008-08-13T20:18:00.000-07:00

Daniel Mordzinski expone 180 retratos de autores iberoamericanos

Tomado de: www.elpais.com

Por: WINSTON MANRIQUE SABOGAL - Madrid - 19/07/2008

Click... click... y cuando Javier Cercas se da cuenta está en mitad de su piscina portátil en Gerona, con el agua a las rodillas y leyendo un Hamlet. Fue lo único que puso de su parte para la foto en que lo inmortalizó Daniel Mordzinski. El autor de Soldados de Salamina no supo en qué momento el fotógrafo argentino lo embaucó e hizo que él solito se metiera en la piscina entre risas y bromas. "Mordzinski tiene la ventaja de ser muy cordial", cuenta Cercas, "su conversación fluye de manera natural sobre literatura y otras cosas. No te fuerza a nada y cuando te das cuenta te estás prestando a fotos impensables".

A fotos literarias. A retratos que complementan la vida del escritor y su obra. A imágenes que son punto de partida o final de una historia por contar donde el escritor es el protagonista. Como se aprecia en la exposición de la Casa de América de Madrid: Daniel Mordzinski. Fotógrafo entre escritores, una antología de 30 años de trabajo y 180 retratos expuesta hasta el 7 de septiembre.

Poetas, narradores y ensayistas españoles, portugueses y latinoamericanos que han construido parte de la historia de la literatura de las últimas tres décadas están allí, en su casa o en la calle, vestidos o desnudos, pero siempre descubriéndose a sí mismos.

Aunque Mordzinski (nacido en 1960) no recuerda el momento exacto en que empezó este proyecto fotoliterario, sabe que fue hace 30 años, en Buenos Aires, la ciudad donde nació y se formó literaria y sentimentalmente: "Daba mis primeros pasos en el cine y asistí al rodaje que iba a hacer el mismísimo Borges en San Telmo; hice una serie de fotos que durante algún tiempo no supe interpretar. Un día releí mi trabajo y descubrí que tenía una pista para andar ese camino de cómplice de la literatura. Eran tres pasiones que luchaban por mi corazón: la fotografía, el cine y la literatura. Pero lo que sí me hubiera gustado hacer es cine. Convengamos entonces que la fotografía fue el fruto de una noche de amor entre el azar y la necesidad".

Un arreglo con el destino para crear un pasadizo al universo de los escritores y la literatura con fotografías narrativas.

Jorge Amado, sentado y despojado sus pies de sus chanclas de verano, o Álvaro Mutis, acostado en una playa a la sombra de una roca, o Roberto Bolaño, casi mimetizado entre la vegetación. Imágenes de escritores que "son en verdad una interpretación profunda y respetuosa de su personalidad tal como aparece reflejada en sus rasgos, semblante y expresiones", escribe Mario Vargas Llosa en el catálogo donde él aparece con las manos juntas sobre su cara (¿orando?).

Gabriel García Márquez, de pie sobre unas rocas y visto desde abajo, con un faro que asoma al fondo, o Ana María Matute, sentada en un salón iluminado por la luz que se filtra por los huequecillos de la persiana.

La complicidad que establece con los autores se debe, en parte, según Luis Sepúlveda, a que él lee las obras de sus fotografiados. El autor de Un viejo que leía novelas de amor cree que ahí está parte del poder de seducción del artista argentino, capaz de convencer a alguien como él de ponerse en medio de un gran rebaño de ovejas asomando sólo su cabeza. "Recupera la lúdica del trabajo y la existencia. Sabe que tu imagen va a hablar mucho de ti".

Para Daniel Mordzinski "se trata de alcanzar la zona franca, el estado de gracia en que puedes hacer una buena foto y no el clásico retrato de compromiso. Si en mi trabajo hay una compensación es que las fotos tienen una dimensión personal. Propongo una aventura divertida, rápida, respetuosa, digna y segura".

¿Y cómo sería un autorretrato mordzinskiano? "Sin cámara, sentado en un café, vestido de blanco, viendo la gente pasar, con toda la calma del mundo, conjuradas las prisas y las preocupaciones... ¡Como en un negativo fotográfico!".

Kako y Totico - La Maquina Y El Motor

2008-08-13T19:58:00.000-07:00

TEMAS:
01 La Maquina Y El Motor
02 Asi Se Baila
03 Oye Mora Linda
04 Los Barrios Unidos
05 Oye Los Tambores
06 Para Ya, Bandolera
07 Parece Que Esta Lloviendo
08 Cambio Sile
09 Atencion Senores
10 El Trabuco Special

Gracias a Melosan

Rumbéatelo:

Esperanza Spalding - JUNJO 2006

2008-08-13T18:34:00.000-07:00

192 Kbps - 66 MB

Músicos:
Esperanza Spalding - Bass
Aruán Ortiz - Piano
Francisco Mela - Batería

Temas:
1. Peacocks
2. Loro
3. Humpty Dumpty
4. Mompouana
5. Perazuán
6. Junjo
7. Cantora de Yala
8. Two Bad
9. Perazela

Tomado de: www.tomajazz.com

Comentario: Esperanza Spalding es una mujer afroamericana guapa, de aspecto frágil, que tan sólo cuenta con 23 años de edad y toca el contrabajo y canta. Semejante carta de presentación, así como el hecho de que compartiera la última jornada del Festival de Jazz de Vitoria con Norah Jones podría hacer suponer a priori que su inclusión como líder en el cartel del festival obedeciera a una temprana amortización de prematuros criterios comerciales. Pero los que tuvimos la suerte de verla en el Festival de Jazz de Móstoles hace un mes con Joe Lovano ya habíamos superado todos los prejuicios.

Esperanza Spalding es una fuerza de la naturaleza. Su envidiable técnica de contrabajo viene avalada por su puesto de profesora en la Berklee School of Music. Su sonido es penetrante y su energía contagiosa. Siempre sonriente, y bailando al son de su propia música, este prodigio de coordinación ataca sus líneas de bajo con lenguaje, improvisa con gusto y canta a la vez con soltura sin perder precisión en su labor contrabajística. Esperanza Spalding no es una anécdota, sino un nombre a tener en cuenta. En su cita vitoriana presentaba su primer disco, Junjo (editado por la compañía barcelonesa Ayva Music), labor que afrontó con desparpajo y espontaneidad.

Muy bien secundada por el batería Lyndon Rochelle y un Leo Genovese que rozó la perfección al piano, la Spalding supo conformar un repertorio variado que compensaba sus devaneos vocales con el hacer instrumental del trío. Abarcando un amplio abanico jazzístico apoyado en originales, el reconocimiento popular vino de la mano de "Body And Soul" y el brasileño "O bem do mar", donde la voz de Esperanza se expresó con dulzura y sentimiento. Técnicamente su coordinación entre ambas extremidades superiores la permite volar sobre el contrabajo como si tocar dicho instrumento fuera algo sencillo. Su dominio del mástil y del oído la permite abordar cualquier nota independientemente de su altura sin necesitar mirar su mano izquierda ni apoyarse en notas de referencia.

Esperanza Spalding sorprendió en su debut alavés, hasta el punto de compartir con e. s. t. el privilegio de ofrecer dos bises. El primero demostró una claridad de ideas que esperamos no fructifique ("sé que esto es un festival de jazz, pero le quiero comprar una casa a mi madre, así que voy a tocar un tema pop"), el segundo fue abordado en solitario, sin piano ni batería. Solas ella, su contrabajo y su voz. Con su inconfundible pelo a lo afro, su dulce carita de niña buena y su perpetua sonrisa , Esperanza Spalding parece estar viviendo un sueño, y tal vez sea así. En todo caso, de momento se lo merece.

Gracias a post de bassistgirl

Rumbéatelo:

Bobby Pauneto - El Sonido Moderno 1969

2008-08-13T16:40:00.001-07:00

320 KBPS

Temas:

1. Aguanatando
2. Mi Flor Tropical
3. Is It Tasty
4. Alfie
5. Why Is Woody Sad
6. Mambo Sevilla
7. El Señor Sid
8. Dig It Like It Is
9. Chinatown
10. Pero Dime Tu

Tremendo disco, buenísimo....gracias a Hennessy107

Rumbéatelo:

REPORTAJE: IDA Y VUELTA - Haciendo su trabajo

2008-08-13T15:21:00.000-07:00

Foto: Susana Sáez
( 24, Abril 1928- 25, Julio 2008)

REPORTAJE: IDA Y VUELTA Haciendo su trabajo

El pasado sábado 9 de agosto me enteré de la muete del tremendo saxofonista Johnny Griffin (25 de julio, 2008) conocido con el mote de (The Litte Giant- el pequeño gigante) por el amigo, coleccionista, artista y saxofonista Eduardo Irving, entonces no me quedo otra cosa que buscar algo sobre su hermosa y admirble discografía. Aquí le presento este artículo que salió en el País y algunas de sus producciones.

Tomado de: www.elpais.com Babelia
Por: Antonio Muñoz Molina 02/08/2008

Charles Simic me contó que una vez, cuando era muy joven, una noche de finales de los años cincuenta, se atrevió a acercarse a Thelonious Monk en la barra del club Five Spots para decirle cuánto lo admiraba. Era una noche entre semana y el club estaba bastante vacío. Para los aficionados de ahora, educados en los discos y en los libros, en el romanticismo de las fotografías en blanco y negro, el Five Spots es un remoto lugar de leyenda. Para el hombre muy joven que vivía pobremente en Nueva York y tenía aún recuerdos muy cercanos de la guerra y del miedo en Europa, el jazz había sido, escuchado en la radio en Belgrado, la promesa de un mundo más jovial, mucho más amplio, menos hostil a la vida. Iba a los clubes y por el precio escaso de una cerveza que podía marear entre las manos hasta que se le quedaba caliente escuchaba a aquellos músicos prodigiosos cuya singularidad verdadera casi nadie advertía, porque la daban por supuesta, y porque eran muchos y tocaban en sitios que sólo la distancia del porvenir ha ennoblecido: clubes angostos, llenos de humo y de ruido, regentados por gánsteres, marcados por un grosero racismo. Una vez, a Miles Davis, que acababa de estrenar un traje nuevo, le dieron una paliza que lo dejó sin conocimiento unos policías a los que les había parecido sospechoso o provocador que un negro anduviera tan bien vestido.

En el Five Spots, con su cerveza mustia en la mano, Charles Simic escuchaba y veía hechizado a Thelonious Monk Jimmy Cobb roza los platillos como si dibujara una acuarela. No hay ni rastro de exhibicionismo, nada que sugiera que ese hombre es un maestro

En el Five Spots, con su cerveza mustia en la mano, Charles Simic escuchaba y veía hechizado a Thelonious Monk. Era muy joven, dice, agradecía las cosas pero ahora comprende que no les daba la importancia que merecían. Después de un aplauso anémico que resonaba más tristemente en la sala medio vacía, Monk, oscilando con su volumen y sus andares de plantígrado, con un sombrero estrambótico en la cabeza, se acercó a la barra en la que sólo estaba Charles Simic y se sentó en el taburete contiguo al suyo.

Simic tenía la timidez del fervor y de los veinte años. Escribía versos y se pasaba las noches leyendo, pero los músicos de jazz le parecían mucho más atractivos que los escritores. Thelonious Monk estaba inclinado montañosamente sobre la barra muy cerca de él, solo, bebiendo en silencio. Simic se armó de valor, tragó saliva y se acercó un poco más, diciendo el nombre, "Mr. Monk", tal vez en una voz demasiado baja para que Monk lo oyera, tan sumergido en ese mundo de niebla del que no salía nunca del todo, y en el que pasó recluido los últimos diez años de su vida. Por fin se volvió despacio, mirando al hombre mucho más joven con sus grandes ojos lentos y bovinos. Lo siguió mirando así, sin variar la expresión, sin hacer ni un gesto, sin parpadear, mientras Simic hablaba, mientras le decía cuánto había disfrutado el concierto, cuánta admiración sentía por él. Amedrentado, tal vez dominado por el sentimiento juvenil de ridículo, se quedó sin saber qué más decir. Monk seguía mirándolo, como se observa una rareza. En ningún momento despegó los labios. El hombre joven sonrió como pudo, apuró su cerveza ya caliente, pagó y se marchó del club.

Hará unos veinte años, en el club Clamores de Madrid, yo me atreví a acercarme a Johnny Griffin al final de una actuación imborrable. Sonrió, todavía exhausto, con sus ojos achinados, el saxo tenor colgando del cuello; me estrechó la mano con gratitud y dijo, con la incomodidad con que ciertas personas pudorosas reciben los elogios: "Es mi trabajo". Ayer, escuchando la radio, me enteré de que Johnny Griffin acababa de morir, a los 80 años, y me acordé de su figura menuda y de la fiera energía con que tocaba el saxo aquella noche en Madrid, la misma que hay en tantos de sus discos, que raramente aparecen entre los más celebrados del jazz, pero en los que brilla siempre la inspiración y la entereza de un músico que se pasó la vida trabajando en un oficio tan hermoso como sacrificado. A finales de los años cincuenta tocaba en el cuarteto de Thelonious Monk: es posible que Charles Simic lo escuchara en el Five Spots y no se acordara de él. Su cabeza pequeña y sonriente aparece en esa foto colectiva que tomó Art Kane delante de un edificio de Harlem en 1958 y en la que puede verse, sin la menor duda, la mayor concentración de talento musical del siglo pasado.

No recuerdo ahora si estará en esa foto otro de los más tenaces trabajadores del jazz, el batería Jimmy Cobb, que entonces era sólo un año más joven que Johnny Griffin, y que estaba a punto de participar en la grabación de Kind of Blue, uno de esos pocos discos que por más que se escuchen siempre quedan por encima de su propia leyenda. Cómo no va a tener algo de mitológico un tiempo en el que Miles Davis, John Coltrane, Cannoball Adderley, Wynton Kelly, Paul Chambers, Bill Evans, se juntaban para grabar en la misma sesión. De todos ellos, sólo Jimmy Cobb está vivo.

En la barra del club Smoke, uno de estos días finales de julio, lo veo tomando una cerveza. Jimmy Cobb, que está en la gran historia de la música, ha tocado esta noche no como una estrella, sino acompañando a un pianista muy joven, Dan Nimmer, que tiene apenas 26 años, y a un contrabajista que también podría ser su nieto, John Webber. Dan Nimmer viene de la escuela del pianismo suntuoso de Art Tatum, pero también sabe ser rápido y seco, con esa cercanía lacónica a los blues que hay siempre en Duke Ellington y Count Basie. Con su traje y su corbata, a pesar de la noche de julio, con sus gafas de concha, Dan Nimmel tiene algo de ese empollón apasionado que esconde un alma de gamberro. Cincuenta y tantos años mayor que él, ancho y fornido, con una cara saludable, con una camisa azul y una gorra que le dan aspecto de cartero, Jimmy Cobb roza los platillos como si dibujara una acuarela, haciéndolo todo resonancia, y da unos golpes breves en el filo de los tambores o en los mástiles metálicos que se enredan en una especie de telegrafía con las notas sueltas del piano y la pulsación del contrabajo: igual podría golpear delicadamente con las baquetas la columna de hierro que hay junto a la batería o los ladrillos de la pared. No hay ni rastro de exhibicionismo, ni pirotecnias de percusión, nada que sugiera que ese hombre es un maestro. Al terminar toma algo en la barra cerca de mí, con los otros músicos, relajado y sonriente, con el alivio de quien ha hecho bien su trabajo, y yo no me atrevo a felicitarlo.

Músicos que para nosotros ahora son parte de una historia tan gloriosa como inaccesible, cuyos discos coleccionamos como reliquias y acerca de los cuales leemos en los libros, tocaban hace treinta o cuarenta años en los clubes de Nueva York sin que nadie les hiciera demasiado caso, en una época en la que el jazz había perdido el favor de la moda.

DISCOGRAFÍA

Apodado "Little Giant" por su corta estatura, Johnny Griffin, es uno de los últimos grandes creadores y exponentes todavía en activo mas genuinos del hard-bop. Nació en Chicago, uno de los centros urbanos mas importantes del blues y también del gospel, dos raíces musicales que marcaran beneficiosamente a Griffin durante sus años de formación. De madre cantante y padre cornetista, estudio muy pronto obóe, clarinete y saxofón alto y tenor en la famosa "Dusable High School" de su ciudad natal como alumno del no menos famoso Captain Walter Dyett, director musical de la escuela.

Su estreno musical le llegó a los 17 años cuando recién graduado se vio contratado gracias a su magnifica reputación por la banda de Lionel Hampton. Se unió a ellos en la primera gala de la gira en Toledo (Ohio) y ahí permaneció dos largos y fructíferos años. Regresó a Chicago en 1947 y codirigirá junto al trompetista, Joe Morris, un sexteto por cuya sección rítmica pasaron dos pesos pesados del jazz: el contrabajista, Percy Heath y el baterista, Philly Joe Jones. Llega la guerra de Corea y Griffin es movilizado y destinado a Hawai donde pasara dos años ( 1951-1953) tocando en la banda militar de la compañía.

Ya licenciado vuelve a su ciudad natal donde un buen día de 1956, aparece por allí el pianista Thelonious Monk, para cumplir un contrato de 15 días en el club "Bee Hive". Griffin es seleccionado de entre los músicos locales para tocar junto a Monk y a la vuelta el pianista habla maravillas de aquel saxo tenor de Chicago a su compañía discográfica por entonces, la Blue Note quienes tras una primera escucha lo contrata y un mes después graba el primer disco a su nombre: "Chicago Calling" todo un monumento del mejor hard bop de la época. Las cosas empiezan a suceder deprisa y Art Blakey, lo contrata para uno de sus Messengers y grabará con ellos tres álbumes, entre ellos uno con Monk al piano. Otra vez Monk se cruza en su camino y lo llama al año siguiente para sustituir nada mas y nada menos que a John Coltrane, en su cuarteto para grabar en el club "Five Spot" en 1958 y grabadas para Riverside bajo el titulo de "Misterioso".

En 1960 lo contrata su colega Eddie "Lockjaw" Davis, que le propone formar un grupo con dos saxos tenores y sección rítmica. La formula es todo un acierto y el éxito les acompaña desde el principio -graba ocho discos en dos años- pero la situación fiscalmente se tuerce y Johnny Griffin, decide irse a Europa harto de soportar las presiones del fisco americano. Griffin recorre Europa de cabo a rabo pero termina instalándose en Francia donde colabora entre 1962 y 1973 con la extraordinaria institución musical que fue la bigband de Kenny Clarke y Francy Boland. En el 1970 se traslada a vivir a Holanda donde se compra una granja y alterna las grabaciones y actuaciones con el cuidado de la misma. Visita España al final de la década de los setenta donde toca con el pianista, Tete Montoliu, y realiza anualmente un viaje a su patria para no ser olvidado. Falleció en julio de 2008 a los 80 años en un pueblo del centro de Francia, donde vivía autoexiliado desde 1963.

Johnny Griffin - Johnny Griffin Sextet

Johnny Griffin (tenor sax)
Donald Byrd (trumpet)
Pepper Adams (baritone sax)
Kenny Drew (piano)
Wilbur Ware (bass)
Philly Joe Jones (drums)

1. Stix' Trix
2. What's New
3. Woody'n You
4. Johnny G.G.
5. Catharsis

Recorded at Reeves Sound Studios, New York, New York on February 25, 1958

Johnny Griffin - Introducing Johnny Griffin (RVG-edition)

320 kbps + covers

This CD reissue does not have tenor saxophonist Johnny Griffin's first recording as a leader (he made a few sides for OKeh in 1953 and a full album
for Argo a few months earlier in 1956), but it gained Griffin a great deal of attention. Soon billed as "the world's fastest saxophonist," Griffin was also a superior ballad interpreter with a fairly distinctive tone of his own. With strong support given by pianist Wynton Kelly, bassist Curly Russell, and drummer Max Roach, Griffin romps on three of his originals, barn-busting versions of "The Way You Look Tonight" and "Cherokee" (the latter two were not on the original vinyl LP but included as bonus tracks on the initial CD release of the album), and a couple of ballads. Superior music. [In 2007 Blue Note reissued Introducing Johnny Griffin in a remastered Rudy Van Gelder edition.]

01. (00:03:57) Johnny Griffin - Mil Dew
02. (00:05:39) Johnny Griffin - Chicago Calling
03. (00:05:12) Johnny Griffin - These Foolish Things
04. (00:04:58) Johnny Griffin - The Boy Next Door
05. (00:04:23) Johnny Griffin - Nice and Easy
06. (00:05:03) Johnny Griffin - It's All Right with Me
07. (00:07:57) Johnny Griffin - Lover Man
08. (00:06:24) Johnny Griffin - The Way You Look Tonight
09. (00:04:18) Johnny Griffin - Cherokee

Playing Time.........: 00:47:50

53 Johnny Griffin - The Jazz Masters

01. Isfahan (10:48)
02. Take My Hand (9:39)
03. All Through The Night (6:30)
04. Coming On Hudson (5:17)
05. Woe Is Me (11:07)
06. Hush-A-Bye (7:33)
07. Out Of This World (6:05)
08. If I Should Loose You (8:00)

Johnny Griffin - The Little Giant (1959)

Artist: Johnny Griffin
Album: The Little Giant
Label: Riverside
Quality: FLAC & MP3@320
Size: 232 MB & 76 MB
Time: 34:17

This CD reissue is a bit offbeat, for the set by tenor saxophonist Johnny Griffin features three originals by then-obscure pianist Norman Simmons, a reworking of the pop tune "Playmates," Babs Gonzalez's "Lonely One" and the tenor's "63rd Street Theme." Simmons' arrangements for the three horns (which include trumpeter Blue Mitchell and trombonist Julian Priester) are colorful; the rhythm section (pianist Wynton Kelly, bassist Sam Jones and drummer Albert "Tootie" Heath) is state-of-the-art for the period, and Griffin (who is featured in a trio with Jones and Heath on "The Lonely One") is in fine form. An interesting set of obscure straight-ahead jazz. ~ Scott Yanow, All Music Guide

Personnel:
Blue Mitchell (tp)
Julian Priester (tb)
Johnny Griffin (ts)
Wynton Kelly (p)
Sam Jones (b)
Al Heath (ds)

Track Listings:
1. Olive Refractions (Norman Simmons)
2. Message (Norman Simmons)
3. Lonely One (Babs Gonzales)
4. 63rd Street Theme (Johnny Griffin)
5. Playmates (Saxie Dowell)
6. Venus and the Moon (Norman Simmons)

Recorded: Aug. 4 & 5, 1959
MP3@320
Johnny Griffin - Change Of Pace

Artist: Johnny Griffin
Album: Change Of Pace
Label: Riverside
Year: 1961
Genre: Jazz
Format: MP3: 320kbit/s
Time: 39:13
Size: 89,17 Mb (Megaupload)

Tenor saxophone, French horn, drums, two string basses; a change of pace, indeed, brought off with adventurousness and aplomb by Johnny Griffin. By 1961, when he recorded Change of Pace, Griffin had built a reputation as one of the most formidable hard-bop tenors. His greased-lightning abilities with the saxophone were well known from his work with Art Blakey, Thelonious Monk, and the group he co-led with Eddie "Lockjaw" Davis. Less recognized was the breadth of knowledge and curiosity that led Griffin to this unusual project. The instrumentation allowed textures more common to modern classical chamber music than to jazz. The experience and inclination of the players guaranteed unfettered swing. All of the compositions but one are by Griffin or his colleagues. His "Why Not'" underlines his admiration for Stravinsky with a melody line alluding to "Petrouchka."

with Julius Watkins, Bill Lee, Larry Gales, Ben Riley

Best tracks : Soft and Furry, Nocturne

Tracks:

1. Soft and Furry (Johnny Griffin) 3:58
2. In the Still of the Night (Cole Porter) 3:25
3. The Last of the Fat Pants (Johnny Griffin) 4:17
4. Same to You (Johnny Griffin) 4:19
5. Connie's Bounce (Consuela Moorehead-Lee) 3:55
6. Situation (Julius Watkins) 3:51
7. Nocturne (Bill Lee) 5:21
8. Why Not? (Johnny Griffin) 4:57
9. As We All Know (Bill Lee) 4:44

Performers:
Johnny Griffin (tenor saxophone)
Julius Watkins (French horn)
Bill Lee (bass)
Larry Gales (bass)
Ben Riley (drums)

Rec.Feb 7, 1961

Johnny Griffin - Grab This! (1963)

Artist: Johnny Griffin
Album: Grab This!
Year: 1963
Label: OJC/Riverside
Format: MP3 @320kbps
Size: 93mb (RS.com, w/ 5% file recovery)
Includes Covers + Liner Notes

Grab This! finds tenor Johnny Griffin in a soul-jazz mood, which is greatly aided by the organ of Paul Bryant. They are joined by guitarist Joe Pass, bassist Jimmy Bond, and drummer Doug Sides for nice workouts on several originals and a couple of standards. The band seems confident and relaxed throughout this recording, injecting everything it touches with a healthy dose of the blues. Griffin's tone is rich and full throughout, but is most striking on Ellington and Russell's "Don't Get Around Much Anymore" and the self-penned original "Grab This!" Bryant has been given special guest status, and his style is perfectly matched with Griffin's...

He also wrote the wonderful "Offering Time," a slow blues piece with a strong groove. While Pass' role here is more supportive, he turns in several fine solos, as on "63rd Street Theme" and "Offering Time." What is perhaps most striking about Pass' role here is his versatility: he appears as comfortable playing soul-jazz as he would playing hard bop or swing. Bond and Sides supply the steady rhythm needed to keep this soul-jazz moving along. It's amazing that five guys were able to get together and cut this album for Riverside in one day during the summer of 1962. Like Carmell Jones, Griffin moved to Europe in the '60s, lowering his profile in the United States. Grab This! is a fine album, and serves as a reminder of Griffin's lovely tenor sound. ~ Ronnie Lankford Jr., All Music Guide

Amazon.com reviewer:
Featuring Paul Bryant on organ, a very subdued Joe Pass (barely heard, but when he is, as tasty as chicken soup), Jimmy Bond on bass and Doug Sides on drums, this album swings in the painful sense of the word. Johnny Griffin's deep, warm, soulful, fluid and groovin' tone aside, Paul Bryant takes some of the richest and tastiest sounding organ solos probably ever laid down in any studio... in particular he's a master at chordal style soloing... but can also lay down the bop and gospel as well... much "cooler" than Milt Buckner, and leading more towards Johnny Hammond Smith you can hear, smell and feel the double Leslie spinnin on behind Johnny Griffin who takes you straight to heaven. Grab This *is* aptly titled... it *is* something you should grab... a collection of fantastic mid-tempo grooves recording in the summer of '62 and produced by the great Orrin Keepnews, this CD is Griffin's first recording with an organ combo that walks a rewardingly fine line between "soul Jazz" and heavy swing. Griffin outdoes himself on each cut, and if Offering Time doesn't make you want to get out the tamborine and movin' around or These Foolish Things don't want to make you make love, the answer is simple... yuh' ain't got no soul. This CD is a must have ! Also check out Freddy Roach's Good Move and Johnny Hammond Smith's Black Coffee if you dig this sound.

Personnel:
Johnny Griffin (tenor sax)
Paul Bryant (organ)
Joe Pass (guitar)
Jimmy Bond (bass)
Doug Sides (drums)

Recording Date : Jun 28, 1962

Tracks:
1. Grab This! (Griffin) 6:06
2. 63rd Street Theme (Griffin) 5:34
3. Don't Get Around Much Anymore (Ellington, Russell) 8:37
4. Offering Time (Bryant) 6:16
5. These Foolish Things (Link, Marvell, Strachey) 6:39
6. Cherry Float (Griffin) 5:29

Johnny Griffin - Do Nothing Til You Hear From Me (1963)

Artist: Johnny Griffin
Album: Do Nothing Til You Hear From Me
Year: 1963
Label: Riverside
Time: 36:13
Format: MP3 @320kbps
Size: 92mb (RS.com, with 5% WinRar File Recovery)
Includes Covers + Notes

Johnny Griffin, known as the world's fastest tenor-saxophonist in the late 1950's, purposely slowed down a bit on some of his later Riverside albums including this set which was reissued on a 1998 CD. Griffin is joined by pianist Buddy Montgomery (who switches to vibes on two of the six numbers), bassist Monk Montgomery (heard in a rare outing on acoustic bass) and drummer Art Taylor. They perform four standards (including "The Midnight Sun Will Never Set" and "That's All") and a couple of Griffin's basic originals. The music swings and the classic tenorman cuts loose a few times, making for enjoyable if not quite essential music. - AMG

Personnel:
Johnny Griffin (tenor saxophone);
Buddy Montgomery (vibraphone, piano);
Monk Montgomery (bass);
Arthur Taylor (drums)

Recorded at Tsubo, Berkeley, California in June 1963. Originally released on Riverside (9462). Includes liner notes by Joe Goldberg.

Tracks:
1. Do Nothin' Til You Hear From Me
2. The Midnight Sun Will Never Set
3. That's All
4. Slow Burn
5. Wonder Why
6. Heads Up

Johnny Griffin - The Congregation (1957)

Artist: Johnny Griffin
Album: The Congregation
Year: 1957
Label: Blue Note
Format: MP3 @320kbps
Size: 89 mb (RS.com w/ 5% file recovery)
AMG Rating: 5 stars

The Rudy Van Gelder-helmed reissue of 1957's THE CONGREGATION improves on what is already a classic Johnny Griffin date. Backed by Paul Chambers on bass, Kenny Dennis on drums, and Sonny Clark on piano, Griffin demonstrates his usual dazzling dexterity on the tenor sax. The mode is straightforward bop, with a balance of uptempo numbers and ballads, and plenty of stretching out all around. This set comes highly recommended--especially given the improved sound of the reissue--to fans of the style. - Cduniverse.com

Allmusic.com:
The great tenor saxophonist Johnny Griffin is heard in top form on this near-classic quartet set. Assisted by pianist Sonny Clark, bassist Paul Chambers, and drummer Kenny Dennis, Griffin is exuberant on "The Congregation" (which is reminiscent of Horace Silver's "The Preacher"), thoughtful on the ballads, and swinging throughout. It's recommended for bop collectors.

Allaboutjazz.com:
On this 1957 session, the “world’s fastest tenor” sets aside his gun-slinging ways in favor of comparatively restrained, straightforward preaching, consisting of some basic, rather predictable harmonic-rhythmic rhetoric and, of course, that distinctive sound. Griffin’s ample and slow Leslie- like vibrato is somewhat reminiscent of Dexter Gordon’s but without the long tall one’s frequently sardonic send-up of swing-era clichés, replacing them with tension-filled, dramatic alternatives derived from a chord's extended harmonies. In brief, the program on The Congregation is curiously unengaging: it would almost seem the “Little Giant” dispatched more souls with his six-shooters than his sermonizing.

A sense of over-familiarity sets in immediately with the introductory title song, a thinly disguised variation on Horace Silver's “The Preacher.” The remaining five tunes, including the ballad “I’m Glad There Is You,” all gravitate toward the same groove—a medium-up tempo in the key of concert F (a recurrent top tone in the tenor solos as well). And as solid, even sparkling, as they are, Paul Chambers’ bass solos on each of the tunes—at least three of them bowed—tend to underscore the repetitive, formulaic nature of the proceedings.

The virtuosity and rapid-fire articulations of the gifted tenor man begin to emerge on John Jenkins’ “Latin Quarter” (somewhat of a misnomer) with a couple of heated, double-timed choruses and an arresting cadenza, but the momentary spark is extinguished until Jule Styne’s always welcome “It’s You Or No One” which, though again in F, is at least taken at a slightly brighter tempo. Pianist Sonny Clark and Chambers are a flawless team as usual, and the somewhat unusual employment of drummer Kenny Dennis does nothing to obstruct their customary flow. The bonus track, “I Remember You” (in F, naturally), is another nice standard but does little for the program. Its inclusion, in fact, begs comparison with Cannonball Adderley’s superb Cannonball Takes Charge (Riverside, 1959), a session that employs the same instrumentation and a similar program yet maintains a hard, gemlike flame throughout.

Personnel:
Johnny Griffin - tenor saxophone
Sonny Clark - piano
Paul Chambers - upright bass
Kenny Davis - drums

Tracks:
1. The Congregation
2. Latin Quarter
3. I'm Glad There Is You
4. Main Spring
5. It's You Or No One
6. I Remember You (Bonus Track)

Johnny Griffin - A Blowing Session (1957)

Artist - Johnny Griffin
Album - A Blowing Session
Genre - jazz, hard-bop
Label - Blue Note
Year - 1957, release - 1988
Quality - MP3@320kb/s
Size - 57,8 mb
Total time - 38:23

Track List

1. Way You Look Tonight, The 10:15
2. Ball Bearing 09:42
3. All The Things You Are 08:11
4. Smoke Stack 10:11

Total time - 38:23

Personnel: Johnny Griffin, Hank Mobley, John Coltrane (tenor saxophone); Lee Morgan
(trumpet); Wynton Kelly (piano); Paul Chambers (bass); Art Blakey (drums).

Producer: Alfred Lion.

Recorded at the Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey on April 6, 1957. Originally released on Blue Note (1959).

This early date for saxophonist Johnny Griffin is one of his best. In addition to Griffin's renowned skill and speed on the tenor sax--which is evident throughout 1957's A BLOWING SESSION--the personnel here comprises an almost unbelievable all-star lineup. With Art Blakey's hard-swinging thunder on the drums, Paul Chambers holding down delicate-yet-complex bass lines, and Wynton Kelly's bluesy touch on the piano, the rhythm section is simply unbeatable. Add to this young firebrand Lee Morgan on trumpet, and the triple saxophone threat of Griffin, Hank Mobley, and John Coltrane, and you have one of the most talented bands of the hard-bop era.

These musicians existed in the same general orbit--all had played with groups led by Dizzy Gillespie, Miles Davis, or Blakey himself. As expected, they display a marvelous rapport, with plenty of fine interplay, invention, and heat to keep things cooking. The set features two Griffin originals and two standards ("The Way You Look Tonight," played at breakneck speed, and the lightly swinging "All the Things You Are"). The album is aptly named--Morgan, Coltrane, Mobley, and Griffin are in dazzling form on every track. This hard-bop classic deserves a place in every jazz fan's library.

Johnny Griffin - Take My Hand (1988)

Release Date: 1988
AMG Album ID: R 190486
Quality: mp3@320
Size: 124 Mb

Track list:
1. Isfahan
2. Take My Hand
3. All Through The Night
4. Coming On The Hudson
5. Woe Is Me
6. Hush-A-Bye
7. Out Of This World
8. If I Should Lose You

XI Festival de Salsa al Parque 2008,

2008-08-13T15:05:00.000-07:00

Tomado de: www.culturarecreacionydeporte.gov.co

En agosto Bogotá se moverá al compás de Cali Pachanguero, Una aventura, El sombrero de Yarey, Buenaventura y Caney, y temas de alta recordación de reconocidos músicos de Venezuela, en la versión 2008 del Festival Salsa al Parque.

El festival, organizado por la Secretaría de Cultura y la Orquesta Filarmónica de Bogotá, se realizará del 9 al 18 de agosto, en el marco de la fiesta de los 470 años de fundación de la Capital.

Las jornadas finales de conciertos serán el 16 y 17 de agoto en la Plaza de Bolívar. Dos días para azotar baldosa, con Orquestas como Yorubá, Enclave 80, Salsamonte, Yerbabuena musical y sus trombones, Calambuco-Salsa Brava, Guarango, Conjunto Típico Sabor a Caney y Palo Pa’rumba, como gran destacado de Bogotá.

La cuota salsera nacional estará a cargo de Toño Barrio y Alma de Barrio. Como invitados internacionales estarán La Original de Manzanillo de Cuba y La Descarga Criolla de Venezuela con sus invitados especiales: Cesar Monje, Cheo Navarro, Teo Hernandez y Ralph Irizarry de Puerto Rico. El Festival en su versión número 11 rendirá un gran homenaje al Grupo Niche y a su director Jairo Varela.

Las agrupaciones profesionales de bailarines, seleccionadas para el festival son: Fundación para el desarrollo artístico integral Sin Límite, Academia Paso Latino y Nueva Generación de Mambo y Chachacha.

El festival contará además con l aprticipación de Programadores especializados de salsa de la radio nacional, Actividades didácticas en varios escenarios y Encuentro de coleccionistas y melómanos

Programación Salsa al Parque

PLAZA DE BOLIVAR – 2:00 P.M. A 8:30 P.M.
ENTRADA GRATIS

HORA	16 DE AGOSTO	HORA	17 DE AGOSTO
2:00 A 2:35	GUARANGO	2:00 A 2:35	ORQUESTA DE LA POLICIA
2:35 A 2:50	ACADEMIA PASO LATINO	2:35 A 2:50	EMISORA DE LA POLICIA - WILLIAM ORTEGA
2:50 A 3:25	CONJUNTO TÌPICO SABOR A CANEY	2:50 A 3:25	ENCLAVE 80 ORQUESTA
3:25 A 3:40	EMISORA KENNEDY	3:25 A 3:40	RADIO SUPER CARLOS AMAYA
3:40 A 4:15	CALAMBUCO SALSA BRAVA	3:40 A 4:15	SALSAMONTE ORQUESTA
4:15 A 4:30	RCN EMISORA FIESTA - OMAR PÁEZ	4:15 A 4:30	RADIO SUPER JAIME VELASQUEZ
4:30 A 5:05	ORQUESTA YERBABUENA MUSICAL y sus Trombones	4:30 A 5:05	YORUBA ORQUESTA
5:05 A 5:20	EMISORA SALSUBA - FERNANDO LOPEZ	5:05 A 5:20	LAUD ESTEREO - YAISON PUENTES
5:20 A 5:45	ALMA DEL BARRIO – Samir Varela	5:20 A 6:00	PALO PA RUMBA INVITADO LOCAL
5:45 A 6:05	FUNDACIÓN PARA EL DESARROLLO ARTÍSTICO INTEGRAL - SIN LÍMITE.	6:00 A 6:20	COMPAÑÍA ARTÍSTICA NUEVA GENERACIÓN DEL MAMBO Y CHA CHA CHA.
6:05 A 6:40	TOÑO BARRIO - CALI	6:20 A 7:10	ORQUESTA INTERNACIONALORIGINAL DE MANZANILLO - CUBA
6:40 A 6:55	JAVERIANA ESTEREO - JAIME RODRIGUEZ	7:10 A 7:25	U.N. RADIO MANUEL DURANGO
6:55 A 8:30	HOMENAJE GRUPO NICHE – COLOMBIA	07:25 A 8:30	DESCARGA CRIOLLA - VENEZUELA Estrellas Invitadas de Venezuela: Cesar Monjes, Cheo Navarro, Teo Hernández, Ralph Irizarry (Pto. Rico)

9º ENCUENTRO DE COLECCIONISTAS Y MELOMANOS
PARQUE EL RENACIMIENTO Calle 26 Cra 22
Sábado 9 de agosto de 11:00 a.m. a 8:30 p.m.

Con la participación de KONGAS ORQUESTA, PAREJAS DE BAILE, Djs de Bares de diferentes localidades, Conversatorios

ACTIVIDADES DIDACTICAS

Taller de ensamble 11 y 12 de Agosto 9:30 a.m. ASAB (con inscripción para músicos)
Taller de music bussiness 20 de Agosto - Sala Otto de Greiff (entrada libre hasta llenar cupo)
Taller de percusión e improvisación 18 de Agosto Sala Oriol Rangel (para músicos)

Informes:
JEANNETTE RIVEROS y MARILUZ MORALES - jriveros@ofb.gov.co mmorales@ofb.gov.co

HOMENAJE A NICHE Y A SU DIRECTOR JAIRO VARELA

MURIÓ PUNTILLA, LA VOZ DE LA SANTERÍA Y LA RUMBA

2008-08-13T13:12:00.000-07:00

Fuente: Radio Gladis Palmera
El percusionista y cantante cubano Orlando Ríos, mejor conocido como Puntilla, falleció en el hospital Montefiore de Nueva York, a los 60 años. Puntilla, quien llevaba varios años sometido a un tratamiento de diálisis, fue uno de los más talentosos intérpretes de rumba y guaguancó en Estados Unidos, y se convirtió en un punto de referencia ineludible a la hora de hablar de música ritual afrocubana.

Nacido en La Habana en 1947, Ríos se estableció en Nueva York tras desembarcar en la famosa oleada de inmigración forzosa llamada Mariel, en Miami en 1980. Su primer valedor fue el también intérprete Eugenio Arango, Totico; pero luego se asoció con Daniel Ponce, los hermanos Andy y Jerry González, Gene Golden, René López y Eddie Bobé, entre otros, para fortalecer su trabajo en torno al complejo rítmico de la rumba.

Especialista en tambores batá, chekeres y demás instrumentos del ritual santero y afro, Puntilla tocó y cantó para grandes del jazz latino como el director Chico 0’Farrill y el productor Kip Hanrahan. Su actuación en el film Calle 54 lo llevó a la fama internacional, luego colaboró con el Caribbean Cultural Center, y su último trabajo individual fue un homenaje al compositor cubano Gonzalo Asencio para el Smithsonian Institute.

Trabajos de Puntilla

Billie Holiday-Lady In Satin 1958

2008-08-13T13:08:00.001-07:00

43 MB

Eleanora Fagan Gough (Philadelphia, 7 de abril de 1915 - Nueva York, 17 de julio de 1959)

En 1958 cuando Billie Holiday grabo Lady In Satin, la vida le estaba pasando factura después de 30 años de adicción a las drogas, el alcohol y las relaciones sentimentales destructivas.

Su voz ya no era la de años atrás, sin embargo esa voz ruda y cascada por la vida, canta cada tema del álbum con dolor y como si hubiese vivido cada estrofa en sus propias carnes.
El comienzo del disco con el tema I'm A Fool To Want You, hace que caigas rendido ante la que fue la reina del Jazz. Un año mas tarde moriría dejando atrás su extensa carrera musical que la convirtieron en leyenda!!!!!!!!!

Músicos:
Billie Holiday - vocals
Milt Hinton - bass
J.J. Johnson- trombone
Barry Galbraith - guitar
Barry Galbraith - guitar
Mal Waldron - piano
Urbie Green
Osie Johnson - drums
Phil Bodner
Romeo Penque - woodwinds

Temas:
1. I'm A Fool To Want You
2. For Heaven's Sake
3. You Don't Know What Love Is
4. I Get Along Without You Very Well
5. For All We Know
6. Violets For Your Furs
7. You've Changed
8. It's Easy To Remember
9. But Beautiful
10. Glad To Be Unhappy
11. I'll Be Around

Rumbéatelo:

Dave Holland Quintet - Points of View 1998

2008-08-13T12:58:00.000-07:00

Temas:
The Balance Holland
Mister B. Holland
Bedouin Trail Holland
Metamorphose Eubanks
Ario Holland
Herbaceous Holland
The Benevolet One Wilson
Serenade Nelson
Músicos:
Dave Holland (acoustic bass),
Steve Wilson (soprano, alto sax),
Robin Eubanks (trombone),
Steve Nelson (vibes, marimba),
Billy Kilson (drums)

Review: Dave Holland, who made a name for himself initially playing with Miles, Corea, Braxton and his own early-70s avant-jazz classic Conference of the Birds, has mellowed a bit. Not too imply the fire's gone out--just saying that this album could actually get radio-play during the daytime hours on a big-city jazz station or program.

The mildly Middle Eastern-tinged ballad "Bedouin Trail" recalls the more "exotic" compositions of Charles Tolliver ("Along the Nile"), Jackie McLean and Wayne Shorter. Eubanks' "Metamorphos" has a touch of the early-60s Blue Note "funky/soul-bop" sound along with its quirky melodic line and alternately punchy (Eubanks) and Konitz-cool flavored (Wilson) solos, before flirting with "out" passages. "Ario" is a genuinely pretty ballad (also Blue Note-ish), with nice unison play/interplay from the horns.

This is not a cutting-edge nor introspective session from Holland (who's still one of the best bassists on the planet, with that sturdy, supple tone), but a relatively straight-ahead one. And a good one, at that--it won't put you in orbit, but it's well worth a trip to the store. (And for jazz neophytes, not a bad album to start off with.)

Rumbéatelo:

Freddie Hubbard - New Colors

2008-08-13T11:04:00.000-07:00

Temas:
1) One of Another Kind- 7:58
2) Blue Spirits- 9:05
3) Blues For Miles- 6:31
4) Dizzy's Connotations- 8:42
5) True Colors- 5:05
6) Red Clay- 8:19
7) Osie Mae- 6:08
8) Inner Space- 7:45

Músicos:
Freddie Hubbard- Fluegelhorn, David Weiss- Trumpet, Craig Handy- Tenor and Soprano Saxophone, Javon Jackson- Tenor (Track 4), Myron Walden- Alto Saxophone (Tracks 1,2,5,8); Ted Nash- Alto Saxophone (tracks 3,4,6,7) Kenny Garrett- Alto Saxophone (Track 3), Luis Bonilla- Trombone (tracks 1-7), Steve Davis- Trombone (track 8), Chris Karlic- Baritone Saxophone, Xavier Davis- Piano, Dwayne Burno- Bass, Joe Chambers- Drums (tracks 1, 2, 5,8) Idris Muhammad- Drums (tracks 3,4,6,7

By Gerard Cox

The New Jazz Composers Octet, a New York scene collective of young players/composers dedicated to the ideal of new composition in jazz, here reaffirms their commitment to “new” jazz composition with nothing less than- you guessed it: backing up a aging jazz icon in an album consisting entirely of that icon's tunes.

How the irony of this could escape even the casual observer is beyond this reviewer. The New Jazz Composers collective, if one has checked out their web site, forswears to a mantra of creating original music. Perhaps it is they who are being ironic, or maybe this reviewer takes them too seriously in living out their ideal; in any event it is at least rather odd that the members of the Octet chose to do a record with Freddie Hubbard and play only his tunes.

Alas, people will say that there may not be new compositions on this album, but there are most certainly- New Colors. The line goes like this: The New Jazz Composers acquit themselves of any charges of fraud or pretense by their fundamentally “new” arrangements of these standby tunes like Red Clay and Blues for Miles. Fair enough, assuming however- assuming, that the arrangements transcended the tunes enough to make them seem truly, fundamentally, new, such as the “New Directions Band” (Greg Osby and co.) managed to do to a good extent on their album of Blue Note covers. Judging by the title this was undoubtedly their promise, but did they deliver?

The New Jazz Composers arrangements of classic Freddie Hubbard tunes do not transcend these tunes by any great measure. Furthermore, it is unfortunate that what “new colors” there are on these tunes is often less for the better. For starters, the opening track, the modal burner “One of Another Kind” is tamed to such an extent by a brass-heavy arrangement and a modest swing that it ends up having little vitality. We needn't even compare this rendition to the vigorous original (on a McCoy Tyner record) to realize how brazenly unmoving it sounds here. The blurred studio mix (that is a constant through the album) with way too much cymbals, doesn't help in the least bit.

“Red Clay”, another of Freddie Hubbard's wooly chestnuts, is another fine case in point, or victim if you will. Lest one be under the impression that Red Clay is THE veritable anthem of jazz-funk, we are treated to a West-Coastish rendition here that lumbers along in a very unfon-kay way. Freddie's opening solo (on fluegelhorn, as throughout) sounds as if he is altogether disinterested; his solo, no insult intended, actually sounds like a broken record. And despite the best efforts of Craig Handy and Xavier Davis in their solos, the track ends up sounding frankly like a cut from Jamey Aebersold play-along cd= flat and swinging in only the most stilted way.

That said, attributed to the blandness of “Red Clay” and other tracks is that the rhythm section is not at all responsive, and the horn section is similarly at fault (their refrains typically sound like they are on a 2-second time delay.) The collaboration of these two lacking performances means this band as a whole reeks of a studio auto-pilot aura from almost start-to- finish on this record.

Aside from the negatives, which admittedly are quite abundant here, “Blue Spirits” is one of the few genuinely worthwhile tracks on this record. Craig Handy's solo on soprano is incisive and Freddie Hubbard turns out his most thoughtful solo on the album as well. The Octet undergirds the soloists with responsive brass chorus' and here the band sounds most like one full unit, instead of Freddie +8 or the rhythm section being aloof. “True Colors” is also a pretty good one; the band actually swings a bit here and lets down its uptight studio hair. Craig Handy has a strong solo and Myron Walden follows suit. It is a tidy affair however, at only over 5 minutes. “Inner Space” is noted for its decent intensity. “Dizzy's Connotations” however is only fair and it is probably the most telling track of this record. It has an overwhelming vibe of modest ambition and indifference, with the results being suitably modest and indifferent. That is the par of this record; a modest studio outing it is.

Finally, there is the issue of (nominal) leader Freddie Hubbard himself. That is in fact an issue on this record, because there is no doubt that many people are going to buy this record on the basis of his name alone.

Please take care to realize that Freddie Hubbard is a NOMINAL leader in every sense of the word on this record. His name may be out front-and-center on the record cover but it is only obvious he is never out front-and-center as a musician here. His solos are brief and too often wavering, and he does not lead the band in playing the melodies in a very assertive way. For those expecting some kind of return to form by Freddie Hubbard here, you will be sorely disappointed, not only because he plays fluegelhorn straight through but because he doesn't even sound remotely convincing on the easier-played horn. The fact of the matter is, Freddie's chops are way down and this record, pity him or not, is he as a shadow of his former self. If you want to hear Freddie Hubbard like Freddie Hubbard can play, and of recent years- check out the live album reissued on Metropolitan a year ago. THAT was a return to form. This in contrast suggests a slippery slope for the future in his playing.

Finally, this is by no means a completely dismal record; there ARE moments here and there, and even a few tracks that hold interest all the way through. But it would not at all be an understatement to say that this is an exceptionally pedestrian, ho-hum blase record, and it is most certainly a contender for the top-ten blandest studio jazz records of 2001.

Why the New Jazz Composers Octet latched onto Freddie Hubbard to create not only a record comprised purely of Freddie's tunes, but a mediocre one at best, is confounding. These are supposedly “go get ‘em” cats who are very idealistic about the musical careers which lay before them, and yet here they play a very slim second fiddle to the big name of a fading Freddie Hubbard. For what? Affection or honoring Freddie? Perhaps, but if they also bet that Freddie's name can help them get exposure, they are right in theory but wrong so long as they don't realize the record has to stand on it's own merits. Maybe they will think harder about going against their own better wisdom (New Jazz Composition) next time.

Visit Freddie Hubbard on the web.
Freddie Hubbard at All About Jazz.

Rumbéatelo:

Keith Jarrett Tokyo '96

2008-08-13T10:58:00.000-07:00

Temas:
1.It Could Happen To You
2.Never Let Me Go
3.Billie’s Bounce
4.Summer Night
5.I’ll Remember April
6.Mona Lisa
7.Autumn Leaves
8.Last Night When We Were Young/Caribbean Sky
9.John’s Abbey
10.My Funny Valentine/Song

Músicos :
Keith Jarrett - Piano
Jack DeJohnette - Batería, Snare
Gary Peacock - Bajo .

Grabado en el Orchard Hall
de Tokio el 30 de Marzo de 1996 .

Rumbéatelo:

Eric Dolphy With Booker Little - Far Cry 1960

2008-08-12T21:07:00.000-07:00

Músicos:
Eric Dolphy-bass clarinet, alto sax, flute
Booker Little-trumpet
Jaki Byard-piano
Ron Carter-bass
Roy Haynes-drums.

Temas:
1. Mrs. Parker Of K.C. (Bird's Mother)
2. Ode To Charlie Parker
3. Far Cry
4. Miss Ann
5. Left Alone
6. Tenderly
7. It's Magic
8. Serene

Eric Dolphy (Los Ángeles, 20 de junio de 1928 - Berlín, 29 de junio de 1964), flautista, clarinetista (bajo) y saxofonista (alto) estadounidense de jazz. Aunque con aproximaciones exitosas al bop, su ámbito estilístico es el de la vanguardia jazzística en general, incluido el free jazz. Es un solista exuberante y un músico permeable a la utilización de sonidos no convencionales en sus interpretaciones.

Dolphy fue el primer flautista en desvincularse del bop (influido por James Newton) e introdujo y desarrolló el uso del clarinete bajo en el mundo del jazz como instrumento de solista.

Las primeras grabaciones de Dolphy las realizó durante su estancia con la orquesta de Roy Porter, en Los Ángeles, entre 1948 y 1950. Estuvo en el ejército durante dos años y después tocó anónimamente en esa misma ciudad hasta que se unió al Chico Hamilton Quintet en 1958.

En 1959 se estableció en Nueva York y se unió al Charles Mingus Quartet. Hacia 1960, grababa de forma habitual como líder para Prestige y conseguía ganar atención a su trabajo con Mingus, aunque con dificultades debido a su innovador estilo. Durante 1960 y 1961 grabó, entre otros, tres discos en el Five Spot acompañado del trompetista Booker Little, tocó free jazz con Ornette Coleman, participó en algunas sesiones con Max Roach y en varias en Europa.

A finales de 1961, Dolphy pasó a formar parte del John Coltrane Quintet; su actuación en el Village Vanguard provocó críticas conservadoras, acusándosele de tocar anti-jazz en unos solos extensos y muy libres. Durante 1962 y 1963 tocó un jazz más clásico con Gunther Schuller y la Orchestra U.S.A., y siguió experimentando con su propio grupo.

En 1964 grabó su disco clásico Out to Lunch para Blue Note y viajó a Europa con el Charles Mingus Sextet. Se estableció en el continente y murió a los 36 años por un coma diabético.

Llega por cortesía de mnmoritatr

Rumbéatelo Part. I
Rumbéatelo Part II